Италия времен ренессанса. Школьная энциклопедия

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV-XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность - человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение - это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан - титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. .

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой - Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа - золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто - это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто - прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.

Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи - один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо - это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы - это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни - это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

6. Тициан (1488-1576 гг).

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562 г. .

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515-1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого - образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты - ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников XIX века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.

Художники эпохи Возрождения - это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

Вконтакте

Череда возрождений

Мы начинаем наши беседы о Ренессансе, об эпохе Возрождения – о значимом для европейской культуры времени. Но об этой эпохе ведется очень много споров. Большинство ученых оценивают эту эпоху как выдающийся взлет европейской культуры. Но были мыслители, которые отрицательно относились. Например, мы знаем, что Алексей Федорович Лосев, или о. Павел Флоренский рассматривали эту эпоху как крах христианских идеалов, как торжество антропоцентризма и практический отказ от Бога. Кто же прав? Давайте рассмотрим.

Итак, эпоха Возрождения. Что же возрождали итальянцы в эту эпоху? Свое название она получила с легкой руки, как известно, Джорджо Вазари – художника, архитектора, историка искусств. В своей книге «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» он обозначил этим термином период итальянского искусства с 1250 г. по 1550 г., то есть с XIII по XVI век, 300 лет великого взлета. О временных границах мы еще поговорим, и будем видеть, как они могут сдвигаться и в боле раннюю эпоху, и, наоборот, некоторые исследователи считали, что это всего лишь XV в. – самое начало XVI в. (кватроченто и чинквеченто). Но об этом спорят. Это все входит в ту проблематику, о которой сегодня не смолкают споры.

Что же имел в виду Вазари? Он имел в виду, прежде всего, возрождение культуры античности. Он провозглашал, что закончилась эпоха Средних веков, то есть того промежутка, который составлял, как ему казалось, культурный провал между взлетом культуры в античности и новым взлетом в период Ренессанса – прежде всего, в Италии. Но, однако, Вазари был не очень прав. Во-первых, потому, что античность возрождали и раньше. Это был не первый европейский Ренессанс.

Вообще, если посмотреть, европейская культура развивалась путем вот таких скачков, ренессансов, возрождений. Было, например, Каролингское возрождение, Оттоновское возрождение. Для Европы все время момент возрождения стоял на переднем крае, был актуальным, все время что-то возрождали.

Разрушив Римскую империю, варвары сразу начинали подражать Риму. Вспомним, например, Остготское королевство в Италии, где Теодорих подражал Риму, и короновал себя, и делал мавзолеи, и делал паллацо римский, и так далее. И двор Теодориха был таким возрождением, как ему казалось, античной, римской культуры.

Но, конечно, самым большим возрождением после варварской эпохи разрушения было Каролингское возрождение. Об этом тоже нужно сказать, прежде чем мы перейдем собственно к эпохе Ренессанса. Каролинги – это особый период. Это действительно было в какой-то мере Возрождение. Это период интеллектуального, культурного подъема. Его рамки – это конец VIII в. – середина IX в., эпоха правления Карла Великого, Людовика Благочестивого, Карла Лысого. Это династия Каролингов. Это расцвет литературы, искусства, юриспруденции, богословия. Мощный импульс получило развитие средневековой латыни.

Действительно, это был ренессанс – маленький, может быть не общеевропейского плана, но все-таки ренессанс именно христианский, но связанный с возрождением античной традиции, латинской традиции, традиции римского права, и т.д. Например, Ахенская капелла говорит о том, что это действительно был мощный взлет – может быть, более локальный. Хотя итальянское Возрождение тоже, как мы увидим, локальное явление. Оно повлияло на европейскую культуру, но все-таки было обозначено тоже не очень большим размахом.

Оттоновское возрождение продолжало Каролингское. А следующий период, который связан с романским искусством, тоже можно назвать в некоторой степени возрождением, потому что возрождается римская арка, римский свод, римская строительная техника. Наконец, варвары достигли такого размаха в строительстве, который мог сравниться отчасти с римской архитектурой, и в чем-то это тоже возрождение.

Не говоря уже о готике, ведь само слово «готика», варварский стиль – это тоже привнесенное из эпохи Возрождения, потому что всем казалось, что готика, с ее ребрами, с ее контрастами света и с этой мощной массы соборов, подавляющих человека, ¾ все это варварство. На самом деле, если посмотреть, то готика – это великое искусство, где соединяются и инженерная мысль, и богословие, схоластика. Но, деятели Возрождения относились к схоластике как к чему-то неразвитому, хотя это очень интересное движение мысли. Поэтому готика тоже в своем роде возрождение – возрождение высокой строительной техники, богословской мысли и так далее. И здесь с античностью тоже было очень много связано.

Вообще, европейское развитие, если сравнить его с развитием восточно-христианского мира, оно шло по пути все время как бы оглядки на античность, попытки возрождения. Вот варвары разрушили ее, и на протяжении всего средневековья они пытались возродить эту античность. И, наконец, как им казалось, возродили. И назвали ту эпоху, когда античность подняли на пьедестал уже в более широком смысле, ее возродили, и Вазари провозглашает период Возрождения.

Совершенно иначе шло развитие в восточно-христианском мире. Там никто ничего не разрушал особо, а христианство прорастало сквозь эту античную почву. Византия была продолжением Римской империи – это была часть, осколок Римской империи. Греки называли себя ромеями, и считали себя законными наследниками античности. Не то что эти варвары, которые ее разрушили, а потом пытались ее возродить.

Типично итальянский культурный продукт

Мы дошли с вами до эпохи Возрождения, в которой античность ставится на пьедестал. Но античность здесь, скорее, романтическая идея. Все-таки возрождали европейскую культуру постсредневекового типа. И это видно на всем том, что делали представители Возрождения – художники, архитекторы, мыслители.

Это совершенно оригинальная культура, которая не повторяет античность, хотя и на нее ссылается, которая создает свой (современный на тот момент) особый стиль культуры. И в этом смысле роль Италии очень велика. На самом деле, как готика – это, в основном, изобретение Франция (потом готические влияния пошли в другие страны), так и Возрождение – это типично итальянский «культурный продукт». Не случайно они совпадают во многом в датах. Тогда как во Франции расцветает готика, в Италии расцветает культура Возрождения (мы об этом поговорим, минуя готику). Поэтому они не любили готику как варварский, готский, германский стиль. А сами-то они возрождали благородную античность, которую не коснулось варварство.

Давайте посмотрим предпосылки. Действительно, у Италии были античные корни. Итальянцы вдруг вспомнили, что они живут на почве античности. Это и сохранившиеся здания, и манускрипты в библиотеках, и скульптура. В это время стали открывать катакомбы. То есть, они вдруг почувствовали, что, в отличие от остальной Европы, здесь гораздо больше все укоренено в античность, хотя и раньше они тоже отсылали свою культуру к античности, они об этом не всегда забывали. Здесь были варвары – лангобарды в Северной Италии, остготы в Восточной Италии. Но, все-таки, вот это римское наследие всегда здесь помнилось и почиталось.

Раннехристианские традиции здесь тоже всегда были сильны. До сих пор во многих храмах Рима мы видим раннехристианские иконы. Их называют ранневизантийскими, но они не всегда написаны византийскими мастерами – они написаны местными мастерами. Опять же – открытие катакомб, о чем я уже говорила.

Конечно, Рим – это церковь. Это сильная, богатая церковь. В разные времена, конечно, были упадки. Было и «Авиньонское пленение пап» (мы об это поговорим), но все-таки Рим всегда был центром. В отличие от восточно-христианской культуры, здесь сложилась очень интересная ситуация. Если Константинополь – это император, который повелевает, в том числе и церковью, то здесь церковь часто повелевала императорами. Рим – единственный христианский центр, и много варварских королевств. Поэтому ни один король не мог преобладать. Хотя и пытались многие диктовать Риму, и иногда это удавалось, но все-таки Рим был главным. И вот это тоже очень сильно повлияло на мировоззрение Ренессанса.

Церковь хранила сокровища. Откуда гуманисты взяли эти античные рукописи? Они и взяли их в монастырских библиотеках. Это не нужно было в земле раскапывать. Они хранились. Другое дело, что в Средневековье их не очень читали. Мы помним замечательный роман Умберто Эко, где построено как раз на том, что античные рукописи прячут, а кто-то их разыскивает. То есть, возрождали-то кто? Монахи. Очень часто исследователи пишут об антиклерикальном настрое гуманистов. Это не совсем так. Мы будем видеть, что большая часть гуманистов сами принадлежали к церкви. Это были служители церкви – монахи, каноники, священники, даже папы. Хотя и светский элемент в гуманизме был очень большой.

Отсутствие центральной власти укрепляло периферийные центры. Попытка объединить Италию все время проваливалась. Мы знаем, что, в конце концов, Италия объединилась только в конце XIX века. И вот эти вот периферийные центры стремились создать свою культуру, и роль таких городов-коммун здесь была очень большая. В этих независимых городах растет производство, развивается ремесло, скапливаются деньги. Экономический рост способствует меценатству, покровительству искусству. Это тоже немаловажный момент. Если в той же Франции или в Германии деньги скапливались у монархов, и они уже диктовали художникам, то здесь деньги были ближе к художникам, потому что они были у людей третьего сословия.

Культура третьего сословия

Вообще, третье сословие делает эту культуру, что тоже очень интересно. В Средневековье мир представлялся гармонично-сложенным. Как пишет один хронист: «Божий дом тройственнен, он состоит из oratores, laboratores и bellatores», – то есть одни молятся, другие работают, третьи воюют. И это очень важно, потому что это сословная структура держала этот мир. И вдруг это третье сословие – laboratores – которому всегда отводилась третья роль, вдруг выходит на первый план именно в Италии, и это очень сильно меняет культуру. Третье сословие становится ведущим, финансово независимым, тянется к образованию и культуре, и диктует этот новый стиль.

Экономический фактор, что очень важно, способствует появлению досуга. В Средневековье ведь досуга не было – тогда каждый был занят своим делом. В позднем Средневековье – опять же, мы посмотрим, как соединяются позднее Средневековье – так называемая интернациональная готика с Возрождением. Там появляется придворная культура, где есть досуг, и т.д., но все-таки для большинства людей, особенно третьего сословия, такого досуга не было – люди или молились, или трудились. Отдых, 7-й день, воскресенье, предоставлялся Богу, и это был не отдых, а молитва. И вдруг появляется этот досуг. И как этот досуг используют люди? Они начинают читать книги, писать книги. Они начинают заниматься humanitas, то есть гуманитарными науками. Вот это все достаточно интересно, и все это формирует совершенно новое мировоззрение, новую культуру.

Миф об антропоцентризме Возрождения

Считается, что культура Возрождения возникает благодаря философии, гуманизму, который соединил интерес к античной культуре, к искусству, к литературе с вниманием к духовной сущности человека. Вообще, проблема человека выходит на первый план – отсюда humanitas. Homo – человек, который становится в центре Вселенной как венец творения, в центре внимания исследователей, поэтов, писателей, ученых и т.д. Отсюда – миф об антропоцентризме.

Почему я говорю «миф»? – Потому что – да, человек становится центром Вселенной, но Бог не исключается из этой Вселенной. Скорее, Вселенная мыслится как эллипс с двумя центрами, которые находятся в своем взаимодействии. И то, что человек – венец творения, это было сказано совсем не гуманистами. Это провозглашало и Средневековье, это можно вывести из Священного Писания (из 6-го дня творения), когда Бог дает человеку огромную силу и повеление быть царем и священником в природе. Другое дело, что сам человек это не сохранил. И вот это достоинство изначальное, данное человеку, тоже возрождают гуманисты. Это очень важно.

Если в Средние века в основе культуры лежала вера, то в период Возрождения в основу всего становится знание. Вера, опять же, не исключается. Переносится некоторый акцент на знание. Но ведь еще Ансельм Кентерберийский сказал, что: «я верую, чтобы знать». И вот это знание становится для гуманистов, для деятелей эпохи Возрождения главным. И само искусство становится путем познания – природы, человека, Бога в конце концов. Повторяю, что миф об антропоцентризме односторонний – он исключает то, что человек хотел познать и Бога.

