Основоположник абстракционизма в изобразительном искусстве. Стили живописи: Абстрактное искусство

Для меня стиль абстракционизм это прежде всего противостояние логике цивилизации. Вся история цивилизации последнего века построена на формулах, алгоритмах, принципах, уравнениях и правилах. Однако, человеку свойственно стремление к равновесию и гармонии. В связи с чем на заре века научно-технической революции появляется такое вот арт течение, которое не подчиняется классическим канонам рисования, а наоборот, служит своей целью дать свободу неосознанному и хаотичному, на первый взгляд лишенному смысла, но тем самым давая человеку возможность освободиться от влияния норм и догматов и сохранить внутреннюю гармонию.

Абстракционизм (от латинского abstractus — удаленный, отвлеченный) весьма широкое направление в искусстве XX столетия, возникшее в начале 1910-х в нескольких странах Европы. Для абстракционизма характерно использование исключительно формальных элементов для отображения реальности, где имитация или точное отображение действительности не было самоцелью.

Основоположники абстракционизма - русские художники и , голландец Пит Мондриан, француз Робер Делоне и чех Франтишек Купка. В основе их метода рисования лежало стремление к «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

В абстракционизме можно выделить два четких направления: геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях (Малевич, Мондриан), и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский). Также в абстракционизме есть еще несколько крупных самостоятельных течений.

Кубизм — авангардистское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто условных форм геометричной формы, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Районизм (Лучизм) - направление в абстрактном искусстве 1910-х г.г., основанное на cмещении световых спектров и светопередачи. Характерна идея возникновения форм из «пересечения отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета».

Неопластицизм — обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917-1928 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль»). Характерны чёткие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра.

Орфизм — направление во французской живописи 1910-х годов. Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью «закономерностей» взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей.

Супрематизм — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1910-х гг. Малевичем. Выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний. Сочетание разноцветных геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

Ташизм — течение в западноевропейском абстракционизме 1950-60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.

Абстрактный экспрессионизм — движение художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.

В прошлом веке абстрактное направление стало настоящим прорывом в истории искусства, но вполне закономерным — человек всегда находился в поиске новых форм, свойств и идей. Но и в нашем веке этот стиль искусства вызывает немало вопросов. Что же такое абстракционизм? Поговорим об этом далее.

Абстракционизм в живописи и искусстве

В стиле абстракционизм художник использует визуальный язык форм, контуров, линий и цветов, чтобы интерпретировать предмет. Это контрастирует с традиционными формами искусства, которые получают более литературную интерпретацию предмета - передают «реальность». Абстракционизм же уходит как можно дальше от классического изобразительного искусства, насколько это возможно; представляет предметный мир совсем не так, как в реальной жизни.

Абстракционизм в искусстве бросает вызов уму наблюдателя, точно так же, как и его эмоциям - чтобы полностью оценить произведение искусства, наблюдатель должен избавиться от необходимости понять, что художник пытается сказать, а должен сам почувствовать ответную эмоцию. Все аспекты жизни поддаются интерпретации через абстракционизм — вера, страхи, страсти, реакция на музыку или природу, научные и математические вычисления, и т. д.

Это направление в искусстве возникло в XX веке, наряду с кубизмом, сюрреализмом , дадаизмом и другими, хотя точное время неизвестно. Основными представителями стиля абстракционизм в живописи принято считать таких художников, как Василий Кандинский, Робер Делоне, Казимир Малевич, Франтишек Купка и Пит Мондриан. Об их творчестве и важных картинах речь и пойдет дальше.

Картины известных художников: абстракционизм

Василий Кандинский

Кандинский был одним из пионеров абстрактного искусства. Свои поиски он начинал в импрессионизме, а уже потом пришел к стилю абстракционизм. В своем творчестве он эксплуатировал взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического опыта, который бы охватывал одновременно и видение, и эмоции зрителей. Он считал, что полная абстракция дает простор для глубокого, трансцендентного выражения, а копирование реальности только мешает этому процессу.

Живопись была глубоко духовной для Кандинского. Он стремился передать глубину человеческих эмоций через универсальный визуальный язык абстрактных форм и цветов, который превзошел бы физические и культурные границы. Он видел абстракционизм как идеальный визуальный режим, который может выразить «внутреннюю необходимость» художника и передать человеческие идеи и эмоции. Он считал себя пророком, чья миссия - делиться этими идеалами с миром, на благо общества.

«Композиция IV» (1911)

Скрытые в ярких цветах и четкие черные линии изображают несколько казаков с копьями, а также лодки, цифры и замок на вершине холма. Как и во многих картинах этого периода, она представляет собой апокалиптическое сражение, которое приведет к вечному миру.

Для того, чтобы облегчить разработку беспредметного стиля живописи, как описано в его работе «О духовном в искусстве» (1912), Кандинский уменьшает объекты до пиктографических символов. Благодаря удалению большинства отсылок ко внешнему миру, Кандинский выразил свое видение более универсальным образом, переведя духовную сущность предмета через все эти формы в визуальный язык. Многие из этих символических фигур были повторены и уточнены в его поздних работах, став еще более абстрактными.

Казимир Малевич

Идеи Малевича о форме и значении в искусстве так или иначе приводят к концентрации на теории стиля абстракционизм. Малевич работал с разными стилями в живописи, но больше всего был сосредоточен на исследовании чистых геометрических форм (квадраты, треугольники, круги) и их отношении друг к другу в изобразительном пространстве.

Благодаря своим контактам на Западе Малевич был в состоянии передать свои идеи о живописи друзьям-художникам в Европе и Соединенных Штатах, и таким образом глубоко воздействовать на эволюцию современного искусства.

«Черный квадрат» (1915)

Культовая картина «Черный квадрат» была впервые показана Малевичем на выставке в Петрограде в 1915 году. Эта работа воплощает в себя теоретические принципы супрематизма, разработанные Малевичем в его эссе «От кубизма и футуризма к супрематизму: новый реализм в живописи».

