Скоморохи - музыканты древней руси. Россия
О музыке тех времен известно из различных источников, при этом многие данные являются достоверными. Фрески, различные летописи и даже иконы служат источниками информации для создания полноценной картины типичной жизни времен древней Руси. В работах новгородского епископа и монаха Георгия содержатся четкие сведения о том, что на улицах и различных площадях городов выступали музыканты. Естественно, музыка являлась важной частью всех обрядовых праздников, особенно таких популярных и почитаемых, как Масленица или, например, Ивана Купала.
Все крупные собрания людей, в том числе и всевозможные ярмарки, часто сопровождались музыкальными номерами. Во время веселых развлечений и празднования обрядов, игры и пляски сопровождали типовые ритуальные действия. Конные состязания, выступления скоморохов и актеров были столь же популярны, как и выступления музыкантов, поэтому уже тогда существовали гастролирующие, то есть путешествующие группы.
Безусловно, торжественные мероприятия, проводимые при дворе князей и в домах богатых жителей, тоже сопровождались музыкой. У князя красивые инструментальные мелодии звучали во время перемены блюд, а когда приглашенные собирались после трапезы, концерты часто давали в саду.
не обошла стороной музыка и военные ряды. Для укрепления боевого духа и поднятия настроения, а также для поддержания ритма во время длительных и утомительных пеших переходов, звучала простая, но приятная музыка. С помощью труб, сурн и рогов на войне подавали знаки и сигнализировали о сборе. Бубны и барабаны создавали громкий шум, что способствовало запугиванию врага и дополнительно демонстрировало серьезные намерения.
Музыка древней Руси не отличалась разнообразием, однако на тот момент уже существовало немало различных инструментов. Среди наиболее распространенных и вошедших в историю, как знаковый и исконный русский инструмент, были гусли. Гусляры играли для увеселения и могли под музыку рассказывать разные былины. Обрядовыми и авторами обычно были волхвы, а вот народную музыку представляли скоморохи. Как первые персональные исполнители на Руси, скоморохи часто использовали разные инструменты и кроме гуслей играли на дудках, свирелях и трубах.
Искусство колокольного звона, как уникальный и присущий только древней Руси вид музыки и искусства в целом, активно развивалось после захвата татаро-монголами. Три вида звона, существующие до сих пор, зародились именно тогда. Это равномерные удары в колокол именуемы благовест, перезвон, основанный на переборе, и непосредственно сам звон, ставший настоящей, уникальной игрой на колоколах.
Церковная музыка, появившаяся после обращения населения к христианству, развивалась постепенно и была основана на пении. Как наиболее совершенный музыкальный инструмент, человеческий голос считался самым важным, а потому песнопение стало применятся во время всех богослужений. Принято считать, что первыми учителями в этом направлении стали болгарские и греческие певчие. Произведения большей части церковного певческого искусства оставались анонимными, поэтому история сохранила только немногочисленные имена выдающихся мастеров. Доподлинно известно, что песнопения записывались, причем при помощи нотного письма. В руководствах-азбуках были списки основных знамен (символов), но способы их исполнения не отображались. Учитывая, что устная традиция была утрачена в процессе развития других музыкальных направлений, восстановить храмовые песнопения тех лет не удается. Известно, однако, что типичные песнопения были строгими, одноголосыми и всегда сдержанными. Для придания особого звучания, использовали простые мелодии и частое повторение определенных звуков. Наряду с описанными знаменными параллельно существовали кондакарные песнопения, усложненные хвалебные молитвы. Образцы такого пения сохранились в древнейших певческих книгах. К сожалению, расшифровать имеющиеся данные не получается по той же причине, потому что особая система записи, вероятно, имела свои устные законы дешифровки.
Как уникальное и очень интересное, необычное явление, музыка древней Руси восхищала всех, кто ее слышал, о чем есть многочисленные записи очевидцев. При этом особые, оригинальные жанры, зародившиеся на данной территории, не распространились по миру, поэтому славились далеко за пределами Руси. Былины, колокольный звон, лирические песни, игра на гуслях и сопелке, а также военная барабанная дробь, расширили и обогатили музыкальные направления, существовавшие до этого времени. Кстати, принято считать, что церковная славянская музыка стала прообразом современной, профессиональной академической и стала важным этапом в развитии искусства в мировом масштабе.