Университеты, науки, книгопечатание

Развиваются университеты. Создаются музеи. В школах начинают преподавать греческий язык, еврейский язык; интерес к гуманитарным предметам. И к естественным – тоже. Если в Средние века наука и культура были прерогативой церкви, которая не всегда охотно делилась своими знаниями и достижениями, то гуманизм открыл возможность знания для всех. И мы видим, что люди любого сословия могли приобщиться к этому знанию.

Университеты появляются, как мы знаем, в Средневековье. Это – средневековое изобретение. Но в Возрождение они приобретают особенный вес, потому что они становятся не только школами богословских наук, но и естественных. Еще в античности начал вырабатываться список учебных дисциплин, уже названных «свободными искусствами», причем в древнем Риме они так назывались. Это свободные занятие достойного, свободного человека, в отличие от занятий, требующих физического труда.

Но само слово «искусство» (от латинского ars ) в данном случае следует понимать не как художественное ремесло (сейчас мы понимаем искусство как художественное ремесло), а как науку, как знание, то есть системный взгляд, вырабатывающийся в ходе практических наблюдений за природой. Еще в Средние века число «свободных искусств» сводилось к семи. Это были так называемые тривиум и квадривиум. Тривиум – это, прежде всего, искусство слова, грамматика и риторика, и диалектика. А квадривиум – это арифметика, геометрия, астрономия, музыка. На самом деле, эти свободные искусства начинают расширяться, и к ним присоединяются уже исследования в области астрономии, развивается химия, выходящая из алхимии и т.д., то есть начинает расширяться этот средневековый спектр искусств, спектр наук.

Но очень важным изобретением, которое как раз дало возможность более широко распространять знания, было изобретение книгопечатания. Вот этот скачок в цивилизации невозможно не заметить. Наверное, с ним может сравниться только изобретением компьютера в наше время. Действительно, книга, бывшая раньше рукописной, конечно, дальше монастырских библиотек редко могла распространяться. А вот книга напечатанная уже могла распространяться достаточно широко, и это очень важно.

Новые пространства и перспектива

Ренессанс – это время Великих географических открытий. Это тоже очень важно. Мир расширился. Средневековый мир был замкнутым, ограниченным – скорее, он размыкался туда, в Царствие Божие, в то пространство, где нет границ; в то время, где царствует вечность. А поскольку гуманизм обратил внимание на человека, живущего на земле, то земля стала очень интересовать и художников, и ученых. И поэтому время Великих географических открытий – это время расширения пространства.

Отсюда такой интерес к перспективе, потому что людей заинтересовала земля. Людей заинтересовало пространство, в котором они живут. И вот это вот размыкание пространства тоже повернула взгляд человека на самого себя, на мир, на Бога, на творения, на Вселенную. К тому же, астрономические открытия, смена парадигмы от геоцентрической к гелиоцентрической Вселенной тоже очень сильно поменяло мировоззрение человека. Мы даже не можем себе представить, насколько это было действительно взрывом в сознании людей. О том, что Земля круглая, или, что Солнце не вокруг нас вращается – это тоже люди в античности знали, догадывались или имели такие гипотезы. Но в это время, в период Возрождения, это становится определяющим.

Человек как соработник Творца

И гуманизм рождает новый взгляд на отношения человек – Бог – мир. И здесь, конечно, от теоцентризма происходит тяготение к антропоцентризму, но человек не затмевает Бога – человек начинает мыслиться равным собеседником Богу. Если Бог – Творец, и человек создан по «образу и подобию» Творца, значит он тоже творческий. Это творчество выходит на первый план. Если это творчество заповедно человеку, то человек начинает творить, то есть он выполняет волю Божью. Если человеку дано познавать мир (Адам называл животных – это тоже образ познания мира в раю), то человек начинает познавать этот мир. Он вовсе не идет против Бога – он идет за Богом, но только иначе, чем это было в Средневековье.

Если в Средневековье подчеркивалась слабость человека, его несоизмеримость с Богом, его греховность прежде всего, испорченность его природы, то теперь упор делается на богоподобие человека. Да, человеку трудно всегда удержаться на какой-то вершине, и у многих гуманистов это зашкаливало. Эта богоравность, богоподобие человека иногда превозносилось, может быть, выше, чем нужно, но об этом мы тоже будем говорить. Взлет и падение, и это тоже нужно видеть в этой эпохе. Но подчеркивалось могущество человека, наделенного разумом, назначенного повелевать природой, познавать, а значит действительно осуществлять себя в этом мире. Вот, может быть, впервые человек поставил для себя этот вопрос – как человеку осуществиться в этом мире. Не как ему дожить до спасения, лишь бы не запятнать своих одежд, а как ему уже в этом мире завоевать ему то, что дано ему Богом. Это тоже очень важный момент.

Интересно, что новое в трактовке человека появляется не только по отношению к Средним векам, но и по отношению к античности. В античности, в целом, выдерживается идеал созерцательного человека, мудреца, проникающего умственным взором в тайны мира, постигающего тайны бытия. Но в Возрождении ценится другой тип человека – тип человека активного, который строит самого себя, создает самого себя. Тип человека, который имеет очень деятельный характер. Это очень важно. Человек создает этот мир. Он не просто проходит сквозь него, не просто смотрит на него внешним взором, но он преумножает его красоту, он делает красивее и прекраснее. Он создает самого себя. Он реализует те богатства, которые вложены в него Богом. Поэтому и возникает новое соотношение человека и природы.

Да, человек – это природное существо, но он наделен разумом. Он может постигнуть тайны мира, но постигает и тайны мира самого себя, тайны самого человека. В Средневековье о человеке знает Бог, а здесь уже человек начинает познавать самого себя. Вот это вот «познай самого себя», которое было только провозглашено в античности, на самом деле осуществляется именно в период Возрождения.

И вот это тоже миф – что гуманисты пренебрегали религией. Нет, они исследовали не только античные тексты – они исследовали и Писание. Критическое исследование писаний («критическое» пока еще в кавычках) все-таки началось именно с гуманизма. Реабилитируется не только человек как таковой, как богоравный, богоподобный, но и реабилитируется его плоть. Мы помним, что в Средневековье плоть все-таки была немощным и греховным сосудом. Конечно, там были трактаты, которые олицетворяли спор между душой и телом. Неизвестно, что выходило более греховным – душа или тело. Тело, как сказал Франциск, это «всего лишь осёл, который везет нас».

Тем не менее, тело реабилитируется. Тело создано Богом, оно прекрасно, и человек может быть прекрасен и душевно, и духовно, и телесно. И вот это очень важно. Снимается запрет на изображение плоти. Мы помним, что в Средневековье обнаженными изображались в основном грешники, с которых сорвали одежды – их ничто уже не может прикрыть от Бога. Или мученики, которые добровольно отдали свое тело на жертву. А здесь изображается красота человеческого тела. Природа прекрасна, в том числе и природа человека. Вот эта реабилитация очень важна. Снимается запрет на изучение анатомии человека. Снимается запрет с изучения не только человека как такового, но и его телесного состава. Это тоже очень важно.

Самоценность искусства

В Средние века искусство носило прикладной характер. Оно должно было или украшать жизнь, или отражать иной мир, уводя человека за пределы этого тварного и за пределы своего существования, показывая иное бытие. В эпоху Возрождения искусство впервые приобретает самоценность, оно становится самостоятельной область прекрасного. Появляются отношение художественное, эстетическое к произведениям. Нельзя сказать, что в Средневековье не оценивались художественные произведения искусства, но эта художественность всегда была прикладным, другой стороной богословского отношения.

Красота – это одно из имен Божьих, и любая красота или отражает Бога, или уводит от него. Как потом сформулирует Федор Михайлович Достоевский, есть красота Мадонны, есть красота Содома. Здесь красота появляется как самоценное качество – красота человека, красота природы, красота человеческого тела, красота слова – это тоже появляется именно сейчас. Риторика средневековая тоже бывает прекрасная – плетение словес, но это всегда ведет к тому, чтобы понять, что ведет к смыслу слов. А здесь – красота слова, красота образа, красота линий, красота колорита и т.д. То есть самоценность. Все немножко вычленяется. Вселенная еще не распадается – она потом будет распадаться. Пока это взлет.

Падение состоит в том, что человеку не удалось удержаться на этой вершине, и он потом будет собирать этот мир по осколкам. Пока он стремится еще к целостности этого мира, но все-таки уже выделяет эстетическое чувство, чувство красоты как особое, как отдельное. Место и роль художника, конечно, повышается; впервые рассматривается как самостоятельный уважаемый профессионал, будь он художник, поэт, философ. Разрушаются корпоративные связи, выделяется отдельно личность. И искусство тоже продолжает быть прикладным в смысле науки, то есть оно хорошо само по себе, но оно еще ведет и к познанию. Леонардо скажет: «Живопись – наука и законная дочь природы».

Начинается словесное творчество отдельных поэтов. Мы будем говорить с вами о Данте, а Петрарке. Это все начинается отсюда, потому что они превозносятся уже не просто как люди, которые послужили Богу или святой жизни.

В Средневековье святость все-таки была выше творчества. А здесь человек, пусть он даже проживает свою сложную, иногда очень греховную жизнь, но он превозносится как поэт, как творец или как художник. Это для него главное, то есть творческая возможность, которая приравнивает его к Богу-Творцу. Отсюда понятно, почему Рафаэль получает эпитет «божественный». Главное сочинение Данте «Комедия», как он ее называл, ¾ ее назвали «Божественной комедией». Он сам ее «божественной» не называл.

Если Фома Аквинский считал возможным истолкование мира только через Писание (а Фома был непререкаемым авторитетом в это время), то гуманисты считали, что уже поэзия истолковывает мир. Не только Священное Писание, но и писание отдельных поэтов тоже является таким толкованием и зеркалом этого мира.

Суммируя все сказанное, можно определить, что создается особый тип человека. И это задача эпохи – воспитание нового человека. Еще греческое слово «пайдейя» (воспитание), которое как раз является аналогом латинского слово «humanitas» (человечность) превозносится гуманистами как цель – воспитание нового человека. Человека:

который одарен всеми дарами, которые дал ему Бог, раскрыл эти дары;
который стяжал все знания, которые дают ему возможность быть на высоком интеллектуальном уровне;
который проявил себя в творчестве;
который не просто прожил свою жизнь, дойдя только до смерти, и лишь бы не согрешить.

Даже пусть рискует чем-то, но он становится человеком во всем его проявлении. Человеком со всеми плюсами и минусами, но реализовавшимся. Не каким-то полуфабрикатом, а именно реализовавшимся человеком.

В это время превозносят скульпторов, ученых, венчают лавровым венком. И вот человек – потом, может быть, это слишком утрирует Горький, когда произнес: «Человек – это звучит гордо!». Но вот эта вот гордость становится, может быть, главное в это время. Не гордыня, то есть то, что порицало Средневековье, а гордость и достоинство. Очень интересное итальянское слово «virtus» ¾ доблесть, честь, достоинство. Это, кстати, близко к слову «истина». Истина человека в том, что он так себя проявляет.

Марсилио Фичино

Здесь можно вспоминать и Данте, и Петрарку, и Боккаччо. Но мне хотелось сказать о двух мыслителях эпохи Возрождения, которые, на мой взгляд, больше всего отразили новое мировоззрение, новый взгляд на мир и на человека. Это – Марсилио Фичино, вот его скульптурный портрет, и Пико делла Мирандола. Эти два мыслителя может быть больше всего отразили вот этот новый взгляд на мир.

Немного о Марсилио Фичино. Он родился во Флоренции. Получил образование во Флорентийском университете. Изучал медицину, философию, труды философов античности, знал греческий язык, занимался переводами. Был некоторое время секретарем у Козимо Медичи – главы Флорентийской республики. О роли Медичи мы еще поговорим, потому что период Возрождения – это период меценатства. Это очень интересное явление.