На полотне перед зрителем находится нарисованная на белом фоне абстрактная форма в виде черного квадрата - она является единственным элементом композиции. Несмотря на то, что картина кажется простой, на ней присутствуют такие элементы, как отпечатки пальцев, мазки кистью, проглядывающие через черные слои краски.

Для Малевича квадрат обозначает чувства, а белый - пустоту, ничто. Он видел черный квадрат как богоподобное присутствие, икону, словно она могла стать новым священным образом для беспредметного искусства. Даже на выставке эта картина была размещена на том месте, где в русском доме обычно располагают икону.

Пит Мондриан

Пита Мондриана, являющегося одним из основателей голландского движения «Де стиль», признают за чистоту его абстракций и методичную практику. Он довольно радикально упрощал элементы своих картин, чтобы отображать то, что он видел, не напрямую, а образно, и создавать четкий и универсальный эстетический язык в своих полотнах.

В своих наиболее известных картинах с 1920-х годов Мондриан сводит формы к линиям и прямоугольникам, а палитру - к самой простой. Использование асимметричного баланса стало основополагающим в развитии современного искусства, а его культовые абстрактные работы сохраняют свое влияние в дизайне и знакомы популярной культуре и в наши дни.

«Серое дерево» (1912)

«Серое дерево» является примером раннего перехода Мондриана к стилю абстракционизм . Трехмерное дерево сокращается до простейших линий и плоскостей, с использованием всего лишь только серых и черных оттенков.

Эта картина является одной из серии работ Мондриана, созданных с более реалистичным подходом, где, к примеру, деревья представлены натуралистично. В то время как более поздние произведения становились все более абстрактными, например, линии дерева уменьшаются до тех пор, пока форма дерева не станет едва заметной и вторичной по отношению к общей композиции вертикальных и горизонтальных линий.

Здесь еще можно увидеть интерес Мондриана к отказу от структурированной организации линий. Этот шаг был значительным для развития чистой абстракции Мондриана.

Робер Делоне

Делоне был одним из самых ранних художников стиля абстракционизм. Его творчество повлияло на развитие этого направления, основываясь на композиционном напряжении, которое было обусловлено противопоставлением цветов. Он довольно быстро попал под нео-импрессионистское колористическое влияние и очень внимательно следил за цветовым строем работ в стиле абстракционизм . Цвет и свет он считал главными инструментами, с помощью которых можно повлиять на предметность мира.

К 1910 году Делоне сделал собственный вклад в кубизм в виде двух серий картин, изображающих соборы и Эйфелеву башню, которые соединили в себе кубические формы, динамику движения и яркие цвета. Этот новый способ использования цветовой гармонии помог отделить данный стиль от ортодоксального кубизма, получив название орфизм, и сразу же повлиял на европейских художников. В этом же стиле продолжила писать картины жена Делоне, художница Соня Терк-Делоне.

«Эйфелева башня» (1911)

Главная работа Делоне посвящена Эйфелевой башне — знаменитому символу Франции. Это одна из самых внушительных из серии одиннадцати картин, посвященных Эйфелевой башне между 1909 и 1911 гг. Она окрашена в ярко-красный цвет, что сразу отличает ее от серости окружающего города. Внушительный размер холста дополнительно усиливает величие этой постройки. Как привидение, башня возвышается над окружающими домами, в переносном смысле потрясая сами основы старого порядка.

Картина Делоне передает это чувство безграничного оптимизма, невинности и свежести времени, которое еще не стало свидетелем двух мировых войн.

Франтишек Купка

Франтишек Купка - чехословацкий художник, рисующий в стиле абстракционизм , окончивший Пражскую академию искусств. Будучи студентом, он, прежде всего, рисовал на патриотические темы и писал исторические композиции. Его ранние произведения были более академическими, однако, его стиль развивался на протяжении многих лет и в итоге перешел в абстракционизм. Написанные в очень реалистической манере, даже его ранние произведения, содержали мистические сюрреалистические темы и символы, что сохранилось и при написании абстракций.

Купка верил, что художник и его творчество принимают участие в продолжительной созидательной деятельности, природа которой не ограничена, как абсолют.

«Аморфа. Фуга в двух цветах» (1907-1908)

Начиная с 1907-1908 гг., Купка стал рисовать серию портретов девушки, держащей шар в руке, как будто она собиралась играть или танцевать с ним. Затем он разработал все более схематические ее изображения, а в конечном счете, получил серию полностью абстрактных рисунков. Выполнены они были в ограниченной палитре красного, синего, черного и белого цветов.

В 1912 году, в Осеннем салоне, одна из таких абстрактных работ была впервые публично выставлена в Париже.

Стиль абстракционизм не теряет своей популярности и в живописи XXI века - любители современного искусства не прочь украсить таким шедевром свой дом, и работы в этом стиле улетают с молотка на всевозможных аукционах за баснословные суммы.

Узнать еще больше об абстракционизме в искусстве вам поможет следующее видео:

Абстрактное искусство абстра́ктное иску́сство

(абстракционизм), направление в искусстве XX в., отказывающееся от изображения реальных предметов и явлений в живописи, скульптуре и графике. Возникло в 10-х гг., в конце 40-х - начале 60-х гг. принадлежало к наиболее распространённым течениям искусства. Некоторые течения абстрактного искусства (супрематизм, неопластицизм), перекликаясь с исканиями в архитектуре и художественной промышленности, создавали упорядоченные конструкции из линий, геометрических фигур и объёмов, другие (ташизм) - стремились выразить стихийность, бессознательность творчества в динамике пятен или объёмов.

АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО

АБСТРА́КТНОЕ ИСКУ́ССТВО (абстракционизм, беспредметное искусство (см. БЕСПРЕДМЕТНОЕ ИСКУССТВО) , нефигуративное искусство), совокупность направлений в изобразительном искусстве 20 в., заменивших непосредственное воспроизведение натурной действительности живописно-пластическими знаками и символами либо «чистой» игрой художественных форм. «Чистую» абстракцию следует воспринимать условно, поскольку даже в самых отвлеченных от конкретной натуры образах всегда можно угадать определенные предметно-фигурные мотивы и прототипы - натюрмортные, пейзажные, архитектурные и т. д.
Постоянным резервуаром такого рода форм всегда служило искусство орнамента. Важными историческими предварениями абстрактного искусства были также издревле проявлявшаяся увлеченность художников анаморфозами (или как бы «случайными» образами), которые угадывались в природных фактурах (например, в срезах минералов), а также народившийся в эпоху Возрождения принцип нон-финито (см. НОН-ФИНИТО) (внешней незаконченности, позволяющей любоваться игрой линий и красок независимо от сюжетных форм). Преимущественно орнаментальное искусство ислама, а также дальневосточная каллиграфика, освободившая кисть от необходимости постоянного подражания внешней природе, все Средневековье развивались в беспредметном русле. В Европе же в эпоху романтизма и символизма, то есть в 19 в., художники иногда, - обычно на стадии эскиза, но порой и в законченных вещах,- уходили в мир нефигуративных видений (таковы отдельные фантазии позднего Дж. М. У. Тернера (см. ТЕРНЕР Уильям) или эскизы Г. Моро); но это были лишь отдельные исключения, решающий же перелом произошел лишь в начале 1910-х гг.
Искусство «великой духовности»
Первые собственно абстрактные картины были созданы в 1910-1911 гг. В. В. Кандинским (см. КАНДИНСКИЙ Василий Васильевич) и чехом Ф. Купкой (см. КУПКА Франтишек) , причем уже в 1912 первый из них подробно обосновал свои творческие открытия в программном сочинении «О духовном в искусстве». В последующие 12 лет произошли и другие этапные события: около 1913 М. Ф. Ларионов (см. ЛАРИОНОВ Михаил Федорович) и Н. С. Гончарова (см. ГОНЧАРОВА Наталия Сергеевна) перешли к абстрактному искусству от футуризма (Ларионов назвал новый метод «лучизмом»); тогда же аналогичный сдвиг произошел и в творчестве итальянца Дж. Баллы (см. БАЛЛА Джакомо) . В 1912-1913 гг. народился беспредметный «орфизм» Р. Делоне (см. ДЕЛОНЕ Робер) , а в 1915-1917 гг. - более строгий, геометрический вариант абстрактного искусства, созданный К. С. Малевичем (см. МАЛЕВИЧ Казимир Северинович) в России (супрематизм), а затем П. Мондрианом (см. МОНДРИАН Пит) в Нидерландах (неопластицизм). В итоге образовалось экспериментальное поле, где пересекались почти все авангардистские стили того времени, от футуризма до дадаизма.
Сразу обозначились три направления абстрактного творчества: 1) геометрическое; 2) знаковое (т. е. уделяющее основное внимание символам или пиктограммам); 3) органическое, следующее ритмике природы (в России крупнейшим приверженцем такой абстрактной органики был в первую очередь П. Н. Филонов (см. ФИЛОНОВ Павел Николаевич) ). Такая классификация, впрочем, касается лишь внешних, формальных признаков, поскольку все варианты раннего абстрактного искусства были так или иначе символичны и все так или иначе вдохновлялись «космическими ритмами» природы. Орфизм же Делоне, исходивший из шкалы чистых цветов, составил особое направление, которое можно условными назвать «хроматическим».
За формальными различиями скрывалось родство внутреннего содержания. Испытав сильное влияние теософии и сходных мистических течений (т. е. влияние таких авторов как Е. П. Блаватская (см. БЛАВАТСКАЯ Елена Петровна) и ее последователи, а также П. Д. Успенский (см. УСПЕНСКИЙ Петр Демьянович) в России и М. Схоэнмекерс в Нидерландах), Кандинский, Купка, Малевич и Мондриан были убеждены, что их картины, где прежний мир наглядно исчезает в космическом «ничто», представляют собой художественный апокалипсис или, иными словами, являют зрителю тот порог, за которым открывается новая «эпоха великой духовности» (Кандинский) и происходит «ввод в мировой расцвет» (Филонов). Наступление же периода войн и революций лишь укрепило эти романтико-идеалистические убеждения.
Дизайн и лирика
В 1920-е гг. абстрактное искусство, сохранив свою утопическую подоснову (но уже не столь «апокалиптическую») стало более практичным и менее мистическим. «Баухауз (см. БАУХАУЗ) » в Германии активно осваивал его творческий потенциал (прежде всего, в его геометрической версии) для обновления дизайна, а вместе с ним и социального быта в целом. Абстракционизм начал внедряться в жизнь, в том числе и в моду (к примеру, С. Делоне-Терк (см. ДЕЛОНЕ Соня) использовала мотивы картин своего мужа для оформления тканей, интерьеров и даже автомобилей). Именно абстрактное искусство мощно способствовало формированию того, что начали называть «современным стилем» декоративного творчества. В свою очередь, беспредметность активно осваивалась и в скульптуре, как станковой, так и монументально-декоративной (Х. Арп (см. АРП Ганс (Жан)) , К. Брынкуши (см. БРАНКУЗИ Константин) , Н. Габо (см. ГАБО Наум Абрамович) , А. Певзнер и др.). Деятельность же французского объединения «Абстракция-творчество» («Abstraction-creation») способствовала переходу абстрактного искусства от философских утопий к более созерцательным и лирическим образам.
Однако окончательно новое, четвертое направление этого искусства, т. н. «лирический абстракционизм» (ставший личностным, по-своему исповедальным, самовыражением художников) оформилось несколько позже, в 1940-е гг. в Нью-Йорке. Это был абстрактный экспрессионизм, где доминировал очень крупный, фактурный, как бы спонтанно брошенный на холст живописный мазок (Дж. Поллок (см. ПОЛЛОК Джексон) , В. де Кунинг (см. КУНИНГ Виллем) , и др.). Драматическое напряжение, свойственное многим этим вещам, обрело в Западной Европе 1940-1950-е гг. еще более трагический характер в т. н. «информеле (см. ИНФОРМЕЛЬ) » (Вольс, А.Тапиес, Ж. Фотрие), тогда как в ташизме (см. ТАШИЗМ) , напротив, возобладало мажорно-эпическое или импрессионистически-пейзажное начало (Ж. Матье, П. Таль-Коат, Х. Хартунг и др.); первоначально средоточием обоих этих направлений (названия которых иногда используют синонимически) был Париж. В тот же период наметились и точки сближения между абстрактным искусством и дальневосточной каллиграфией (например, в творчестве американца М. Тоби и работавшего во Франции китайца Зао-Вуки).
Между подпольем и славой
Официальное признание абстрактного искусства на Западе произошло в середине 20 в., в пору господства интернационального стиля в архитектуре (беспредметные - живописные или скульптурные - формы весьма оживили монотонность стеклобетонных структур). Параллельно этому возникла мода на «живопись цветовых полей», исследующую выразительные возможности крупных, ровно (или с легкими тональными вариациями) закрашенных цветовых поверхностей (Б. Ньюмен, М. Ротко (см. РОТКО Марк) ), а в 1960-е гг. - на резко-контурный «хардедж» (Hard-Edge) или «живопись четких краев». Позднее абстрактное искусство, как правило, уже стилистически не обособлялось, сливаясь с поп-артом, оп-артом и другими постмодернистскими течениями.
В Советской России абстрактное искусство долгое время (с 1930-х гг.) фактически развивалось в условиях подполья, поскольку официально считалось средоточием «реакционно-формалистических влияний Запада» (характерно, что слова «абстракционизм» и «модернизм» в советской прессе нередко употреблялись как синонимы). В период «оттепели» своеобразной отдушиной для него служила архитектура, нередко включавшая в свое оформление абстрактные или полуабстрактные композиции. Выйдя к публике в годы перестройки, новое российское абстрактное искусство продемонстрировало богатый спектр разнообразных тенденций (в основном в живописи и графике), самобытно продолжающих начинания раннего русского авангарда. Среди его признанных мастеров (1960-1990-х гг.) - Э. М. Белютин (см. БЕЛЮТИН Элий Михайлович) , Ю. С. Злотников, Е. Л. Кропивницкий (см. КРОПИВНИЦКИЙ Евгений Леонидович) , М. А. Кулаков, Л. Я. Мастеркова, В. Н. Немухин (см. НЕМУХИН Владимир Николаевич) , Л. В. Нусберг (см. НУСБЕРГ Лев Вальдемарович) , В. Л. Слепян, Э. А. Штейнберг (см. ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич) .