Учитывая количество известных и распространенных в те времена музыкальных инструментов, а также задействование музыкантов на всевозможных мероприятиях, можно сделать вывод о том, что музыка всегда сопровождала человека. Собственно, и как неотъемлемая часть культурного наследия мировой истории, музыка древней Руси очень важна.
Жили когда-то на Руси Великой песенники-сказители. Они сочиняли и пели-рассказывали былины про героев русских и про жизнь народную: про князя Киевского Владимира Красно Солнышко и княгиню Апраксию, их дружинушку могучую, про битвы с лютыми ворогами, про царства-государства чужеземные. Пели про чудеса невиданные: Змеище-Горынчище, морского царя Водяника с царицею Водяницею, Идолище-великанище… И сложено было этих былин несчётное число, и ходило их по Руси бесконечное множество. И часто первые сведения о родной земле, о её героях и недругах дети получали из уст певцов-сказителей.
Самого известного певца земли русской народ помнит и по сей день – имя его Баян.
Баян же, братья,
не десять соколов на стадо лебедей напускал,
но свои вещие персты
на живые струны воскладал;
Они же сами князьям славу рокотали.
Так повествует о Баяне знаменитое «Слово о Полку Игореве». Искусен был сказитель, и струны на его чудотворном инструменте «живые» - сами пели славу Великим правителям.
А инструмент тот был очень древний - более 14 веков насчитывает его история. Название его происходит от древнеславянского слова «густы» - гудеть, а гудела в нём струна, которую называли «гусла». Так гудящие, говорящие струны и получили своё имя - «гусли».
Натягивались струны на специальный ящик, похожий на небольшое корыто. Дабы струны звучали громче, звонче, «яро», ящичек прикрывался специальной крышечкой-декой, сделанной из кожи или из дерева.
«Возьму гусли звонкие, яровчатые да настрою гусли на старинный лад, заведу старину стародавнюю, бывальщину о деяньях славнорусского богатыря Добрыни Никитича. Синему морю на тишину, а людям на послушание» - так начинается знаменитая былина о Добрыне Никитиче. А пели-рассказывали ту былину под аккомпанемент гуслей звончатых.
Гусли звончатые похожи на крыло птицы, или на геометрическую фигуру – трапецию. Певцы клали гусли на колени, наклоняя их в левую сторону. Струны защипывали либо обеими руками, либо только правой рукой, а левая в этот момент ласково приглушала струны. Позже звук начали извлекать плектром, или медиатором, отчего звучание стало ярче. На звончатых гуслях играли и бряцанием, как на балалайке, и «волнами», как на арфе. Несколько гуслей, играющих чудесную музыку вместе, никогда не называли ансамблем, а говорили о них, как о людях, что хором поют, так и сказывали – хор гуслей.
Неспешно былина о Добрыне Никитиче сказывается: «А двенадцати годов он на гуслях играл. На гуслях играл, песни складывал»…
Есть у звончатых гуслей славные потомки – гусли щипковые и клавишные. Щипковые гусли совмещают в себе элементы арфы, древнеславянских гуслей и цимбал. От последних они переняли корпус на четырёх ножках, похожий на стол. Металлические струны разной длины и толщины дают музыканту огромный творческий простор: любые звуки - от самых низких до самых высоких – легко выходят из-под волшебных пальцев гусляров, которые защипывают струны обеими руками.
Клавишные гусли сродни фортепиано, и появились они совсем недавно - менее века назад. Видом и устройством своим они похожи на гусли щипковые, но струны расположены строго горизонтально, а слева находится фортепианная клавиатура всего в одну октаву. Чаще всего на этих гуслях играют аккордами: левой рукой нажимают клавиши, а правой с помощью медиатора перебирают открывшиеся струны.
Гусли считают главным украшением оркестра русских народных инструментов. Благодаря гуслярам народная музыка звучит так же звонко и объёмно, как и много веков назад. И всегда гусляры сидят прямо по центру, словно возглавляют оркестр, выказывая почтение столь древнему и столь уважаемому на Руси инструменту.
Развивалась она, прежде всего, как вокальная музыка. Истоки ее в народной русской песне. В народной песне отражалась вся жизнь народа (труд, быт, вера и т.д.). Из самых древних песен известны колыбельные, календарные песни (языческие песни, связанные со временем года – весенние песни и др.). У них узкий диапазон.