В 40 лет Марсилио Фичино принимает священнический сан. Но остается поклонником античной философии – даже несколько проповедей посвящает «божественному» Платону, как он говорит. Прославился он прежде всего как переводчик. Он, кстати, впервые перевел на латынь Платона. Он опубликовал практически все диалоги Платона в переводе на латинский язык, сочинения Плотина, сочинения поздних античных философов. И «Ареопагитики», что тоже очень важно, потому что ареопагитический корпус, хоть его в Средневековье уже частично переводили (в период Каролингского Возрождения), но все-таки полностью его перевел Марсилио Фичино.

Это тоже говорит о том, что не только их языческая античность интересовала, но и христианская античность, потому что неоплатонический автор раннего христианства, скрывающийся за именем Дионисия Ареопагита, – это особое явление, сформировавшее во многом мировоззрение Византии. Поэтому о таком уклоне в язычество Возрождение я бы тоже назвала представлением мифологическим. Так что их интересовал и Платон, и Плотин, и раннехристианские авторы.

Козимо Медичи подарил Марсилио Фичино виллу в холмах Кареджи. И там он устроил платоновскую академию. Она была, скорее, не учебным заведением, а вольным собранием единомышленников и собеседников, почитателей Платона. Говорили даже, что в красном углу или в какой-то нише у Марсилио Фичино стоял бюст Платона, и он возжигал перед ним лампаду, воскурения и т.д. Но, во всяком случае, он был почитателем не только Платона. Он перевел и корпус Гермеса Трисмегиста, и других античных авторов.

Но главное – то, что он писал и свои сочинения: «Платоновское богословие о бессмертии души», «О христианской религии». И в этом во всем Марсилио Фичино превозносил человеческое достоинство, и человека, которому важно познание – познание мира. И поскольку познание мира имеет в основе божественный Логос, то есть познавая мир, мы познаем Бога – вот это тоже очень важно помнить о гуманистах. Не то, что они забыли про Бога и устремились к Платону, или стали заниматься препарированием природы – нет! Они и Священное Писание изучали. И комментарии того же Марсилио Фичино в Священном Писании тоже весь интересно.

Он говорил, что учение Платона надо соединить с древней мистикой Священного Писания. И он выводил из этого то, что он называл всеобщей религией, то есть тот божественный Логос, который был открыт и античности (христианам до Христа) и христианам, уже последователям Христа. В этом он очень близок к раннехристианским авторам и апологетам, которые в свое время – и Кирилл Александрийский, и Иустин Философ – эту мысль уже высказывали, но несколько в другом контексте.

Пико делла Мирандола

Другой гуманист – Пи́ко де́лла Мира́ндола – он тоже уроженец Флоренции. Его тоже очень часто современники называли «божественным». Он оставил интересный трактат «Речь о достоинстве человека». Это очень интересный мыслитель. Он прожил очень мало – всего 31 год. Умер от отравления мышьяком. Это была эпоха не только солнечного познания и радости, но и темной стороны человечества, потому что свобода, которую обрел человек, пошла в разные каналы. Много и зла творилось в эти эпохи: людей отравляли, были войны, столкновения, заговоры и т.д. Эту нижнюю планку эпохи мы тоже не должны отринуть, но пока мы говорим о высоте-взлете.

Незадолго до смерти Пико делла Мирандола принял монашество. Стал членом доминиканского ордена. Похоронен в монастыре Сан-Марко во Флоренции. Настоятелем этого монастыря был Джироламо Савонарола, который сам был гуманистом, и тесно общался с философами-гуманистами. Но ему тоже приписали много такого, что, может быть, является и мифом. Он боролся за чистоту гуманизма, за библейский гуманизм. Об этой фигуре мы еще поговорим, особенно в связи с судьбой Боттичелли.

Пико делла Мирандола происходил из семьи графов-сеньоров. Был связан со многими влиятельными домами. В 14 лет он уже поступил в Болонский университет. Потом учился в Ферраре, в Падуе, в Павии, в Париже. Он получил самое блестящее образование, которое можно было в это время только получить. Знал многие языки. Кроме латинского и греческого, что было для гуманистов просто необходимым и минимумом, потому что интерес к латыни еще в Средневековье был, а греческие как обязательный вели именно гуманисты, так как многие древние рукописи были именно на греческом языке. Но Пико делла Мирандола знал и халдейский, и еврейский, и арабский языки.

Главным трудом, как я уже сказала, была его «Речь о достоинстве человека». Очень интересно, что именно в этой «Речи» определяется главный стержень отношения человека в это время. Немножко процитирую его. Он так пишет обращение к Богу от имени Адама, определяя человека как центр мира:

«Не даем мы тебе, о Адам, ни определенного места, ни собственного образа, ни особой обязанности, чтобы и место, и лицо, и обязанности ты имел по собственному желанию, согласно твоей воле и твоему решению. Образ прочих творений определен в пределах установленных нами законов. Ты же, не стесненный никакими пределами, определишь свой образ по своему решению, во власти которого я тебя предоставляю».

То есть, что здесь говорится? Здесь говорится о том, что человек не запрограммирован. Он входит в этот мир, и он сам может выбрать – быть ли ему на высоте или падать; быть ли ему ближе к ангельскому миру или к дьявольскому; выбрать рай или ад. Человек – свободный, он свободный и славный мастер. Он может определить свою судьбу, в том числе и посмертную; быть тем, кем он хочет. Вот на такую высоту человека еще никто доселе не возводил.

Этот трактат Пико делла Мирандолы вызвал, конечно, недоумение у многих – совсем не все были готовы к такой широте и высоте. Этот трактат вызвал недоумение в том числе у папы Иннокентия VIII. Во-первых, он усомнился, что молодой человек (а ему было всего 23 года, когда он написал эту «Речь...») может вообще так широко мыслить, быть дерзким, и кто такой этот мальчишка, который так дерзновенно заявляет. Во-вторых, кто ему вообще дал право судить о человеке, когда это – приоритет Церкви. Но приоритет Церкви уже в это время сильно поколебался. Папа назначил специальную комиссию, которая должна была проверить труд Пико делла Мирандолы на наличие ереси. Мы не должны забывать, что церковь в это время не только состояла из гуманистов, но и из тех, кто исследует ереси.

Я вспомнила роман Умберто Эко. Но хочу еще раз вспомнить, что очень хорошо этот замечательный итальянский ученый-медиевист понимал это. Там речь идет о XIV в. – о том, как еще почти средневековые школы номиналистов и реалистов между собой сражались, но там есть и зачаток вот этого вот уже возрожденческого стремления к стремлению мысли от диктата церкви.

Так вот в Риме усомнились и назначили комиссию. Как мы знаем, многие комиссии выносили очень суровые приговоры. Пико делла Мирандоле указали на некоторые несоответствия учению Церкви, хотя это тоже было все очень туманно. Он подвергся аресту, но ему удалось бежать во Францию. Потом он вернулся, его пригрел Лоренцо Медичи. Он примкнул к кружку Марсилио Фичино. Все, вроде бы, обошлось благодаря высоким покровителям.

Но все-таки вот эта дерзновенность мыслей подверглась уже и такому осуждению. Кстати, современники именовали Пико делла Мирандолу «князем согласия», потому что он как раз не хотел ссориться ни с церковью, ни со своими оппонентами в кружке гуманистов. Там тоже были разные разногласия. И он, наверное бы, многое бы сделал, объединяя эти разные силы, но умер в достаточно раннем возрасте. То, что он был отравлен, как раз и говорит о том, что его точке зрения оппоненты были, и, наверное, достаточно сильные.

Поэзия жизни Франциска Ассизского

В завершение нашей беседы хочется вспомнить еще одну фигуру – это Франциск Ассизский. И именно эта фигура заставляет нас двигать границу Возрождения в сторону расширения, потому что Франциск Ассизский жил в конце XII в. – начале XIII в., и определил такой поворот к новому мировоззрению может быть больше, чем кто бы то ни было. Хотя – он не был гуманистом, а средневекового плана святым, но его уже отношение к миру было полно всего того, что потом расцветет в гуманизме.

Он ведь первым провозгласил, что мир не только во зле лежит. Что мир, как творение Божье, прекрасен, и дан человеку для радости. Не для только покаяния, искупления грехов, страданий, борьбы, а что в этом мире можно жить, радуясь и прославляя Творца за его творения.

Так возникли гимны Франциска. Кстати, это первые поэтические произведения, которые написаны не на латыни, а на итальянском языке. Вот гуманисты писали еще на латыни, а Франциск, до нескольких десятилетий до них, уже писал свои гимны на народном итальянском языке. Так что даже как поэт он может считаться первым поэтом эпохи Возрождения.

Франциск первый разрешил трагедию мира. В Средневековье это действительно трагедия, потому что эта религиозная первопроблема (грехопадение, разрыв с Богом) – вот ее решали богословы и философы Средневековья. Как соединиться с Богом? Человек оторван от Бога – и что с этим делать? Франциск первый разрешил эту проблему, не жертвуя ничем из всего богатства жизни. То есть, он понимает свою греховность, тщетность, тленность, тщетность усилий, но он понимает и милосердие Божие, красоту Божьего творения, красоту самого Бога. И ту радость Бытия, которая приготовлена человека не только там где-то за границами существования, но уже и здесь на земле. И любовь может быть чистой, сильной, светлой, необязательно греховной, необязательно связанной с похотью, и т.д. Все это провозглашает именно Франциск. Франциск нов и самобытен.

Хочется прочитать такую цитату из сочинения замечательного исследователя, который мало у нас известен, ¾ Петра Бицилли. Это русский исследователь, который был в эмиграции, и его труды стали печатать у нас только в 90-х годах. И он писал так: «Вся культура Средневековья может быть понята как грандиозное и мучительное усилие охватить сознанием и выразить эту трагическую религиозную первопроблему. Отсюда страшный своей какой-то бесчеловечностью средневековый аскетизм с его тяготением ко всему предметно-говорящему о смерти, тлении, разложении.

Франциск первый разрешил трагедию, не жертвуя ничем из всего богатства жизни. После него ее будут разрешать и другие – в акте художественного или философского творчества. Но Франциск не был ни художником, ни философом по специальности. Он разрешил ее по-своему и так, как только один он мог это сделать: своей жизнью. «Блаженный и неуч», хотевший быть самим по себе и ниже всех, он путем своего приближения ко Христу избрал самый неожиданный, но самый простой и самый смиренный путь: не рассуждающего, буквального последования Христу в Его земной жизни.

Со свойственным итальянскому народу даром пластического воплощения идей он разыгрывал, если позволительно так выразиться, притчи и заповеди блаженства. С благоговейным ужасом и восторгом современники догадывались, что во Франциске как бы воплотился Христос. Франциск открывает собой ряд великих «художников своей жизни», которыми так богато Возрождение».

Вот эта идея сделать и жизнь свою предметов искусства, о котором будут говорить многие художники Возрождения, началась с Франциска. Именно он сделал свою жизнь предметом божественной игры и божественного искусства.

«Никак нельзя понять Возрождение», – пишет Петр Бицилли, – не уловивши особого настроения его. Оптимизм, вера и возрождение свойственны и Средневековью. Настает день, и мир очистится, освятится, будет земля новая и небо новое. Для эпохи же Возрождения характерно то, что мир переживается, как уже преображенный и просветленный. Доминанта настроения эпохи – радость, восторг, тот восторг, который наполнял душу Франциска и заставлял ее изливаться в импровизированных гимнах».

Вот, кстати, изображение Франциска из монастыря Субиако, который считается возможно близким его реальным портретом. Это очень близко к его жизни было сделано современниками, которые его хорошо знали.

Действительно, Петр Бицилли говорит о том, что Возрождение – это «эпоха, когда уже считается, что мир может быть преображенным, что человек может быть преображенным, что человек может достичь радости бытия. Вот эта вот радость бытия вдруг открылась людям – и в великих творениях, и в природе, и в самом человеке, и в наслаждении миром. Оно было абсолютно бескорыстным. Очень часто говорят, что именно отсюда началось завоевание человеком этого мира, подчинение его себе. Нет, это уже позже было. Это было последствие падения с этой великой вершины.