Энциклопедический словарь . 2009 .

Синонимы :

Смотреть что такое "абстрактное искусство" в других словарях:

- (от лат. abstractus отвлечённый), абстракционизм, беспредметное искусство, нонфигуративное искусство, модернистское течение, принципиально отказавшееся от изображения реальных предметов в живописи, скульптуре и графике. Программа… … Художественная энциклопедия

Абстрактное искусство - Абстрактное искусство. В.В. Кандинский. Композиция. Акварель. 1910. Национальный музей современного искусства. Париж. АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО (абстракционизм), направление в авангардистском (смотри Авангардизм) искусстве 20 в., отказывающееся от… … Иллюстрированный энциклопедический словарь

- (беспредметное, нефигуративное) направление в живописи 20 в., отказавшееся от изображения форм реальной действительности; одно из осн. направлений авангарда. Первые абстр. произведения были созданы в 1910 В. Кандинским и в 1912 Ф. Купкой … Энциклопедия культурологии

- (абстракционизм), направление в авангардистском (смотри Авангардизм) искусстве 20 в., отказывающееся от изображения реальных предметов и явлений в живописи, скульптуре и графике. Возникло в 10 х гг., принадлежало к наиболее распространенным… … Современная энциклопедия

- (абстракционизм беспредметное искусство, нефигуративное искусство), совокупность направлений в изо культуре 20 в., заменяющих натуралистическую, легко узнаваемую предметность более или менее свободной игрой линий, красок и форм (сюжет и предмет… … Большой Энциклопедический словарь

Сущ., кол во синонимов: 1 абстракционизм (2) Словарь синонимов ASIS. В.Н. Тришин. 2013 … Словарь синонимов

абстрактное искусство - направление в живописи, скульптуре и графике ХХ в., абстракционизм Кандинский особенно любит сравнение живописи с музыкой, и потому абстрактное искусство является, с его точки зрения, извлечением чистого звука (Рейнгардт) … Популярный словарь русского языка

Абстракционизм, беспредметное искусство, нонфигуративное искусство, течение в искусстве многих, главным образом капиталистических, стран, принципиально отказавшееся от каких либо признаков изображения реальных предметов в живописи,… … Большая советская энциклопедия

Национальный музей современного искусства. Париж … Энциклопедия Кольера

Абстракционизм (лат. «abstractio» удаление, отвлечение) направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма достижение «гармонизации» … Википедия

Книги

• Глеб Богомолов , Нефигуративное, "абстрактное" искусство - что отлично известно профессионалам и серьезным зрителям - отчасти миф. Любой художник пишет только реальность. Однако есть реальность и реальность.… Категория:

(лат. abstractio – удаление, отвлечение) – беспредметное, нефигуративное искусство – форма изобразительной деятельности, не ставящая своей целью имитацию или отображение визуально воспринимаемой реальности. Абстрактная живопись, графика, скульптура исключают ассоциации с узнаваемыми предметами.

Истоки абстрактной живописи и время создания первой абстрактной картины не установлены. С уверенностью можно говорить только о том, что между 1910 и 1915 годами многие европейские художники пробовали себя в беспредметных, нефигуративных композициях (в живописи, рисунке, скульптуре). Среди них: Р.Делоне, М.Ф.Ларионов, Ф.Пикабиа, Ф.Купка, П.Клее, Ф.Марк, А.Г.Явленский, У.Бочиони, Ф.Маринетти и др. Самые оригинальные и известные – В.В.Кандинский, П.Мондриан, К.С.Малевич. «Изобретателем» абстракции обычно называют Кандинского, имея в виду его акварели 1910–1912 и его теоретические работы, которые объективно свидетельствуют о самодостаточности искусства, указывают на его способность своими собственными средствами создавать некую новую реальность. И в практике, и в теории Кандинский был наиболее решительным и последовательным из тех, кто в это время подошел к черте, отделяющей фигуративность от абстракции. Невыясненный вопрос о том, кто первым пересек эту черту, не имеет принципиального значения, так как в первые годы XX в. новейшие течения европейского искусства вплотную приблизились к этой границе, причем все указывало на то, что она будет опрокинута.