Развивалась она, прежде всего, как вокальная музыка. Истоки ее в народной русской песне. В народной песне отражалась вся жизнь народа (труд, быт, вера и т.д.). Из самых древних песен известны колыбельные, календарные песни (языческие песни, связанные со временем года – весенние песни и др.). У них узкий диапазон.9-12 века – время Киевской Руси. В 988 году Русь приняла христианство. Оно пришло из Византии. Образовалось 3 основных очага музыкальной культуры:
1) Народная песня. В народной песне есть связь с язычеством. Из народа выделялись талантливые люди – скоморохи. Они веселил народ, исполняя не только музыкальные номера, но и цирковые. Они подвергались гонению со стороны церкви. Церковь не одобряла инструментальную музыку. Она признавала только вокально-духовную музыку.
2) Княжеский двор. Здесь центральной фигурой был певец-сказитель, который сочинял и пел нараспев песни и былины о ратных подвигах князя и его дружины. Аккомпанировал он себе на гуслях. При дворе использовали и другие инструменты – домру, рожки, гудок (струнный инструмент, имеющий 3 струны и смычок).
3) Церковь. Это – самый важный очаг. Развивалась письменность, иконопись. Появился “знаменный распев” (11-17 вв.). Это – молитвы-песнопения, которые исполнял мужской хор унисон. По характеру – суровые напевы, имеющие плавную мелодию и узкий диапазон. Записывались эти распевы знаменами (знаками), некоторые из которых – крюки. Они не означали точной высоты, а только направление мелодии (вверх или вниз). Эти распевы сочиняли монахи-распевщики. Самые известные из них – Федор Крестьянин (одно из наиболее известных произведений – “Стихира”), Савва Рогов. Тексты сначала переводились с византийского. В 16 веке знаменные распевы писал сам Иван IV (грозный). В дальнейшем знаменный распев стал одним из источников русской музыкальной классики (Рахманинов, Мусоргский и др.).
В 12-15 веках выделялось Новгородское княжество. Здесь музыкальное искусство несколько отличалось. Народ жил хорошо. Расцветало скоморошество (здесь оно не подвергалось гонению церкви). Слагались былины, но в них прославляли не подвиги князя, а ловкость, смекалку.
Конец 14-го – 16 вв. – время Московской Руси. В это время правили Иван Калита, Дмитрий Донской, Иван Грозный (16 век), который объединил Русь и взял у татар Казань. О взятии Казани складывали песни и былины. При дворе Ивана IV музыка получила большое развитие. Из-за границы он привез орган, клавикорды, создал “Хор государственных певчих дьяк”. Это – время расцвета знаменного пения. Богослужения отличались пышностью. В это же время появилось первое русское многоголосие (знаменный распев – одноголосие). Стало появляться строчное пение – основной голос и голоса ниже и выше от основного голоса. Дьяк Иван Шайдуров ввел новую запись – “киноварные пометы”, в которых уже фиксировалась высота звука. Запись стала более совершенной.
В 17 веке знаменный распев исчез. 1613 г. – начало династии Романовых (Михаил). Складывается русская нация. Возникают народные бунты. Вся эта жизнь отразилась и в народных песнях – песни-вольницы, сатирические песни. Возник новый жанр – лирическая народная песня (лирическая протяжная). Это, прежде всего, песни о тяжелой женской доле (медленные, выразительные, страдальческие). Один из ярких примеров этого жанра – песня “Лучинушка”.
Развивалось русское многоголосие. Во многом это связано с тем, что к России присоединилась Украина, в которой сказывалось влияние польской католической музыки (хоральное пение). Развивалось “партесное пение” – пение по партиям. Высший жанр партесного пения – духовный хоровой концерт. Это – грандиозное хоровое произведение для многих голосов (аккордовое мышление). Обязательно должны были отсутствовать инструменты. Партесные концерты писал Василий Титов (написал концерт в честь полтавской победы – 12 голосов), Николай Бавыкин.
В 17 веке возникли и новые светские жанры – канты и псалмы (отличие состояло только в тексте). В кантах – светский текст, а в псалмах – духовный текст. Эти жанры имеют свои особенности – 3 голоса, в которых 2 верхних голоса параллельны, а бас – гармоническая основа. Канты были сильно распространены в 18 веке – в эпоху Петра I. Тогда появились панегирические канты (хвалебные) в честь побед Петра I. Они имели кварто-квинтовые интонации и были энергичные. Форма в них куплетная. Канты повлияли в дальнейшем на русскую музыку: Глинка – заключительный хор “Ивана Сусанина” (“Славься”) – 3 голоса, склад канта (имеет черты гимна и марша); так же это проявляется в финале симфонии Глазунова.