Полет Икара

Так, Ренессанс – это великий взлет европейской культуры. Это, если хотите, обретение крыльев. Это возможность увидеть землю в перспективе, с «птичьего» полета. Хотя в Средневековье многие смотрели на нее с полета ангельского, но он доступен не всем. А вот с «птичьего» полета, или с вершины горы, с которой открывается великий вид, это увидели многие в период Возрождения. В этой радости полета много было, конечно, адреналина. Человеку хотелось испытать все больше и больше свои возможности. Он взлетал все выше и выше. Но полет Икара, как известно, завершился катастрофой – солнце попалило крылья, и падение было неизбежным».

Точно так же было и в период Возрождения. Человек возвысился очень высоко, но потом, не удержавшись на этой вершине, он упал. Возможно, кто-то не назовет это падение падением. Многие превозносят это – и последствием Возрождения называют, великим шествием человеческой культуры, и т.д. Потом было Новое время. Этот новый поворот в мировоззрении дал тоже великие плоды. Кто-то видит и хорошую перспективу, а кто-то не увидит и падения, потому что для многих это тоже большой вопрос.

Для одних вопрос – во взлете. Лосев и о. Павел Флоренский считали это, наоборот, отступлением, падением – само Возрождение. А кто-то – наоборот. Кто-то не увидит ни полет, ни падение, как не увидел падения Икара герой знаменитой картины Брейгеля. Мне кажется, что это очень символично, когда человек пашет свою борозду, продолжа свой исторический путь, а Икар (его даже не сразу видно на картине) барахтается уже в море. Мне кажется, что эпоха Возрождения – это взлет и падение Икара. Насколько я права, посмотрим в следующих наших беседах.

Италия — лучшее место для того, чтобы легко разобраться в истории искусств. Здесь шедевры буквально на каждом шагу.

Из этой статьи Вы узнаете:

«Rinascimento»: ri - «снова» + nasci - «рождённый»

Надеюсь, все слышали понятие «ренессанс». Рожденный заново, рожденный снова. Или — Эпоха Возрождения. Почти всегда это понятие применяется к области искусства: живопись, литература, архитектура, и т.д. Кстати, сюда можно отнести и науку.

Боттичелли, Рождение Венеры

Теперь разберемся, а что же, собственно, родилось заново? Это особый тип культуры, которая уже вышла за рамки Средневековья, но лишь предшествует эпохе Просвещения.

Впервые термин ввел Джорджо Вазари (итальянский гуманист). Имеется ввиду некий существенный шаг вперед во всех сферах жизни социума, а особенно — в сфере культурной. Расцвет, выход из тени, преображение.

Борьба между Средневековьем и Античностью

Если пока еще не очень понятно — объясню проще. Дело в том, что Средневековая культура, живопись, поэзия, да сама жизнь людей были очень сильно зависимы от церкви, иерархии в обществе и религии. Средневековое искусство — это религиозное искусство, личность здесь теряется, не имеет значения.

Кстати, на страницах моего блога несколько иностранных языков!

Вспомните средневековые католические фрески, полотна. Это весьма пугающие образы, угодные церкви. Тут святые, праведники, а в противовес Страшный суд, ужасные демоны, чудовища. Создавалась ситуация, когда быть собой, иметь обычные человеческие страсти, желания — верный путь в ад. Только чистый сердцем, праведный христианин мог надеяться на спасение, прощение.

Доманико Венециано, Мадонна с младенцем

Ренессанс характеризуется антропоцентризмом и . В центре его — человек, его деятельность, мысли, стремления. Такое подход свойственен эпохе Античной Культуры. Это Древний Рим, Греция. На смену язычеству приходит в Европе христианство, вместе с этим полностью меняются каноны искусства.

Рафаэль Санти, Мадонна в зелени

Теперь же человек рассматривался, как личность, важная составляющая общества. Человек получил в искусстве свободу, которую ему никогда не давали строгие законы религиозной культуры Средневековья.

Возрождение, извините за тавтологию, возрождает период Античности, но это уже ее более высокий, современный уровень. Европа попадает под его влияние в период с XV по XVI века. В Италии будут немного другие хронологические рамки Эпохи Возрождения, я расскажу чуть позже.

С чего все началось?

Все началось с падения Византийской Империи. Если Европа долгое время была под властью церкви, то в Византии никто не забывал про искусство Античного периода. Люди бежали из распадающейся империи. Они взяли с собой книги, картины, везли в Европу скульптуры и новые идеи.

Падение Византийской империи

Козимо Медичи во Флоренции основывает Академию Платона. Скорее, возрождает ее. Все это под впечатлением от выступления одного византийского лектора.

Растут города, растет влияние сословий, таких как ремесленники, торговцы, банкиры, мастеровые. Им абсолютна не важна иерархическая система ценностей. Смиренный дух религиозного искусства им непонятен, чужд.

Появляется современное течение — гуманизм. Именно оно оказывает мощное влияние на новое искусство Эпохи Возрождения. Европейские города стремились обустроить у себя прогрессивные центы науки и искусства.

Данная область вышла испод влияния Церкви. Конечно, Средние века с их кострами, сжиганием книг, отбросили развитие цивилизации на десятилетия. Теперь, огромными шагами Возрождение стремилось наверстать упущенное.

Итальянское Возрождение

Изобразительное искусство становится не только важной составляющей эпохи, но и необходимым видом деятельности. Людям теперь нужно искусство. Почему?

Рафаэль Санти, портрет

Наступает период экономического подъема, а с ним — гигантский сдвиг в умах людей. Все сознание человека больше не было направленно лишь на выживание, появляются новые потребности.

Изобразить мир таким, какой он есть, показать реальную красоту и реальные проблемы — вот задача тех, кто стал знаковыми фигурами итальянского Ренессанса.

Считается, что данное течение появилось именно в Италии. Причем возникло еще с XIII века. Тогда первые зачатки нового течения появляются в работах Парамони, Пизано, затем Джотто и Орканья. Окончательно оно укоренилось только с 1420-х годов.

Всего можно выделить 4 крупных этапа становления эпохи:

Проторенессанс (то, что происходило в Италии);
Раннее Возрождение;
Высокое Возрождение;
Позднее Возрождение.

Рассмотрим каждый из периодов подробнее.

Проторенессанс

Все еще тесно связан со средневековьем. Это период постепенного перехода от традиций старого времени к новому. Проходило в период от 2-й половины XIII века до XIV века. Немного замедлил свое развитие из-за глобальной эпидемии чумы в Италии.

Эпоха Проторенессанс, Андреа Мантенья, алтарь Сан Дзено в Вероне

Живопись данного периода лучше всего характеризуют работы мастеров Флоренции Чимабуэ, Джотто, а так же Сиенской школы — Дуччо, Симоне Мартини. Конечно, самой главной фигурой проторенессанса считается мастер Джотто. По истине реформатор канонов живописи.

Раннее Возрождение

Это период с 1420 по 1500 года. Можно сказать, это время плавного перехода к новому течению. Все еще много заимствовано от искусства прошлых лет. К нему примешиваются новые течения, образы, добавляется много повседневных мотивов. Живопись и архитектура, литература становятся все менее образными, все больше «человечности».

Раннее возрождение, Basilica di Santa Maria del Carmine, Firenze

Высокое Возрождение

Пышный расцвет Эпохи Возрождения приходится на 1500 — 1527 годы в Италии. Его центр переносится из Флоренции в Рим. Благоволит новому настроению папа Юлий II, что существенно помогает мастерам.

Сикстинская мадонна, Рафаэль Санти, Высокое Возрождение

Он, человек предприимчивый, современный, выделяет средства на создание предметов искусства. Пишутся лучшие в Италии фрески, строятся церкви, здания, дворцы. Считается совершенно уместным заимствовать черты Античного в создании даже религиозных сооружений.

Самые знаковые художники Италии эпохи Высокого Возражения это Леонардо да Винчи, и Рафаэль Санти.

Я была в Лувре в марте 2012 года, туристов было не много и я спокойно и с удовольствием смогла посмотреть на картину «Мона Лиза», которую еще называют «Джоконда». Действительно, в какую бы сторону зала ты не пошел, ее глаза всегда смотрят на тебя. Чудо! Не правда ли?

Мона Лиза, Леонардо да Винчи

Позднее Возрождение

Проходило с 1530 по 1590-1620-е годы. Историки договорились свести творчество данного периода в единый только условно. Было так много новых направлений, что глаза разбегаются. Это касается всех видов творчества.

Тогда в Южной Европе восторжествовала Контрреформация. Очень настороженно стали смотреть на излишнее воспевание человеческого тела. Появилось много противников яркого возврата к Античности.

Веронезе, Брак в Кане, позднее Возрождение

Как итог такой борьбы появляется стиль «нервного искусства»- маньеризм. Тут изломанные линии, надуманные цвета и образы, иногда слишком неоднозначные, а иногда — преувеличенные.

Параллельно с этим появляются работы Тициан и Палладио. Их творчество считается знаковым для позднего Возрождения, оно совершенно не подвержено кризисным течениям того века.

Философия тех периодов находит новый объект изучения: «универсальный» человек. Тут философские течения переплетаются с живописью. Например, Леонардо да Винчи. Его работы — представление об отсутствии границ, пределов для человеческого разума.

Если вам или вашему ребенку надо подготовиться к ЕГЭ и ГИА, то на сайте Foxford для школьников, вы сможете это сделать. Обучение для учеников с 5 по 11 класс по всем дисциплинам, которые присутствуют в российских школах. Помимо базовых курсов по основным предметам, на портале есть специализированные курсы по подготовке к ЕГЭ, ГИА и олимпиадам. Доступные дисциплины для обучения: математика, обществознание, русский язык, физика, информатика, химия, история, английский язык, биология.

Эпоха захватывает Север

Да, все началось в Италии. Затем, течение продвигалось дальше. Всего пару слов хочется сказать о Северном Возрождении. Позднее всего оно пришло в Нидерланды, Германию и Францию. Там не было Возрождения в том классическом смысле, но новый стиль покорил Европу.

Превалирует готическое искусство, а познание человека отходит на второй план. Выделяются Альбрехт Дюрер, Ганс Гольбейн Младший, Лукас Кранах Старший, Питер Брейгель Старший.

Лучшие представители целой Эпохи

Мы поговорили об истории этого интереснейшего периода. Давайте теперь подробнее рассмотрим все его составляющие.

Человек Ренессанса

Главное, понять — а кто же такой человек Эпохи Возрождения?
Тут нам помогут философы. Для них объектом изучения выступал разум и возможности человека, который творит. Именно разум отличает Человека от всего остального. Разум делает его Подобным Богу, ведь Человек может творить, создавать. Это Creator, Создающий новое, постоянно развивающийся человек.

Он находится на пересечении Природы и Современности. Природа одарила его невероятным даром — совершенным телом и мощным интеллектом. Современный мир открывает бесконечные возможности. Обучение, фантазия и ее реализация. Нет границ тому, на что способен человек.

Витрувианский человек, Леонардо Да Винчи

Идеал человеческой личности теперь: доброта, сила, героизм, способность творить и создавать вокруг себя новый мир. Самое главное здесь — свобода личности.

Представление о человека меняется — теперь он свободен, полон сил и энтузиазма. Конечно, такое представление о людях подвигало их самих на что-то великое, значимое, важное.

«Благородство, словно некое сияние, исходящее от добродетели и озаряющее ее обладателей, какого бы происхождения они не были». (Поджо Браччолини, XV век).

Развитие Науки

Период XIV-XVI века стал знаковым в развитии науки. Что происходит в Европе?

Это период Великих географических открытий;
Николай Коперник меняет представление людей о Земле, доказывает, что Земля вращается вокруг Солнца;
Парацельс и Везалий делают огромный скачок в медицине и анатомии. Долгое время вскрытия, изучения анатомии человека было преступлением, осквернением тела. Знания о медицине были абсолютно неполными, а все исследования — запретными;
Никколо Макиавелли исследует социологию, поведение людей в группах;
Появляется идея «идеального общества», «Город Солнца» Кампанеллы;
С XV века активно развивается печатное дело, было издано множество трудов для народа, научные, исторические труды становятся доступны любому;
Началось активное изучение древних языков, переводы античных книг.