Абстракция вопреки бытующим представлениям не является стилистической категорией. Эта специфическая форма изобразительного творчества распадается на несколько направлений. Геометрическая абстракция, лирическая абстракция, жестикуляционная абстракция, аналитическая абстракция и более частные течения, такие, как супрематизм, аранформель, нюажизм и т.д.

Стили абстрактного искусства складываются из тех же стилеобразующих элементов, что и стили фигуративного. Об это свидетельствует, в частности, тот факт, что монохромная живопись – холст, закрашенный одним тоном, – находится в таком же нейтральном отношении к стилю, как абсолютно натуралистическое фигуративное изображение. Абстрактная живопись – это особый вид изобразительной деятельности , функции которой сравнивают с функциями музыки в аудиопространстве.

Ускоряющаяся смена эстетических установок в искусстве берет начало в революционных преобразованиях в культуре, науке и технике XX в. В искусстве новые тенденции становятся заметны уже в первой половине XIX в. В это время в европейской живописи можно видеть одновременно совершенствование натуралистической техники (Ж.Энгр, Ж.-Л.Давид, Т.Шассерио) и нарастающую тенденцию к условности (К.Коро, Э.Делакруа, Ф.Гойя); последняя особенно заостряется в английской живописи – у Р.О.Бонингтона и особенно У.Тернера, чьи картины Солнце, восходящее в тумане … (1806), Музыкальный вечер (1829–1839) и некоторые другие работы представляют самые смелые обобщения, граничащие с абстракцией. Обратим внимание на форму, но также и на сюжет одной из его последних работ – Дождь, пар, скорость , которая изображает паровоз, мчащийся сквозь туман и пелену дождя. Эта картина, написанная в 1848, – высшая мера условности в искусстве первой половины XIX в.

С середины XIX в. живопись, графика, скульптура обращаются к тому, что недоступно непосредственному изображению. Все более интенсивно разворачиваются поиски новых изобразительных средств, способов типизации, повышенной экспрессии, универсальных символов, сжатых пластических формул. С одной стороны, это направлено на отображение внутреннего мира человека – его эмоциональных психологических состояний, с другой – на обновление видения предметного мира. В 1900-е годы открытие – вначале в Испании, а потом во Франции – первобытного и чуть позднее традиционного («примитивного») искусства решительно меняет представление о значении условных форм в изобразительном искусстве.

Состояние, в котором находится в это время искусство, можно назвать перманентной эстетической революцией; главные события происходят во Франции. Универсальная международная выставка 1900 в Париже, на авеню Николая II, была первой официальной экспозицией, включавшей работы еще «скандальных» в это время художников: Э.Мане, К.Моне, О.Ренуара и других импрессионистов, а также П.Гогена и П.Сезанна. В 1904 новейшая французская живопись, показанная в Германии, произвела ошеломляющее впечатление на немецких художников и послужила толчком к созданию молодежного Союза, в который вошли будущие знаменитые экспрессионисты: Э.Л.Кирхнер, К.Шмидт-Роттлюф и др.

С 1905 по 1910 в западноевропейском искусстве происходит последовательная «деконструкция» классической изобразительной системы, радикальная смена эстетических установок. После того как импрессионизм – впервые в истории искусства – внес в живопись структурные (нестилистические) изменения, французские фовисты и немецкие экспрессионисты меняют отношение к цвету, рисунку, которые окончательно выходят из подчинения натуре. Затем кубизм освобождает живопись от нарративности повествовательного сюжета.

Если живопись, так же как другие искусства, – это не столько демонстрация мастерства – создание произведения, сколько способ самовыражения, тогда абстрактное искусство надо признать наиболее продвинутой ступенью изобразительной деятельности. Это «восхождение» демонстрирует творческая эволюция пионера абстракционизма – Кандинского, которая проходит ряд этапов, включая академический рисунок и реалистическую пейзажную живопись, прежде чем выйти в свободное пространство цвета и линии. Абстрактная композиция – это тот последний, молекулярный, уровень, на котором живопись еще остается живописью. Дальше – распад.

«Доказательством моего бытия, – говорит один из современных художников, – является не мое имя, мое тело – они исчезнут в океане времени, а вымысел, создание видимости» (Francllin C. Jean Le Gac. Цит. по: Милле К. . Минск, 1995, с. 235).

Творчество – самый интимный, аутентичный способ самоутверждения, в котором остро нуждается человек. Эта потребность охватывает все большие массы людей (о чем, в частности, свидетельствуют учащающиеся жестокие способы коллективного и индивидуального утверждения своей аутентичности).

Абстрактное искусство – самый доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, причем в форме, подобной факсимильному оттиску. В то же время это прямая реализация свободы.

В США подъем абстракционизма начинается уже в середине 1940-х. Первыми заметными фигурами в это время, кроме ученика П.Мондриана Дж.Поллока, были Б.Диллер, М.Тобей, Б.У.Томлин, А.Горки. Среди тех, чье творчество позднее оказало влияние на европейскую живопись, – Б.Ньюмен, М.Ротко, Ф.Клин, Р.Раушенберг, У.Кунинг, А.Рейнхардт.

Один из первых послевоенных французских абстракционистов, воспринявших уроки американской живописи, – П.Сулаж. Его не лучшие работы напоминают экспрессивные абстракции Ф.Клина. Работы Г.Хартунга ближе к первоистоку европейской абстракции – Кандинскому. В числе европейских художников, самостоятельно пришедших к абстракционизму в послевоенные годы, Ж.Фотрие, Ж.Матье, Ж.-П.Риопель, Дж.Капогросси, М.Эстев, А.Ланской, С.Поляков, Р.Биссьер и Ж.Базен. Особенно влиятельными во Франции в послевоенные годы были Ж.Базен и Р.Биссьер. Пережила всех и продолжает расти в цене и популярности живопись Н. де Сталя, колеблющаяся, как и живопись Биссьера и отчасти Базена, на тонкой грани между полной абстракцией и намеком на фигуративность.