С Украины в Россию пришла нотная запись на пяти линейках квадратными нотами. Вершина развития партесного стиля – духовные хоровые концерты Березовского и Бортнянского. Березовский – крепостной музыкант. Он был очень талантливым. За его огромный талант его послали в Италию. Там он учился у Падре Мартини (учитель Моцарта). Жизнь его сложилась трагически. Когда в Италии он был уже на вершине славы, его князь вдруг вспомнил, что у него крепостной в Италии и потребовал прислать его в Россию. Березовский не вытерпел такого горя и покончил жизнь самоубийством. Хоровые концерты Березовского находятся на очень высоком техническом уровне, сравнимым с Моцартом. У него было огромное гармоническое и полифоническое мастерство. Концерты его состоят из разных контрастных частей (среди них попадаются фуги). Особенно популярный концерт – “Не отверзи мене во время старости” (обращение к Богу).
Дмитрий Бортнянский прожил до первой половины 19-го века. Писал не только духовую, но и инструментальную музыку – сонаты и др. Он более лирический композитор, чем Березовский (у Березовского больше драматизма).
18 век. Яркое время. Век Петра I и Екатерины II. Россия в это время претерпевала бурные потрясения, реформы. Была открыта первая русская Академия наук. Расцвет различных видов искусства: наука – Ломоносов, расцвет литературы – Тредиаковский, Радищев, Лотоновский. Расцвет живописи – портреты. Началось с реформ Петра. Петр учредил ассамблеи, в которых исполнялись модные тогда в Европе танцы, инструментальная музыка. В каждом полку появился свой духовой оркестр. Из музыкальных жанров распространились канты (панегирические) в честь военных побед, духовные концерты, Ведель (композитор). Большое распространение получила народная песня. Ей стали интересоваться в городе. Появляются первые сборники народных песен (ближе к концу 18 века):
Сборник Трутовского
Львов и Прач – Сборник народных песен.
Кирша Данилов – Сборник народных песен.
и др. Народные песни в них были обработаны на западный манер – гармонизованы альбертиевыми басами, втиснули музыку в определенный размер (в народной музыке была частая смена размеров) - для домашнего музицирования. Из народных русских песен были составлены первые русские оперы (конец 18 века). Они (оперы) состояли из отдельных номеров с разговорными диалогами. Первая русская опера без разговорных диалогов – “Иван Сусанин” Глинки.
В 1779 году появились сразу 3 русские оперы. Первые оперы были комические.
1. “Мельник – колдун, обманщик и сват”. Текст Аблесимова. Музыку составил Соколовский (обработанные народные темы).
2. “Санкт-Петербургский Гостиный двор”. Текст и музыка Маатинского. 2-я редакция с Пашкевичем.
Среди театральных композиторов выделялся Евстигней Фомин. Он написал мелодраму “Орфей” (французский жанр). Это – чтение трагедии под музыку с музыкальными вставками. Музыка потрясла слушателя своим драматизмом. Есть увертюра. Написана в духе венских классиков. Внутри есть сходство с Глюком и Генделем – возвышенная музыка.
В 18 веке народная песня распространилась и в инструментальной музыке. Композиторы писали вариации на народные темы, но музыкальный материал часто не соответствовал характеру варьирования, так как варьирование делалось на западный лад – классические орнаментальные вариации. Эту проблему разрешил лишь Глинка.
Второй важный жанр инструментального творчества – увертюры, в которых зарождался русский симфонизм, но увертюры были не самостоятельными, а как увертюра к опере или мелодраме. В них тоже стал проникать русский материал, но не всегда.
Русская музыка начала 19 века до Глинки
В начале века была открыта первая русская концертная организация – филармоническое общество. Но основная концертная жизнь сосредоточилась в светских салонах. Было много и крепостных оркестров и театров. Очень популярным был салон Дельвига (поэт). Его посещали Пушкин, Глинка, Грибоедов и др.
В 19 веке существовали различные художественные направления: сентиментализм, романтизм (особенно в поэзии Жуковского), классицизм. Все эти тенденции слились вместе в творчестве Пушкина, который оказал большое влияние на всю художественную жизнь первой половины 19-го века.
Двумя главными жанрами начала 19-го века были опера и романс.