Иллюстрация к книге Город Солнца, Кампанелла

Литература и Философия

Самый яркий представитель эпохи -Данте Алигьери. Его «Комедия» или «Божественной комедией» восхищались современники, ее сделали образцом чистой литературы Эпохи Возрождения.

В целом, период можно охарактеризовать, как прославление гармонической, свободной, творческой, всесторонне развитой личности.

Свободные сонеты Франческо Петрарки о любви раскрывают глубины души человеческой. В них мы видим тайный, сокрытый мир чувств, страдания и радости от любви. Эмоции человека ставятся на первый план.

Петрарка и Лаура

Джованни Боккаччо, Никколо Макиавелли, Лудовико Ариосто и Торквато Тассо прославили эпоху своими произведениями абсолютно разных стилей. Но, стали классическими для Ренессанса.

Конечно же, романтические новеллы, истории любви и дружбы, забавные истории и трагичные романы. Здесь «Декамероне» Боккаччо, например.

Декамерон, Боккаччо

Пико делла Мирандола писал: «О высшее и восхитительное счастье человека, которому дано владеть тем, чем пожелает, и быть тем, чем хочет».
Знаменитые философы этой эпохи:

Леонардо Бруни;
Галилео Галилей;
Никколо Макиавелли;
Джордано Бруно;
Джаноццо Манетти;
Пьетро Помпонацци;
Томмазо Кампанелла;
Марсилио Фичино;
Джованни Пико делла Мирандола.

Интерес к философии резко возрастает. Свободомыслие перестает быть чем-то запретным. Темы для анализа — самые разные, современные, злободневные. Нет более тем, которые считаются неподобающими, а размышления философов более не идут лишь в угоду церкви.

Изобразительное искусство

Одно из самых быстроразвивающихся направления — живопись. Еще бы, ведь появилось так много новых тем. Теперь художник тоже становится философом. Он показывает свой взгляд на законы природы, анатомию, перспективы жизни, идеи, свет. Нет более запретов для того, кто обладает талантом и желает создавать.

Думаете, тема религиозной живописи теперь не актуальна? Совсем наоборот. Мастера Возрождения создавали удивительные новые картины. Старые каноны уходят, их место занимают объемные композиции, появляются пейзажи, «мирские» атрибуты. Святые одеты реалистично, они становятся ближе, человечнее.

Микеланджело, Сотворение Адама

Скульпторы тоже с удовольствием используют религиозную тематику. Их творчество становится более свободным, откровенным. Человеческое тело, анатомические подробности — больше не под запретом. Возвращается тема античных богов.

Красота, гармония, равновесие, женское и мужское тело выходят на первое место. В красоте человеческого тела нет запрета, стыдливости, порочности.

Архитектура

Возвращаются принципы и формы античного римского искусства. Теперь преобладают геометрия, симметрия, большое внимание уделяется поиску идеальных пропорций.
Снова в моде:

ниши, полусферы куполов, арки;
эдикулы;
мягкие линии.

Они пришли на смену холодным готическим очертаниям. Например, знаменитый Собор Санта-Мария-дель-Фьоре, Вилла Ротонда. Именно тогда появляются первые Виллы — загородное строительство. Обычно, крупные комплексы с садами, террасами.

Собор Санта-Мария-дель-Фьоре

Огромный вклад в архитектуру внесли:

Филиппо Брунеллески - его считают «отцом» ренессансной архитектуры. Он разработал теорию перспективы и ордерную систему. Именно он создал купол Флорентийского собора.
Леон Баттиста Альберти - прославился тем, что переосмыслил мотивы раннехристианских базилик* времён Константина.
Донато Браманте - работал в период Высокого Возрождения. Знаменит за выверенные пропорции.
Микеланджело Буонарроти - главный архитектор Позднего Возрождения. Создал собор Святого Петра, лестницу Лауренцианы.
Андреа Палладио - родоначальник классицизма. Создал свое течение, называемое палладианство. Трудился в Венеции, проектируя крупнейшие соборы и дворцы.

В эпоху Раннего и Высокого Возрождения были построены лучшие дворцы Италии. Например, Вилла Медичи в Поджо-а-Кайано. Также, палаццо Питти.

Преобладали цвета: синий, желтый, пурпурный, коричневый.

В целом, архитектура того времени отличалась устойчивостью с одной стороны, а с другой — это плавные линии, полукруглые переходы и сложные арки.

Помещения делались просторные, с высокими потолками. Украшались древесным или лиственным орнаментом.

*Базилика — церковь, собор. Имеет прямоугольную форму и один, или несколько (нечетное число) нефов. Свойственно раннехристианскому периоду, а сама форма произошла от древнегреческих и римских храмовых построек.

Стали использоваться новые строительные материалы. Основание — каменные блоки. Стал обрабатываться разными способами. Появляются новые строительные растворы. А еще — это период активного использования штукатурки.

Декоративным и конструкционным материалом становится кирпич. Используются так же глазурованный кирпич, терракота и майолика. Много внимания уделяется декоративным деталям, качеству их проработки.

Теперь и металлы используются для декоративной обработки. Это медь, олово и бронза. Развитие столярного дела дает возможность делать удивительно красивые, ажурные элементы из дерева твердых пород.

Музыка

Все сильнее влияние народной музыки. Быстро развивается вокальная и вокально-инструментальная полифония. Особенно преуспела здесь Венецианская школа. В Италии появляются новые музыкальные стили — фроттола и вилланелла.

Караваджио, Музыкант с лютней

Италия славится смычковыми инструментами. Складывается даже борьба виолы и скрипки за лучшее исполнение одних и тех же мелодий. Новые стили пения захватывают Европу — сольная песня, кантата, ораторий и опера.

Почему именно Италия?

Кстати, а почему именно в Италии началась эпоха Возрождения? Дело в том, что большая часть населения жила в городах. Да, это ситуация, несвойственная для периода XIII-XV веков. Но, если не было бы особых обстоятельств, появились бы все шедевры Эпохи?

Торговля и ремесла быстро развивались. Было просто необходимо учиться, изобретать, совершенствовать продукты своего труда. Так появлялись мыслители, скульпторы, художники. Товары нужно было делать более привлекательными, книги с иллюстрациями лучше продавались.

Торговля — это всегда путешествия. Людям были необходимы языки. Они видели много нового в странствиях, пытались внедрить это в жизнь своего города.

Васари, Флоренция

С другой стороны, Италия — наследница Великой Римской Империи. Любовь к прекрасному, остатки античной культуры — все это сосредоточено в городах Италии. Такая атмосфера просто не могла не подвигнуть людей талантливых на новые открытия.

Ученые считают, что еще одна причина — именно западный, а не восточный тип христианского вероисповедания. Считается, что это особая форма христианства. Внешняя сторона католической жизни страны позволяла некое свободомыслие.

Например, появление «антипап»! Тогда сами понтифики спорили за власть, используя негуманные, совершенно незаконные методы достижения цели. Народ следил за этим, понимая, что в реальной жизни католические устои и мораль не всегда действуют.

Теперь Бог становился объектом теоретического познания, а не центром жизни человека. Человек был четко отделен от Бога. Конечно же, это давало почву для разного рода сомнений. В таких условиях развиваются наука, культура. Естественно, искусство становится оторванным от религии.

Друзья, спасибо, что читаете мои статьи! Надеюсь, удалось прояснить важные моменты об итальянском Возрождении.

Читайте так же о Италии и итальянских , на которых вы с легкостью сможете посетить самые интересные и красивые места страны.

Подписывайтесь на обновления, делайте репосты моих статей. Так же при подписке вы получите в подарок, совершенно бесплатно, отличный базовый разговорник по трем языкам, английскому, немецкому и французскому. Главный его плюс в том, что есть русская транскрипция, поэтому, даже не зная языка, можно с легкостью освоить разговорные фразы. До скорых встреч!

С Вами была я, Наталья Глухова, желаю вам хорошего дня!

Неслучайно, что многие мореплаватели и учёные, которые приобрели всемирную славу в эпоху Великих географических открытий, - П. Тосканелли, X. Колумб, Дж. Кабот, А. Веспуччи - были итальянцами. Италия, раздробленная политически, была в тот период страной с самой развитой в Европе экономикой и культурой. В Новое время она вступила в разгар грандиозного культурного переворота, получившего название Возрождение, или по-французски - Ренессанс, потому что первоначально под ним подразумевалось возрождение античного наследия. Однако Возрождение было продолжением Средневековья не в меньшей степени, чем возвратом к античности, оно рождалось на основе высокоразвитой, утончённой и сложной культуры Средних веков.

Понятие Возрождения. Гуманизм

Наряду с понятием «Возрождение» широко используется понятие «гуманизм», производное от латинского humanis - человеческий. Оно тесно связано с понятием «Возрождение», но не равнозначно ему. Термин «Возрождение» обозначает весь комплекс явлений культуры, характерных для данной исторической эпохи. «Гуманизм» представляет собой систему взглядов, сформировавшихся в ренессансную эпоху, согласно которым признаётся высокое достоинство человеческой личности, её право на свободное развитие и проявление своих творческих способностей.

В эпоху Возрождения понятие «гуманизм» обозначало также комплекс знаний о человеке, о его месте в природе и обществе. Особый вопрос представляет отношение гуманистов к религии. Гуманизм вполне уживался с христианством, наиболее ярким свидетельством чего стало активное участие священнослужителей в гуманистическом движении и, особенно, покровительство со стороны римских пап. В эпоху Возрождения религия из предмета слепой веры превратилась в объект сомнений, размышлений, научного изучения, даже критики. Но, несмотря на это, Италия в целом осталась религиозной, преимущественно католической страной. В итальянском обществе по-прежнему сохранялись всевозможные суеверия, процветали астрология и другие лженауки.

Возрождение прошло через несколько этапов. Раннее Возрождение (XIV и большая часть XV в.) характеризуется зарождением ренессансной литературы и связанных с ней гуманитарных дисциплин, расцветом гуманизма в целом. В период Высокого Возрождения (конец XV - первая треть XVI в.) происходил небывалый расцвет изобразительного искусства, однако уже наметился явный кризис гуманистического мировоззрения. В эти десятилетия Возрождение вышло за пределы Италии. Позднее Возрождение (большая часть XVI в.) - период, когда его развитие продолжалось параллельно с религиозной Реформацией в Европе.

Столицей итальянского Возрождения стал главный город Тосканы - Флоренция , где сложилось уникальное сочетание обстоятельств, способствовавших стремительному подъёму культуры. В разгар Высокого Возрождения центр ренессансного искусства переместился в Рим. Папы Юлий II (1503-1513 гг.) и Лев X (1513-1521 гг.) прилагали тогда огромные усилия, чтобы возродить былую славу Вечного города, благодаря чему он действительно превратился в центр мирового искусства. Третьим крупнейшим центром итальянского Возрождения стала Венеция, где ренессансное искусство приобрело своеобразную окраску, обусловленную местными особенностями.

Искусство итальянского Возрождения

Культурный подъём, происходивший в Италии в период Возрождения. ярче всего проявился в изобразительном искусстве и архитектуре. В них с особой силой и наглядностью отразилось великое переломное значение эпохи, определившей пути дальнейшего развития мирового искусства.

Одной из наиболее ярких фигур итальянского Возрождения являлся Леонардо да Винчи (1452-1519) , который соединял в себе множество талантов - живописца, скульптора, архитектора, инженера, оригинального мыслителя. Он прожил бурную и насыщенную творчеством жизнь, создавая свои шедевры на службе Флорентийской республики, у герцога Миланского, Паны Римского и короля Франции. Фреска Леонардо «Тайная вечеря» представляет собой одну из вершин в развитии всего европейского искусства, а «Джоконда» - одну из его величайших загадок.