В 1950 в Париже появляется первая мастерская, в которой художники Ж.Девань и Э.Пиле учат молодежь избавляться от реалистического видения, создавать картину исключительно живописными средствами и использовать в композиции не более трех тонов, так как «цвет определяет форму» (надо стремиться к тому, чтобы найти точный цвет). В начале 50-х абстрактные композиции создает А.Матисс. Абстрактная картина Деваня Апофеоз Марата (1951) была встречена с большим энтузиазмом. Критики писали, что это не только интеллектуальный портрет пламенного трибуна, но, кроме того, «праздник чистого цвета, динамичной игры кривых и прямых линий», «эта вещь – доказательство того, что абстракция выражает не только духовные ценности, но так же, как фигуративное искусство, может обращаться к событиям историческим и политическим».

В начале 50-х во Франции становится популярна «лирическая абстракция» Ж.Матье. Ему принадлежит высказывание, которое отражает новый подход к искусству: «Законы семантики действуют по принципу инверсии: поскольку дана вещь, для нее подыскивается знак, если дан знак, он утверждает себя, если находит воплощаемое». То есть сначала создается знак, потом подыскивается его смысл. В классическом искусстве смысл ищет воплощения (первично означаемое).

В начале 50-х в нью-йоркской галерее Бетти Парсон, где в конце 40-х впервые были выставлены работы Ганса Хофмана и Дж. Поллока, появляются новые имена – Барнет Ньюмен и Роберт Раушенберг.

Стилистика американской абстракции 50-х годов отличается прямолинейным геометризмом : Б.Диллер, А.Рейнхардт, У.Кунинг, Ф.Клин, М.Ротко, Б.Ньюмен, Р.Раушенберг (исключение – А.Горки, отчасти М.Тобей и А.Готлиб). Эта стилистика связана с нью-йоркской школой, внезапно приобретающей международную известность.

Искусство всегда было, в той или иной мере, средством самовыражения. Личность, опосредованно запечатлевавшая себя в нормативных структурах Больших стилей, в Новое время сама создает для себя такие структуры.

С выходом в абстракцию творческая личность получила свободу. Некорректируемые вчуже, линия, цвет, фактура становятся авторским факсимильным отпечатком. Теоретически ничто не мешает запечатлению личности в пластической, графической, живописной проекциях, в которых как и чт о сливаются воедино («Мой рисунок – это прямое и самое чистое воплощение моих эмоций», – говорит Матисс. L"Aventure du XX siecle . Paris, 1998. P. 511).

С другой стороны, и мера отчуждения, которую допускает абстракция, превосходит все существовавшее раньше. Живописный конструктор супрематизма предполагает небывалое по своим возможностям удовлетворение эстетических потребностей.

Как фактор стилеобразующий, абстракция безгранично расширяет возможности воплощения двух противоположных сущностей – уникального и универсального. Тексты, художественные изделия всех времен свидетельствуют о том, что автор в той или иной мере говорил о себе всегда, но все же никогда так осознанно обстоятельно и откровенно, как в XX в.

В сумме факторов (изобретение фотографии, научные и квазинаучные теории цвета и света и др.), определивших в Новое время основной вектор изменений в искусстве – движение от натурализма к абстракции, первое место занимает индивидуализация творчества – превращение его в прямую проекцию личности.

Прямая проекция темперамента – жестикуляционная живопись – рождается в Америке. Победа нового искусства в Америке может показаться неожиданной, если вспомнить о возмущении американцев, впервые увидевших в 1913 большую выставку европейского авангарда. В военное и послевоенное время американцы могли убедиться, что вложения в искусство надежны и доходны. Тот, кто вовремя осознал доходность современного искусства, получил шанс сказочно разбогатеть (Пегги Гуггенхейм, Бетти Парсон и др.). Почти все классики европейского авангарда оказались во время войны в США в положении эмигрантов. Самый знаменитый из американских абстракционистов – Поллок, ученик Мондриана, а его успех – это успех галереи Бетти Парсон.

В начале 1960-х в обновленном виде абстрактное искусство возвращается из Америки в Европу. «Это становится открытием, – пишет К.Милле, – для тех, кто еще окончательно не выработал свое художественное кредо… Сначала абстрактное искусство (чаще всего американское) изучается по репродукциям». «Девад с юмором отмечает, что, имея доступ к американской живописи только через фотографии журнала „Артфорум", он избрал для работы формат почтовой марки, тогда как Виалла, напротив, думая, что Джексон Поллок использует большой формат, все более увеличивает и формат своих работ! Только немногие, как, например, Девад или Бюрен и Пармантье, смогли увидеть американскую живопись своими глазами» (Милле К. Современное искусство Франции . Минск, 1995, с. 156).

Первые выставки американской живописи в Париже организуются в начале 60-х, самая представительная, «Искусство реальности» (1968), развернутая в Гран-пале, была посвящена целиком абстрактному американскому искусству. Американское влияние на европейское искусство приходится на годы холодной войны. В эти десятилетия горизонтально организованная демократическая структура жестко противостоит вертикально организованной коммунистической. Абстрактное антинормативное искусство – в немалой степени из-за его отторжения в СССР – становится символом свободного творчества, которое противостоит фигуративному нормативному «социалистическому реализму». В годы холодной войны централизованная структура – не обязательно левая или правая – для интеллектуала ассоциируется с идеей подавления личности. На государственном уровне воплощением идеально организованной структуры являются противостоящие друг другу гигантские военные монстры, угрожающие гибелью всему живому. Возможно, здесь подсознательные истоки новых тенденций в абстрактном искусстве – тенденции к декомпозиции, децентрализации. Эти настроения воплощаются в американской живописи all over, которая упраздняет компоновку кадра картины, превращая живопись в красочное поле или просто в окрашенную поверхность (Color Field, Hard Edge, Minimal Art).