Оперы стали более разнообразны в жанрах – не только комические, но и с элементом серьезности. Композитор итальянского происхождения Катерино Кавос первый написал оперу “Иван Сусанин”. Эта опера была с разговорными диалогами. Сусанин в ней имеет бытовой характер. В опере счастливый конец (Happy End).
Появился новый жанр – сказочно-фантастическая опера. Первая из них – “Леста – днепровская русалка”. Авторы – Кавос и Давыдов. Музыка основана на русском народном материале. Отсюда прослеживается путь к “Русалке” Даргомыжского (в жанровом смысле).
В 30-х годах – жанр “романтическая опера”. Большим мастером этого жанра был Верстовский – “Пан Твардовский”, “Вадим” (по Жуковскому) и особенно популярная “Аскольдова могила” (сюжет из древней Руси). Эта опера ставилась даже после появления Глинки. Она была поставлена за год до “Ивана Сусанина” Глинки – в 1835 году (“Иван Сусанин” – 1836 г.).
Вторым популярным жанром первой трети 19-го века был романс. Он был любимым жанром как профессионалов, так и просто любителей музыки. В этих романсах накопилась яркая эмоциональность, выразительность. Романсы писали и профессионалы, и любители на стих поэтов-современников.
Русский бытовой романс имеет устойчивые черты. Они могли быть написаны в жанре “элегия” с разложенным аккомпанементом. Это романс - философское размышление.
Ещё одна разновидность – “русская песня”. Она возникла сначала в поэзии и имела определённую лексику, приближенную к народной речи. Этот жанр появился и в романсе (с подобной лексикой). Такие романсы отличались большей простотой в музыке, чем другие романсы.
Широко использовали композиторы романсов ритм вальса, мазурки, болеро, полонеза. Для русских романсов были характерны певучие мелодии, часто с использованием сексты (от V к III ст.). Преобладал минор с обязательным отклонением в параллельный мажор. В каденциях часто использовался D7 с секстой. Популярнейшими авторами романсов были: Жилин, Титов, Гурилев, Варламов, Алябьев. Формы романсов простые – куплетные. Алябьев – “Соловей”, Варламов – “Белеет парус одинокий” (с ритмом полонеза), Гурилёв – “Домик-крошечка”.
Может и ошибусь, но по-моему скоморохи, этакие с бубенцами...
На Руси странствующих музыкантов и актеров называли ряжеными, скоморохами. Их выступления сочетали театрализованные представления, игру на народных музыкальных инструментах, пляски, пародии на обрядовые действа, игры, мастерство фокусников, выступления с дрессированным медведем, кукольный театр...
Скоморошество навсегда исчезло с просторов России во второй половине 17 века. Указами Патриарха Никона в середине 17 века скоморошество было запрещено и подвергалось жестоким преследованиям.
О жизни и творчестве странствующих актеров и музыкантов хорошо сказано словами песни:
Мы бродячие артисты, мы в дороге день за днем и фургончик в поле чистом -это наш привычный дом.
Мы по всей земле кочуем, на погоду не глядим, где придется заночуем, что придется поедим.
Мы великие таланты, но понятны и просты, мы певцы и музыканты, акробаты и шуты.
Если бы мы с помощью машины времени оказались на территории Руси в период 12 - 17 веков, мы бы увидели, как по проселочным дорогам к городам и весям, от села к селу идут артели и ватаги странствующих актеров и музыкантов,
которых называли скоморохи.
Приход скоморохов в селище или поселение было настоящим праздничным событием для жителей.
Проход до сельской площади, где планировалось выступление, сопровождался игрой на музыкальных инструментах, песнями и приплясыванием. Все бросали свои дела и устремлялись за артистами.
На представление на площади собирались и стар и млад.
Для простого народа это было единственной формой развлечений и забавы, которые соответствовали его вкусам и
потребностям, т.к. художественной литературы и театра тогда ещ не было.
Представления скоморохов объединяли различные виды народного искусства. Используя маски, костюмы, грим, различные бутафорские предметы, скоморохи показывали кукольные сценки, пели юмористические, шуточные, сатирические и иногда скабрезные песенки, плясали под мелодии, исполняемые на различных музыкальных инструментах.
В народе говорили: Скоморошьи песни - веслые, забавные, потешные.
После кукол, песен и плясок скоморохи выступали с акробатическими номерами, фокусами, пантомимой,
разыгрывали юмористические социальные и бытовые сценки, непосредственно общаясь со зрителями и вовлекая их в игру и представление.