Живопись была для Леонардо универсальным средством не только отражения мира, но и его познания. По его собственному определению, это - «удивительное мастерство, вся она состоит из тончайших умозрений». Своими экспериментальными наблюдениями этот гениальный художник обогатил почти все области науки своего времени. А в число его технических изобретений входил, например, проект парашюта.

С гением Леонардо соперничал не менее великий художник Микеланджело Буонарроти (1475-1564) , звезда которого начала восходить на рубеже веков. Трудно было представить себе столь разных людей: Леонардо - общительный, не чуждый светских манер, вечно ищущий, с широким кругом часто менявшихся интересов; Микеланджело - замкнутый, суровый, с головой уходящий в работу, сосредоточенный на каждом своём новом произведении. Микеланджело прославился как скульптор и архитектор, живописец и поэт. К числу его первых шедевров относится скульптурная группа «Оплакивание Христа». В 1504 г. народ Флоренции пронёс в триумфальном шествии колоссальную фигуру Давида, являющуюся шедевром этого мастера. Её торжественно установили перед зданием городского совета. Еще большую славу ему принесли фрески Сикстинской капеллы в Ватикане, где за четыре года Микеланджело расписал 600 кв. м сценами из Ветхого Завета. Позднее в той же капелле появилась его знаменитая фреска «Страшный суд».

Не менее впечатляющих успехов Микеланджело добился и в архитектуре. С 1547 г. до конца жизни он возглавлял строительство собора Св. Петра, предназначенного стать главным католическим храмом в мире. Микеланджело радикально изменил первоначальный замысел этого грандиозного сооружения. По его гениальному проекту создали купол, по сей день непревзойденный ни по размерам, ни по величию. Этот римский собор вошёл в число величайших творений мирового зодчества.

Как градостроитель Микеланджело всю силу своего таланта выразил в создании архитектурного ансамбля на площади Капитолия. Он фактически сформировал новый облик Рима, который с тех пор неразрывно связан с его именем. Своих вершин живопись итальянского Возрождения достигла в творчестве Рафаэля Санти (1483-1520). Он принимал участие в сооружении собора Св. Петра, а в 1516 г. был назначен главным смотрителем всех римских древностей. Однако Рафаэль проявил себя преимущественно как художник, в творчестве которого получили завершение живописные каноны Высокого Возрождения. Среди художественных достижений Рафаэля - роспись парадных залов Ватиканского дворца. Его кисти принадлежат портреты Юлия II и Льва X, благодаря которым Рим превратился в столицу ренессансного искусства. Излюбленным образом художника всегда оставалась Богоматерь, символ материнской любви. Неслучайно его величайшим шедевром признана потрясающая воображение «Сикстинская мадонна».

Почётное место в истории ренессансного искусства занимает венецианская школа живописи, основоположником которой был Джорджоне (1476/77-1510). Всемирное признание получили такие его шедевры, как «Юдифь» и «Спящая Венера». Наиболее выдающимся художником Венеции стал Тициан (1470/80-е - 1576). Всё то, чему он научился у Джорджоне и других мастеров, Тициан довёл до совершенства, а созданная им свободная манера письма оказала большое влияние на последующее развитие мировой живописи.

К числу ранних шедевров Тициана относится оригинальная по замыслу картина «Любовь земная и любовь небесная». Венецианский художник получил широкую известность и как непревзойдённый портретист. Позировать ему считали за честь и римские первосвященники, и коронованные особы.

Архитектура и скульптура

Основоположниками нового архитектурного стиля стали выдающиеся мастера Флоренции, прежде всего Филиппо Брунеллески, создавший монументальный купол собора Санта-Мария дель Фьоре. Но главным типом архитектурного сооружения в этот период становится уже не церковное, а светское здание - палаццо (дворец). Ренессансный стиль характеризуют монументальность, создающая впечатление величия, и подчёркнутая простота фасадов, удобство просторных интерьеров. Сложной конструкции готических зданий, подавлявших человека своим величием, была противопоставлена новая архитектура, которая создавала принципиально новую среду обитания, более соответствующую человеческим потребностям.

В эпоху Возрождения произошло отделение скульптуры от архитектуры, появились отдельно стоящие памятники как самостоятельный элемент городского ландшафта, быстро развивалось искусство скульптурного портрета. Портретный жанр, широко распространившийся в живописи, скульптуре и графике, отвечал гуманистическому настрою ренессансной культуры.

Литература, театр, музыка

Ренессансная литература, создававшаяся первоначально на латыни, шаг за шагом уступала место собственно национальной, итальянской. К середине XVI в. итальянский язык, основой которого стал тосканский диалект, становится преобладающим. Это был первый национальный литературный язык в Европе, переход на который способствовал широкому распространению ренессансной образованности.

На протяжении XVI в. в Италии возник национальный театр в современном понимании этого слова. Итальянские народные комедии стали первыми в Европе, которые писались прозой и имели реалистический характер, то есть соответствовали действительности.

Увлечение музыкой в Италии всегда было более распространено, чем в любой другой стране Европы. Оно носило массовый характер и представляло неотъемлемый элемент повседневной жизни самых широких слоёв населения. Эпоха Возрождения принесла большие изменения и в эту сферу. Особую популярность получают оркестры. Создаются новые виды музыкальных инструментов, из струнных на первое место выдвигается скрипка.

Новое понимание истории и рождение политической науки

Мыслители Возрождения выработали оригинальный взгляд на историю и создали принципиально новую периодизацию исторического процесса, в корне отличавшуюся от мифической схемы, заимствованной из Библии. Осознание того, что насту пила новая историческая эпоха, стало наиболее оригинальной чертой итальянского Возрождения. Противопоставляя себя Средневековью, гуманисты обращались как к своим прямым предшественникам к мастерам древнего мира, а тысячелетие между своим «новым» временем и античностью обозначили как безымянные «средние века». Так родился совершенно новый подход к периодизации истории, принятый и в настоящее время.

Крупнейшим мыслителем итальянского Возрождения, который внёс неоценимый вклад в развитие как исторической, так и политической мысли, был Никколо Макиавелли (1469-1527). Уроженец Флоренции, он занимал ответственные посты в правительстве и исполнял важные дипломатические поручения в те годы, когда Италия превратилась в арену ожесточённого международного соперничества. Именно в эту катастрофическую для его страны эпоху флорентийский мыслитель попытался ответить на острейшие проблемы современности. Для него история представляла политический опыт прошлого, а политика - современную историю.

Основными заботами для Макиавелли являлись «общее благо» народа и «государственный интерес». Именно их защита, а не частные интересы должны, по его убеждению, определять поведение правителя. «Свидетельство моей честности и верности - моя бедность», - писал Макиавелли в подтверждение своих выводов. Его политическим завещанием стали слова: «не отклоняться от добра, если это возможно, но уметь вступить на путь зла, если это необходимо». Этот призыв часто воспринимается как оправдание безнравственной политики, не брезгующей никакими средствами для достижения своих целей, для обозначения которой даже изобрели понятие «макиавеллизм».

Из книги Н. Макиавелли «Государь»

«Намерение моё - написать нечто полезное для того, кто это поймёт, почему мне и казалось более верным искать настоящей, а не воображаемой правды вещей». Ведь «так велико расстояние от того, как протекает жизнь в действительности, до того, как должно жить».
«И хорошо устроенные государства, и мудрые князья особенно усердно старались не озлоблять знатных и вместе с тем удовлетворять народ, сделать так, чтобы он был доволен, потому что в этом одно из главнейших дел князя». А «тот, в чьи руки отдана власть, обязан никогда не думать о себе».
Государю «должно казаться милосердным, верным, человечным, искренним, набожным; должно и быть таким, но надо так утвердить свой дух, чтобы при необходимости стать иным... превратиться в противоположное». «Ведь тот, кто хотел бы всегда исповедовать веру в добро, неминуемо погибнет среди столь многих людей, чуждых добра».

Использованная литература:
В.В. Носков, Т.П. Андреевская / История с конца XV до конца XVIII века

Европейские страны внесли огромный вклад в культуру Возрождения. Лучшие произведения этой эпохи вошли в мировую культуру. Особенности исторического, социально-экономического, политического и духовного развития этих стран обусловили специфику Возрождения в каждой из них.

Культура Возрождения возникла в Италии, которая стала классическим очагом ренессансной культуры. Это обусловлено определенными причинами. Через Италию проходили наиболее важные торговые пути, соединявшие Европу с Азией, что вызвало быстрый рост портовых и ремесленных городов (Флоренция, Генуя, Венеция, Болонья и др.).

Через Италию проходили крестоносцы, что способствовало развитию ремесел, увеличению слоя ремесленников. Раньше, чем в других странах, стало развиваться мануфактурное производство. Все это стимулировало активную политическую жизнь в городах-республиках и создавало благоприятные условия для развития культуры.

Борьба горожан против феодалов, которая в некоторых странах закончилась объединением страны под эгидой сильной монархической власти, в Италии завершилась победой республиканской формы правления и образованием большого количества городов-республик. Это было победой третьего сословия, которое не могло быть удовлетворено средневековой культурой и идеологией. Таким образом, и политическая борьба неизбежно подводила к новому осмыслению мира.

Наконец, большую роль сыграло и то, что Италия была прямой наследницей античной культуры и памятников ее в этой стране сохранилось больше, чем где бы то ни было.

Хронологические рамки итальянского Возрождения охватывают период со второй половины XIII в. и по XVI в. включительно. Внутри этого периода выделяют: Проторенессанс (предвозрождение) - XIII и начало XIV вв.; Раннее Возрождение - с середины XIV в. и почти весь XV в.; Высокое Возрождение - конец XV и первая треть XVI в.; Позднее Возрождение - XVI и начало XVII в.

До конца XV в. о Возрождении можно говорить только применительно к Италии. В других странах Европы оно началось много позднее и не нашло столь яркого выражения, хотя и там были свои выдающиеся мастера.

Концом итальянского Возрождения принято считать 1530 г., когда итальянские города-республики были покорены габсбургской монархией. Независимость сохранила только Папская область и еще долго оставалась самостоятельной Венеция.

В основе итальянского Возрождения лежит открытие личности, осознание ее достоинства и ценности ее возможностей. Это и составляет сущность ренессансного гуманизма. Последний продолжает традицию античного гуманизма, но отличается от него, так же, как волевой, предприимчивый человек начала буржуазной эпохи отличается от человека античного полиса. Герой античного общества и античного искусства - прекрасный и разумный человек, калакагатийный (прекрасно-добрый), физически совершенный, эстетически развитый. Возрождение формирует волевого, разносторонне образованного, деятельного человека, творца своей судьбы, творца самого себя.

Искусство Возрождения нельзя назвать безрелигиозным. Создавались произведения на религиозные сюжеты, было и религиозное чувство, но оно обрело новое содержание. Для людей Возрождения дистанция между Богом и людьми по сравнению со средневековым человеком сократилась. Все, что люди любили в жизни, чем они любовались - мужская доблесть, мудрость стариков, нежность детей, красота женщин, красота природы и то, что человек создал своим трудом,- все это становилось достоянием и атрибутом священной истории.

И вместе с тем все виды художественного творчества эпохи Возрождения - изобразительное искусство, литература, архитектура, музыка, театр и другие прониклись светским духом. Отказавшись от канонов средневековой культуры, от символики Средневековья, искусство Возрождения ощутило дыхание жизни.

Самой яркой страницей итальянского Возрождения стало изобразительное искусство, особенно живопись и скульптура. И, обращаясь к эпохе итальянского Ренессанса, мы прежде всего представляем эти виды искусства.

Очень трудно выбрать отдельные имена, говоря о творчестве художников итальянского Возрождения. И не только потому, что их было очень много, но и главным образом потому, что даже средний уровень итальянского искусства этой эпохи был очень высоким.

Проторенессанс (XIII - начало XIV вв.) - преддверие Возрождения, когда в искусстве только появляется новое. Проторенессанс утверждается в городах провинции Тоскана - Пизе, Сиене, Флоренции.