Полицентричное состояние художественного пространства предполагает автономное существование сильной творческой личности, которая сама в состоянии утвердить свой индивидуальный стиль, метод, направление (напомним, что в 50-е годы еще работали крупнейшие мастера первого эшелона авангарда – А.Матисс, А.Дерен, Ж.Брак, П.Пикассо и др.).

Во второй половине 50-х появляется первая абстрактная скульптура, снабженная «электронным мозгом», – Cysp I Никола Шёффера. Александр Кальдер после «мобилей», имевших успех, создает свои «стабили». Возникает одно из обособленных направлений абстракционизма – оп-арт.

В то же время, почти одновременно в Англии и США, появляются первые коллажи, использующие этикетки массовых изделий, фотографии, репродукции и тому подобные предметы новой стилистики поп-арта. На этом фоне успех скромного экспрессиониста Бернара Бюффе представляется неожиданным. Его стилистика (определенность форм, уравновешенная композиция) коррелирует с такими явлениями, как Падение Икара Пикассо во дворце ЮНЕСКО, абстрактными полотнами Ф.Хундертвассера, монументальным стилем К.Клапека, монохромными конструкциями М.Е. Виеры-да-Сильвы.

Одна из первых попыток структурного анализа постклассического художественного творчества принадлежит Умберто Эко. Жестикуляционная живопись Дж. Поллока, по мнению Эко, оставляет зрителю полную свободу интерпретации. Сравнивая такую живопись с «мобилями», семантическими играми поэзии и музыкальными композициями конца 50-х, Эко пытается выявить общую для них структуру «свободного взрыва», в котором, как он считает, происходит «слияние элементов, подобное тому, которое использует традиционная поэзия в своих лучших проявлениях, когда звук и смысл, условное значение звука и эмоциональное содержание сливаются воедино. Этот сплав и есть то, что западная культура считает особенностью искусства: эстетическим фактом», пишет Эко (Eco U. L"Oeuvre ouverte . Paris, 1965. Цит. по: L"Aventure de l"art au XX-e siecle . Paris, 1988. Р. 597).

Искусство 60-х – это взрыв инноваций и окончательное признание музеями различных нетрадиционных явлений, появившихся в 50-е.

Знаменитая нью-йоркская школа живописи, ставшая в 50-х высшим авторитетом в своей области, началась с обращения к абстракции ее зачинателей: Дж. Поллока, М.Ротко, У.Кунинга. До второй половины 40-х американская живопись оставалась ничем не примечательной. Ее провинциальность и консерватизм не содержали в себе ничего специфического, кроме известной сдержанности, холодности и аскетизма. Позднее это наследие пуританизма нашло выход в стилистике абстрактного экспрессионизма.

Кроме названных, американская живопись 50-х представлена именами Б.Диллера, А.Рейнхардта, М.Тобей, Б.У.Томлина, К.Стила, Ф.Клина, А.Готлиба, Б.Ньюмена, Г.Хофмана, Дж. Алберса, Р.Кроуфорда. При отчетливом различии направлений и индивидуальных манер американская живопись 50-х демонстрирует ясность, определенность, однозначность, уверенность. Иногда – с некоторой избыточностью – принимающей агрессивный характер. Художники этого поколения знают, чего хотят, уверены в себе, жестко утверждают свое право на самовыражение.

В живописи 60-х от этого периода остается наименее агрессивная, статичная форма – минимализм. Основатель американской геометрической абстракции Барнет Ньюмен и в еще более очевидной форме А.Либерман, А.Хельд, К.Ноланд, так же как несколько раньше Б.Диллер, успешно развивают идеи неопластицизма и супрематизма.

Новое течение американской живописи, получившее название «хроматической» или «постживописной» абстракции, исходит из горизонта фовизма и постимпрессионизма. Жесткий стиль, подчеркнуто резкие очертания работ Э.Келли, Дж.Юнгермана, Ф.Стеллы постепенно уступают место живописи созерцательного меланхолического склада.

Стиль Элен Франкенталер, Мориса Луиса отличается мягкими контурами, тонкими цветовыми нюансами, неопределенными очертаниями. Геометрическая абстракция также переходит в регистр округлых форм (А.Либерман, А.Хельд).

Американская живопись 70-х возвращается к фигуративности. Считается, что 70-е – это момент истины для американской живописи, которая освобождается от питавшей ее европейской традиции и становится чисто американской. Происходящее выглядит так, если только считать, что абстракция чужда американскому «национальному духу». Показательно, что выступления против абстрактного искусства, по существу своему космополитического, принадлежащего мировой цивилизации, как правило, исходили и исходят от коллективистских идеологий, подавляющих личность.

С точки зрения продолжающейся трансформации стиля (от жесткого геометризма к биоморфизму) происходящие перемены следовало бы интерпретировать, наоборот, как отход от коренных пуританских добродетелей – аскетизма, решительности, твердости, определенности.

Считается, что американская живопись 70-х скорее «душевна», нежели «духовна». «Живопись семидесятых, – пишет Барбара Розе, – на самом деле не только более разнообразна, более гетерогенна и плюралистична, чем живопись шестидесятых, но она также значительно интимнее, поэтичнее и более личностна. Живопись вновь наполняется содержанием уникальным и субъективным» (Rose B. La peinture americaine le XX ciecle . Paris – Zurich, 1992. P. 126).

В живописи 80-х видят едва ли не полный «возврат к эстетике реалистического искусства». Однако, несмотря на возвращение традиционных форм, от портрета до исторической и жанровой живописи, ничто из появившегося в предыдущие десятилетия не исчезает. Преодолена не абстракция, но ее канонизация, запреты на фигуративное искусство, на «низкие» жанры, на социальные функции искусства.