Особо следует отметить социальную сатиру - глумы, которые исполнялись в масках и скоморошьих костюмах под
аккомпанемент музыкальных инструментов. В глумах высмеивались богачи, духовенство и с сочувствием показывались простые люди - сценки о боярине и челобитчиках, о жадном купце, комедии о Петрушке.
Скоморохи сами создавали сценарии, часто импровизировали, были находчивыми острословами и, вообще, -
веслыми людьми.
Неизменным успехом пользовалось выступление вожатого с ученым медведем. Медведя угощали бутылкой водки (медовой воды), он неуклюже танцевал на задних лапах, делал стойки на передних лапах, имитировал игру на музыкальном инструменте и выполнял другие потешки.
В ватаге обязательно был ряженый в образе козы, взятого из святочной комедии о козе и медведе.
После представления каждый старался зазвать скоморохов в свой дом. Первой входила коза, славила хозяев, желала богатого урожая и приплода домашних животных. Затем приглашали остальных членов ватаги к накрытому столу.
После обеда представление продолжалось, если погода позволяла - во дворе, а если нет - то в избе. Продолжались шутки - прибаутки, сказы и сказки, баллады и былины, юмор и шутовство, рассказы о других землях.
Благодарные жители собирали небольшую денежную сумму от общества, давали продукты в дорогу и на следующее утро ватага отправлялась в следующее поселение.
Скоморошество на Руси просуществовало до середины 17-го века. В 1657 г. архиепископ Никон добился царского указа о запрещении скоморошества.
Не любили церковники и власть имущие скоморохов за их связь с древним язычеством, независимость от церкви, за их веселье и озорство, короткие кафтаны, маски, лицедейство и критику служителей церкви, которые на словах проповедовали аскетизм.
Скоморохов на Руси называли:Богами русской эстрады. Они не только пели песни, но и показывали целые представления в виде (по современному) веселого танцевального представления с цирком и песнями на людных площадях. Скоморохи, как и цыгане, водили за собой медведя. Народ их встречал с радостью.
К другой категории музыкантов на Руси принадлежали, как их называликалики перехожие. Они пели духовные песни, думы и странствовали по миру, как скоморохи. Но к странствующим актерам их не причисляли.
Древнерусская музыка — исполнители и основные жанры
- обрядовой музыки, в основном, волхвы,
- народной – .
Древнерусская музыка была тесно связана с обрядами и верованиями, а также с земледельческим трудом. Этим и объясняется большое разнообразие жанров. На площадях, в домах, на пирах исполнялись былины, обрядовые, плясовые, трудовые, игровые, колыбельные и многие другие песни.
Скоморохи (их еще называли «лицедеями», так как они не только пели и играли музыку, но и устраивали представления, зачастую импровизированные) были первыми профессиональными музыкантами на Руси.
В своем творчестве они использовали такие музыкальные инструменты, как
дудки, волынки, гусли, гудки, трубы, бубны, свирели.
Многие музыканты выступали на пирах, воспевая доблесть русских витязей и князей. Образ подобного сказителя выведен в «Слове о полке Игореве» – знаменитый Баян.
После захвата Руси татаро-монголами центром культурной жизни стал свободный «господин Великий Новгород». Именно там получил развитие такой жанр как былина. Былины донесли до нас историю о знаменитом исполнителе и гусляре Садко, покорившем своей музыкой даже Морского царя.
Колокольный звон как музыкальный жанр
Также на новгородской почве развился уникальный, типичный только для музыки Древней Руси жанр – искусство колокольного звона. Всего существует три вида звона:
- благовест (равномерные удары в большой колокол),
- перезвон (перебор колоколов от самого маленького до самого большого или наоборот)
- и собственно сам звон (это уже было самой настоящей игрой на колоколах).
Профессиональный звонарь учился искусству звона всю свою жизнь.
Начало профессиональной музыки — церковная и духовная
Зарождение профессиональной музыки тесно связано с историей становления древнерусского государства – Киевской Руси (IX–XIII века). После Крещения Руси (988 год) и укрепления связей с Византией появились и первые церковные песни – духовная музыка.
Древнерусский музыкальный канон
Музыкальный канон того времени был заимствован древнерусскими священниками прямиком из Византии. Церковная древнерусская музыка, как и вся христианская музыка того периода, была монодична, то есть ее основу составляли одноголосые распевы. Распевы подчинялась системе осмогласия. С ее помощью устанавливался строгий порядок музыкального исполнения службы.