Флоренция для Возрождения то же, что Афины для Древней Греции - центр художественной культуры. Она дала миру Данте, Петрарку, Боккаччо. Во Флоренции жил и работал Джотто ди Бондоне (1266/76-1337) - основоположник европейской живописи, родоначальник реализма.

"- Основные работы Джотто - фрески. Объясняется это тем, что в Тоскане в это время шло большое строительство дворцов и церквей. Художники делали в них росписи, поэтому фреска и стала главным видом их творчества. Самые знаменитые фрески Джотто находятся в Капелле дель Арена в Падуе. Они написаны такими сияющими красками, что и сейчас, 700 лет спустя, капелла похожа на ларец, усыпанный драгоценными камнями. В капелле размещено 37 картин на библейские темы: «Поклонение волхвов», «Поцелуй Иуды», «Иоаким у пастухов» и другие. Следует особенно отметить изображение художником жизни и страданий Христа.

Джотто отвергает средневековый канон, требовавший выражения примата духа над телом, проявлением чего были бестелесные удлиненные фигуры, строгие большие глаза, ноги, лишь слегка касающиеся земли. У Джотто образы материальные: массивные приземистые фигуры, крупная голова, узкий разрез глаз. Переживания героев естественны: отсутствует театрализация. Отказавшись от плоского золотого фона, принятого в средневековой живописи, художник помещает фигуры в интерьер или в пейзаж, часто вводя в него элементы архитектуры.

Не владея законами перспективы и допуская неточности в анатомии, Джотто умел передать ощущение пространства, придать фигурам объемность. Он был не только живописцем, но и выдающимся архитектором.

«Джотто был гением такой необычайной силы, что во всем мироздании не нашлось бы такого, чего он не мог бы изобразить» - так высоко оценил творчество Джотто его современник Джованни Боккаччо. А другой его современник - крупнейший поэт эпохи проторенессанса, "ставший классиком мировой литературы, Данте Алигьери прославил Джотто в своей «Божественной комедии» во второй ее части - «Чистилище».

Раннее Возрождение (конец XIV-XV вв.) было представлено плеядой блестящих художников: Мазаччо (1401-1426), Донателло (1386-1466), Доменико Гирландайо (1449-1494), Пьетро Перуджи-но (1445-1523), Сандро Боттичелли (1445-1510) и десятки других выдающихся художников, полотна которых украшают музеи мира.

Художник Мазаччо (настоящее имя Томмазо ди Джованни), скульптор Донателло и архитектор Филиппе Брунеллески (1337- 1446) - определяющие фигуры Раннего Возрождения.

Творчество Мазаччо открывает XV век, который был веком высшего расцвета флорентийского искусства. Мазаччо расписал во Флоренции небольшую капеллу Бранкаччи (названную по имени заказчика), ставшую образцом и школой для нескольких поколений итальянских мастеров. Тема фресок взята из легенды о жизни апостола Петра. Но на торцовой стене входной арки художник поместил фреску «Изгнание из Рая». Здесь впервые после эпохи античности было показано обнаженное человеческое тело, впервые в живописи была передана объемность, весомость фигур. Мазаччо первый стал передавать пространство на плоскости при помощи линейной перспективы (в этом сказалось влияние Брунеллески). Он не нагромождает фигуры рядами, как это делалось раньше, а располагает их на разном расстоянии в зависимости от удаленности от зрителя. Вместе с тем Мазаччо сумел выразить драматизм ситуации, найдя точные характеристики персонажей.

Художник прожил короткую жизнь - 27 лет (он был отравлен из зависти), но его искусство остается школой высокого мастерства.

Скульптор Донателло создал станковую и монументальную круглую скульптуру и рельеф. Известно много его работ: образы святого Георгия и пророков, герб Флоренции, рельеф «Пир Ирода» и др. Но самой знаменитой его работой стала статуя Давида (1430). Это было первое для своего времени изображение обнаженной фигуры в монументальной скульптуре. Широко распространенное в античности изображение обнаженной натуры в Средние века было предано забвению.

Согласно преданию юноша - пастух Давид - спас свой народ, победив в единоборстве воина вражеского племени Голиафа. За этот подвиг народ избрал его своим царем. Образ Давида - простого человека, выдвинувшегося благодаря смелости и любви к своему народу - был одним из любимых в эпоху Возрождения. Донателло изобразил его в пастушеской шляпе, увитой плющем, в обрамлении длинных волос, лицо почти прикрыто шляпой. В одной руке у него камень, в другой - меч. Тело Давида прекрасно моделировано. Скульптура рассчитана на круговой обзор и это тоже было новшеством, потому что средневековые статуи были тесно связаны со стеной и подчинены архитектуре. Здесь же скульптура выступает как самостоятельное художественное произведение.

Нельзя не назвать еще одного прекрасного художника той поры, человека яркого, самобытного дарования и трагической судьбы - Сандро Боттичелли. «Редко какой художник так переживал, так выражал содержание своей эпохи»,- так определил творчество Боттичелли исследователь этого периода.

Боттичелли написал большое количество живописных полотен, сделал иллюстрации к «Божественной комедии» Данте, но самые знаменитые его картины - «Весна» и «Рождение Венеры». Согласно мифу, богиня любви, радости, брака была рождена из морской пены. Это первая большая (172х278) картина эпохи Возрождения на античную тему. Появление живописи нецерковного содержания было приметой времени.

Цветовой строй картины сдержан, рисунок изыскан и точен. Поза богини, плывущей на раковине,- целомудрена: руками она прикрывает свою наготу. Вся она - воплощение женственности, грации, красоты.

Впоследствии увлеченный идеями проповедника Савонаролы Боттичелли отрекся от своего творчества, сжег оставшиеся у него картины, порвал с античными сюжетами и стал писать картины на религиозные темы. Умер он в изгнании, всеми забытый, переживший свою славу. Его открыли вновь в конце XIX- начале XX вв., и искусство его оказалось созвучным французским импрессионистам - Эдуарду Манэ и даже Модильяни.

Конец XV и начало XVI вв. называют «Высоким Возрождением», а первые десятилетия XVI столетия «золотым веком» Ренессанса. В эти годы получили завершение искания новой культуры. Характерные черты реализма итальянского Возрождения - классическая ясность, человечность образов, их пластическая сила и гармоническая выразительность - достигают небывалой высоты.

Высокое Возрождение является не только продолжением и завершением предшествующего развития, но и качественно новым этапом. Его лучшие представители не только продолжают искания своих предшественников, они подчиняют полученные знания более глубоким задачам: в частном, конкретном они умеют раскрыть общее, характерное. Созданные ими образы - гимн человеческой красоте и мудрости.

Высокое Возрождение освещает творчество трех великих титанов, гениальных художников - Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти и Микеланджело Буонарроти.

Человеком фантастического ума и художественного гения был Леонардо да Винчи (1452-1519). Его феноменальная исследовательская мощь проникала во все области науки и искусства. Даже спустя столетия исследователи его творчества изумляются гениальности прозрений величайшего мыслителя. Леонардо был художником, скульптором, архитектором, философом, историком, математиком, физиком, механиком, астрономом, анатоном... До нас дошли его многочисленные рисунки и чертежи с проектами токарных станков, прядильных машин, экскаватора, подъемного крана, литейного цеха, гидравлических машин, приспособлений для водолазов и т. п. Мечтая о полете, Леонардо изучал, зарисовывал, рассчитывал все, что связано с полетом птиц и насекомых. Результатом этих исследований явились рисунки и расчеты самолета, вертолета, парашюта... Трудно даже перечислить все то, над чем работал гениальный мыслитель и творец и к каким результатам он пришел.

Среди безграничного множества своих интересов на первое место Леонардо ставит живопись. «Если живописец пожелает увидеть прекрасные вещи, внушающие ему любовь, то в его власти породить их, а если он пожелает увидеть уродливые вещи... то и над ними он властелин и бог... Все, что существует во вселенной как сущность, как явление или как воображаемое, он имеет сначала в душе, а затем в руках,- писал он.- Поэтому живопись должна быть поставлена выше всякой другой деятельности.»

Леонардо да Винчи написал много картин. Среди них - «Мадонна с цветком» («Мадонна Бенуа»), «Мадонна Литта», «Дама с горностаем», «Мария с младенцем» и многие другие. Его мадонны - прелестные юные женщины, лица которых освещены любовью и любованием своим младенцем. Они различаются по характеру, по типу личности; но все они прекрасны естественной женственностью, земной красотой. Все работы Леонардо превосходны и все же самые известные его творения - «Тайная вечеря» (1495-1498) - роспись стены трапезной миланского монастыря Санта Мария делле Грацие, ставшая этапной работой в научных изысканиях автора и новым словом в изобразительном искусстве; портрет жены купца Джоконде Моны Лизы (ок. 1503), с ее неразгаданной, таинственной улыбкой. Эту улыбку пытались повторить на холсте многие последователи художника, но никому это не удалось. Много талантливейших произведений посвящено женщине, но нет среди них равного по своей таинственной силе гимну, который создал гений Леонардо в честь самого прекрасного и загадочного творения природы.

В портрете Моны Лизы художник решил задачу, предвосхищавшую грядущие устремления изобразительного искусства: им было запечатлено не одно какое-нибудь состояние человека, а сложный процесс его духовной жизни. И вот уже пять веков «Мона Лиза» вдохновляет поэтов, музыкантов, художников, порождает домыслы, провоцирует подделки и кражи.

Синтез традиций античности и духа христианства нашел наиболее яркое воплощение в творениях гениального художника Возрождения Рафаэля Санти (1483-1520). В его творчестве получили решение две важнейшие проблемы изобразительного искусства:

изображение пластического совершенства человеческого тела, выражающего духовное богатство и гармонию внутреннего мира человека, и построение сложной многофигурной композиции.

Всю жизнь Рафаэль искал совершенный, гармоничный образ, воплощая свой замысел в изображении Мадонны («Мадонна Коне-стабиле», «Мадонна в зелени», «Мадонна с щегленком», «Мадонна в кресле»). Вершиной рафаэлевского гения стала «Сикстинская мадонна» (1515-1519). Автору удалось создать образ идеально прекрасной женщины с младенцем Христом на руках, которого она отдает в жертву во искупление человеческих грехов. Распахнулись зеленые драпировки, и зрителю явилась Мадонна, держащая в руках младенца Христа. Спокойный силуэт Мадонны четко вырисовывается на фоне светлого неба. Она движется легкой решительной поступью, встречный ветер развевает складки ее одежды, от чего ее фигура кажется более ощутимой. Ее маленькие босые ноги чуть касаются пронизанного светом облака. Это придает ее поступи необычайную легкость. И с такой же легкостью она несет своего сына, протягивая его людям и в то же время крепко прижимая к себе.

Прекрасное лицо молодой женщины выражает огромную внутреннюю силу. В нем - любовь к младенцу, тревога за его судьбу и непоколебимая твердость, сознание совершаемого ею подвига: мать приносит в жертву своего единственного сына ради спасения людей.

Лицо Христа недетски серьезно. Сквозь детскую хрупкость ощущается сила: его глаза смотрят твердо и прозорливо.

Совершенная по композиции картина создает ощущение удивительной гармонии. Это одно из самых выдающихся произведений мирового изобразительного искусства по художественному языку, колориту, пластике, ритму, композиции.

Рафаэль работал в различных жанрах. Он и автор знаменитых фресок («Афинская школа», «Парнас», «Изгнание Элиодора», «Месса в Больсене», «Освобождение апостола Петра из темницы» и др.) и величайший портретист своего времени. Им написаны работы, в которых индивидуальные черты слиты воедино с типическими, характеризующими образ эпохи («Портрет Юлия II», «Лев X», «Портрет кардинала», «Дама с вуалью» и др.).

Помимо живописи, Рафаэль занимался также архитектурой, археологией, охраной античных памятников. Умер Рафаэль в возрасте 37 лет, не успев завершить многих начатых работ.