При этом стиль абстрактной и абстрактно-фигуративной живописи приобретает отсутствовавшую прежде мягкость – обтекаемость объемов, размытость контуров, богатство полутонов, тонкие колористические оттенки (ср. работы Е.Мюррей, Г.Стефан, Л.Риверса, М.Морли, Л.Чезе, А.Бялоброда). Не исчезает полностью и жесткий стиль; он отходит на задний план и продолжает существовать в творчестве геометристов и художников-экспрессионистов старшего поколения (Х.Бухвальд, Д.Ашбауг, Дж. Гарет и др.).

Живопись как средство самовыражения не уступает музыке в воплощении «невыразимого», а при необходимости может быть более конкретной, чем слово. Обладая во всем объеме средствами рисунка и пластическими возможностями скульптуры, воссоздавая иллюзию пространства реального и фантастического, значительно превосходя скульптуру в возможностях манипуляции объемами, живопись обладает своим собственным уникальным средством – цветом.

Возможности цвета, раскрытые французскими импрессионистами, с выходом живописи в абстракцию были развернуты еще шире. Мнение о том, что живопись сегодня является анахронизмом, бытует потому, что наш век – это век музыки, а также потому, что, думая о живописи, представляют себе грунтованный холст, натянутый на подрамник, покрытый слоем краски и лака, – некий музейный экспонат. Но живопись – это процесс, мир открытых возможностей – остановленных мгновений, явления вожделенных образов, приключений, конфронтации, размышлений, освобождения от избыточности, восполнения недостаточности, это акт самоутверждения и прямая проекция интуиции, демонстрация мастерства и возможность открытий. Особенно хорошо это знают те, кому посчастливилось, войдя в мир абстрактной живописи, свободно реализовать эту возможность.

ВАСИЛИЙ КАНДИНСКИЙ. ПОРТРЕТ ЖЕНЫ НИНЫ ВИЛЛЕМ ДЕ КУНИНГ. АБСТРАКЦИЯ

Seuphor M. Dictionaire de la peinture abstraite . Paris, 1957
Ponente N. Peinture moderne. Tendences contemporaines . 1940–1960. Skira, 1960
Vallier D. L"art abstrait . Paris, 1967
Art 1998 . Chicago at Navy Pier . Chicago, 1998

Найти "АБСТРАКЦИОНИЗМ " на

Абстракционизм , что от лат. аbstractio означает отвлечение, удаление – это нефигуративное, беспредметное искусство. Своеобразная форма изобразительной деятельности, которая не ставит цель имитировать или же отобразить визуально воспринимаемую реальность. Абстрактная скульптура, живопись и графика исключают ассоциацию с узнаваемым предметом.

Время возникновения первой абстрактной картины , а также истоки абстрактной живописи не были установлены. Можно говорить с уверенностью только о том, что посреди 1910 и 1915 гг. многие художники Европы пробовались в нефигуративных и беспредметных композициях (в скульптуре, рисунке и живописи).

Это: М.Ф.Ларионов, Ф.Купка, Р.Делоне, П.Клее, Ф.Пикабиа, У.Бочиони, Ф.Марк, Ф.Маринетти, А.Г.Явленский и многие другие.

Наиболее известные и оригинальные – это П.Мондриан, В.В.Кандинский и К.С.Малевич.

Композиция в сером, розовом, П.Модриан Композиция № 217 Серый овал, В.В.Кандинский Я ухожу в пространство, К.С.Малевич

Кандинского обычно называют «изобретателем» абстракции, тем самым подразумевая его акварели 1910–1912 годов, а также его теоретические работы, объективно свидетельствующие о самодостаточности искусства и указывая на его умение собственными своими средствами создавать некоторую новую реальность. Кандинский и в теории, и в практике был более последователен и решителен из тех, кто в это время приблизился к черте, которая отделяет фигуративность от абстракции. Вопрос о том, кто первый пересек эту черту, оставался невыясненным. Однако, не имеет важного значения, так как в первые годы ХХ века новейшие течения искусства Европы вплотную подходили к этой границе, причем все демонстрировало то, что она будет опрокинута.

Художники абстракционисты

Несмотря на бытующие представления, абстракция не была стилистической категорией. Данная своеобразная форма изобразительного искусства распадается на несколько течений. Лирическая абстракция, геометрическая абстракция, аналитическая абстракция, жестикуляционная абстракция и более частные течения, например, аранформель, супрематизм, нюажизм и так далее.

Стили абстрактного искусства вырабатываются из тех же стилеобразующих частиц, как и стили фигуративного. Это подтверждает тот факт, что монохромная живопись – это холст, который закрашен одним тоном, – пребывает в таком же промежуточном отношении к стилю, как в полной мере натуралистическое фигуративное изображение. Абстрактная живопись – особый вид изобразительного творчества, у которого функции сравнивают с функциями музыки в аудиопространстве.

Нарастающая перемена эстетических установок в искусстве начинается в революционных реформированиях в науке, культуре и технике XX века. Уже в первой половине XIX века в искусстве новые тенденции начинают быть заметными. В тот период в живописи Европы можно увидеть одновременно нарастающую тенденцию к условности (Ф.Гойя, Э.Делакруа, К.Коро,) и совершенствование натуралистической техники (Т.Шассерио, Ж.-Л.Давид, Ж.Энгр). Первая особенно заострена в английской живописи – у Р.О.Бонингтона, а также У.Тернера. Его картины — «Солнце, восходящее в тумане…» (1806 г.), «Музыкальный вечер» (1829–1839 гг.) и некоторые другие работы передают самые смелые обобщения, которые граничат с абстракцией.

Сделаем акцент на форме, а также на сюжете, одной из его последних работ – «Дождь, пар, скорость» , изображающая паровоз, который мчится через туман и пелену дождя. Данная картина написана в 1848году – высшая мера условности в искусстве первой половины XIX в.

Начиная с середины XIX века, скульптура, графика обратились к тому, что непонятно непосредственному изображению. Наиболее интенсивно разворачиваются исследования новых изобразительных средств, методов типизации, универсальных символов, повышенной экспрессии, сжатых пластических формул. С одной стороны, это обращено на изображение внутреннего мира человека, его эмоциональных психологических состояний, с другой же – на развитие видения предметного мира.