Система осмогласия была целиком заимствована из и получила название «византийского столпа». В соответствии с ней в православных храмах каждую неделю распевался особенный глас (в системе древнерусской музыки гласом считался не какой-либо один определенный напев, а целая музыкальная система).
Всего существовало восемь гласов, и они образовывали восьминедельный цикл («византийский столп»), который повторялся в течение года примерно шесть с половиной раз (за исключением дней Великого Поста и Святой Пасхи).
Создателем системы осмогласия музыковеды и историки считают преподобного Иоанна Дамаскина ( 680-777), автора «Октоиха».
Записей звуковысотного обозначения гласов в то время не существовало. Мелодию записывали с помощью системы особых знаков, которые указывали лишь направление мелодии, прямо под строкой текста. Исполнителям мелодику песнопений приходилось учить по слуху. Певческое искусство передавалось в устной форме от учителя к ученику.
С византийским музыкальным каноном связана и особая эстетика – «ангельское пение». Более всего ценился чистый звук голоса. Один из раннехристианских писателей Климент Александрийский (150-215) считал, что человеческий голос является совершенным инструментом, поэтому отвергал иные музыкальные инструменты. Поэтому яркой отличительной чертой музыки Древней Руси являлся принцип a capella, то есть, пение без сопровождения музыкальными инструментами.
Певческие стили в древнерусской музыке
В музыке Древней Руси сосуществовали два певческих стиля – кондакарный (сольный) и знаменный (хоровой) распев.
Стройное чередование тонов и полутонов, которые образовывали двенадцатиступенный звукоряд, именовалось церковным ладом . Он распадался на четыре согласия – простое, мрачное, светлое и тресветлое, в каждом было по три звука.
Запись музыки в Древней Руси
Для записи древнерусской церковной музыки монахи употребляли специальную нотацию, которая получила название «знаменной» (от слова знамя – «знак»). «Знаменная» нотация (или «крюковая» – по названию одного из основных знаков системы – крюка), исполненная до XVI века, тяжело поддается расшифровке, поскольку по вполне объективным причинам у науки нет точных сведений о том, как в действительности звучали знаменные распевы.
Надо отметить, что древнерусская церковная и народная музыка находились в определенной оппозиции . Так как византийский канон являлся заимствованным, он вступал в конфликт с народной музыкой, имеющей глубокие национальные корни. Поэтому авторы древнерусских распевов оказывались перед нелегким выбором совмещения христианской эстетики и «наработанных» национальных, но языческих приемов музицирования.
Однако не только церковная и народная древнерусская музыка получили широкое распространение на территории страны. По сохранившимся фрескам мы можем получить некоторые сведения о светской музыке того периода, которая была распространена при дворе киевских князей. На одной из фресок можно увидеть музыканта, исполняющего мелодию на струнном смычковом инструменте наподобие средневекового фиделия (прообраза виолы). На другой фреске запечатлена целая группа музыкантов, играющих на духовных и щипковых инструментах в окружении скоморохов – плясунов и акробатов. Также на фреске сохранилось изображение органа и играющего на нем человека. Древнерусские князья весьма любили музыку во всех ее проявлениях, ценили талантливых исполнителей.
Наверно, неспроста при царе была создана группа певцов, которые именовались «государевыми певчими дьяками». Они получали особенное жалование, зависевшее от того, насколько усердно они прославляли царя (отсюда термин – «славословие») на государевых богослужениях. В этой своеобразной «певческой академии» древнерусской музыки сохранялась преемственность распевщиков.
- вершники,
- путники,
- нижники,
– демественниками назывались певцы-универсалы, умевшие петь на все три голоса.
После ослабления Киева возвышается Владимиро-Суздальское княжество, перенявшее «эстафету» дальнейшего развития древнерусского певческого искусства. Сохранилось в истории имя певца и распевщика Луки. Он был создателем целой школы древнерусских исполнителей. Его учеников летопись именует «луцыной чадью».
Значение периода древнерусской музыки
Музыка Древней Руси – уникальное явление в истории страны и ее культуры:
- Исполнителями древнерусской музыки были созданы оригинальные жанры (колокольный звон, былины, исторические, лирические песни и др.),
- Был расширен и обогащен византийский музыкальный канон , впитавший в себя своеобразие национального характера.
- Церковная музыка стала прообразом профессиональной академической музыки и явилась необходимой для развития культуры Древней Руси в целом.