Третий титан Возрождения - Микелапджело Буонарроти (1475-1564). Прожив долгую жизнь, он творил как и в период высокого Ренессанса, так и в годы его заката. Величайший мастер своей эпохи, Микеланджело превзошел всех силой и насыщенностью живописных образов, гражданским пафосом, страстью. Живописец, скульптор, архитектор, поэт Микеланджело внес щедрый вклад в сокровищницу мировой культуры.

В 1496-1499 гг. он создает свои первые, принесшие ему славу скульптурные произведения «Вакх» и «Пьета». С этого момента и до конца жизни изображение прекрасного обнаженного тела становится главной темой творчества Микеланджело. В 1504 г. он завершил работу над статуей Давида (ее высота ок. 5,5 м). Скульптура получила высокое признание общественности и виднейших художников того времени, ее было решено установить перед городской ратушей во Флоренции. Открытие статуи вылилось в народное торжество.

О титанической работоспособности, нечеловеческом напряжении ума и физических сил Микеланджело свидетельствует роспись плафона Сикстинской капеллы в Ватикане. До него никому не приходилось браться за такую гигантскую работу: площадь фресок составляет 600 кв. м на высоте 18 м. Над ними Микеланджело работал с 1508 по 1512 г. В росписи Сикстинского плафона 343 фигуры, и несмотря на религиозный сюжет (сцены Ветхого завета), она представляет собой гимн человеку, его совершенству, силе, мужеству, красоте.

Последние два десятилетия жизни Микеланджело были отмечены утратой надежд, разочарованием, духовным одиночеством. Но великий мастер продолжал творить до конца своих дней, создавая произведения, свидетельствующие о его неумирающем гении.

Величайшим художником эпохи Возрождения был Тициан Ве-челлио (1476/77 или 1480-1576). Он прожил долгую жизнь, которая совпала с бурными и трагическими событиями в истории Италии. В начале 20-х годов XVI в. он становится самым знаменитым художником Венеции, и слава не покидает его до конца жизни. Кисти Тициана принадлежат творения на мифологические и христианские сюжеты, произведения в жанре портрета. Ему не было равных в композиционной изобретательности, феноменальным было его колористическое дарование.

Ранние произведения Тициана полны радости жизни («Любовь земная и небесная», «Вакх и Ариадна» (1523), «Празднество Венеры» и т. д.). В них он предстает также певцом античности, сумевшим вдохновенно воплотить свободный дух той эпохи.

Одна из самых прославленных картин великого мастера - «Лежащая Венера» (1538). В ней автор открывает свой тип красоты. Венера Тициана - прежде всего прекрасная земная женщина. Этой картиной начинается целый ряд полотен, изображающих красоту обнаженного женского тела. К их числу принадлежат четыре варианта «Данаи» (1545-1554). Воспроизводя античный идеал красоты, мастер создает образ, несущий в себе прекрасное земное начало, наполняет его человеческой плотью и радостью бытия.

На протяжении всего творческого пути Тициан работал в жанре парадного портрета и был одним из создателей этого жанра. Его портреты отличает высочайшее мастерство исполнения, благородство колорита. Но самым главным для Тициана была передача индивидуальности и внутреннего мира человека («Портрет молодого человека с перчаткой», портреты Ипполито Риминальди, Пьетро Аретино, Карла V, папы Павла III и многие другие).

Последние годы жизни Тициана проходят в условиях усиления феодально-католической реакции в Италии, в том числе и в Венеции, куда проникает иезуитский орден и инквизиция. В творчестве художника появляются трагические мотивы как результат тревог и разочарований. Он все больше пишет на античные сюжеты («Венера и Адонис», «Юпитер и Антиопа», «Диана и Актеон» и др.).

Меняется характер его живописи: светлый, легкий колорит уступает место мощной, бурной живописи, композиция становится более динамичной. По своей одухотворенности, внутренней драматичности, цветовой мощи поздние творения Тициана превосходят все ранее созданное художником. Таковы «Венера перед зеркалом» (1553), «Кающаяся Мария Магдалина» (1565), «Св. Себастьян» (1570), «Пьета» (1576). Последние произведения Тициана принадлежат уже позднему Возрождению.

У великого мастера было много учеников, однако никто из них не смог превзойти учителя. Творчество Тициана оказало огромное влияние на живопись следующего столетия.

Архитектура. В художественной культуре Возрождения одно из ведущих мест занимает архитектура. Ренессанс ознаменовал новую стадию в ее развитии. Характерными особенностями архитектуры в этот период становятся: увеличение масштабов гражданского, светского строительства, изменение характера монументальной, культовой архитектуры - вертикализм, устремленность вверх, присущие готике Средневековья, сменяются новыми формами, развивающимися в ширину. Масштабной мерой сооружений становится человек.

Архитектура Возрождения отличается простотой объемов, форм и ритма; спокойствием и статичностью; симметрией композиции;

делением здания на этажи горизонтальными тягами; четким порядком размещения оконных проемов и архитектурных деталей. Из античной архитектуры сюда переносится ордерная система. Основными архитектурными элементами вновь становятся архитрав, архивольт, колонна, пилон, пилястра и свод, а главными геометрическими формами - квадрат, прямоугольник, куб, шар. С самого начала и через все периоды Ренессанса проходит принцип художественного индивидуализма, свободного обращения к античным формам. В мировую историю архитектуры новая эпоха вписала великие имена Ф. Брунеллески, Л. Альберта, Д. Браманте, Мике-ланджело Буонарроти, Ф. Делорма и др.

Как и все ростки культуры Возрождения, новая архитектура возникла в Италии. В ее развитии можно выделить три основных периода: ранний период- 1420-1500 гг. Его ведущим архитектором был Ф. Брунеллески, а основным центром провинция Тоскана и ее главный город Флоренция - колыбель итальянского Ренессанса; высокий период - 1500-1540 гг., когда ведущим архитектором становится Д. Браманте, а центр перемещается в Рим; поздний период - 1540-1580 гг. Ведущим архитектором этого времени стал великий скульптор и живописец Микеланджело Буонарроти.

Ранний период архитектуры Возрождения был переходным от средневековой готики к новым архитектурным формам. В строениях еще сохранились старые черты, ордер не имел строгого пропорционального построения, большое значение придавалось орнаменту. Высокий период отличался более строгой, монументальной архитектурой, верно найденными пропорциями. Орнаменту уже не придавалось такого значения. Поздний период, продолжая и развивая традиции двух первых, обнаруживает и новые черты - декоративность, красивость, усложненность архитектурных форм, что впоследствии нашло свое полное развитие в стиле барокко.

Первым архитектурным произведением Возрождения стало здание Воспитательного дома во Флоренции, спроектированное в 1421 г. основоположником архитектуры итальянского Ренессанса Ф. Брунеллески (1377-1446). Это строение существенно отличалось от готических построек средневекового периода и носило черты нарождавшегося нового стиля.

Большое значение для всего последующего развития архитектуры имела разработка и постройка самого крупного в Европе купола над флорентийским собором Санта Мария дель Фиоре (его диаметр - 42 м).

В развитии ренессансной архитектуры важное место принадлежит строительству дворцовой архитектуры - палаццо (прямоугольный в плане дом с замкнутым прямоугольным двором). Эти архитектурные сооружения имели суровый вид крепостей, так как выполняли оборонительные функции. Лучшие образцы палаццо XV в. находятся во Флоренции, отсюда этот стиль постепенно распространился в другие города Италии. К числу наиболее известных можно отнести палаццо Питти (1458), палаццо Строцци (1489), палаццо Гонди (1490) и др. Этот тип строения продолжал эволюционировать на протяжении всего Возрождения в сторону большей декоративности.

Высокий Ренессанс связан с повышением политической активности папства. Папы Юлий II и Лев Х приглашали в Рим крупнейших архитекторов - Браманте, Рафаэля, Микеланджело и др. Рим становился архитектурной столицей Италии, сохраняя эту роль до наших дней.

Основоположником Высокого Возрождения в архитектуре стал Донато Браманте (1444-1514), а самым крупным его творением - проект грандиозного сооружения эпохи Ренессанса - собора св. Петра. Он явился одним из высших достижений архитектуры Возрождения. Строительство началось в 1506 г. и продолжалось до смерти архитектора. Продолжил работы Рафаэль Санти, а после него Антонио да Сангалло. В 1546 г. строительство перешло в руки Микеланджело, который разработал новый вариант проекта. К моменту его кончины (1564) сооружение собора в основном было завершено.

Позднее Возрождение - это время дальнейшего развития традиций предшествующего этапа. Его особенностью является то, что в архитектуре наиболее рельефно выявились две взаимодополняющие тенденции: одна была связана с ростом классических, академических традиций, вторая - с усилением декоративности, протобарочных тенденций. Поздний Ренессанс представлен в первую очередь творениями Микеланджело Буонарроти, Джакомо Ви-ньолы, Андреа- Палладио. Архитектурные шедевры Микеланджело показывают, что он подходил к их творению как скульптор, мастер пластики. Создавая тот или иной образ, форму, он иногда шел на нарушение конструктивной логики, добиваясь повышения художественной, эмоциональной выразительности. Гений Микеланджело, опережая свое время, положил начало новым тенденциям, которые получили широкое распространение позднее и предопределили рождение стиля барокко.

Другой выдающийся архитектор рассматриваемого периода Дж. Виньола (1507-1573) написал знаменитый трактат «Правило пяти ордеров архитектуры», который практически использовался архитекторами мира вплоть до XX века. В нем изложена система построения ордеров, основанная на кратных числовых соотношениях элементов. К числу лучших творений Виньолы относятся вилла папы Юлия III, расположенная недалеко от Рима, главная церковь ордена иезуитов в Риме Иль Джезу и др.

Творчество А. Палладио (1508-1580) связано с его родным городом Виченцей. Оно оказало огромное воздействие на развитие итальянской и мировой архитектуры, прежде всего на архитектуру классицизма второй половины XVIII и первой половины XIX века.

Палладио построил в Виченце ряд палаццо, а в ее окрестностях - несколько вилл. Все его произведения отличают широкое и разнообразное применение ордера, совершенство пропорций, изумительная гармоничность, изысканная пластика (Палаццо Кье-рикати, Вальмарана, вилла Ротонда, театр Олимпико и др.).

Архитектура итальянского Возрождения существенно повлияла на развитие архитектуры европейских стран, однако там она запоздала на целое столетие ввиду более устойчивых феодальных отношений и готических традиций.

Художественная литература. Характер и содержание новой эпохи разносторонне выразила художественная литература. Первые ростки гуманистической идеологии нашли свое выражение в творчестве Данте, «последнего поэта Средних веков и первого поэта Нового времени».

Данте Алигьери (1265-1321), Джованни Боккаччо (1313-1375) и Франческо Петрарка (1304-1374) - крупнейшие писатели итальянского Возрождения. По характеру творчества, тематике, жанрам - все они абсолютно разные. Но есть одна особенность, объединившая их историческую судьбу. Все они много писали и оставили не только художественные произведения,-но и некоторые литературоведческие работы, однако в истории мировой литературы каждое из этих имен связывается с одним, главным произведением: Данте - с «Божественной комедией», Боккаччо - с «Декамероном», Петрарка - со стихами, посвященными Лауре.

Над своим главным произведением Данте трудился долгие годы, завершив его в самом конце жизни. Он назвал его «Комедия». Эпитет «божественная» дал ей Боккаччо в знак восхищения красотой поэмы, и этот эпитет сохранился за ней. Написана «Божественная комедия» на итальянском языке, в жанре видения, «сна», популярном в средневековой литературе. Поэма состоит из трех частей («Ад», «Чистилище» и «Рай») и 100 песен. Проводником Данте по кругам ада (их девять) и чистилищу стал Вергилий - римский поэт, сам находящийся в круге первом. Главная идея поэмы - воздаяние за все земные дела в жизни загробной. От «Божественной комедии» тянутся нити в литературу более позднего времени. По глубине философского осмысления мира ей созвучна трагедия Гете «Фауст». Влияние Данте и Гете явственно ощущается в «Мастере и Маргарите» М. Булгакова. «В круге первом» называет один из своих романов А. Солженицын. История любви Франчески и Паоло становится темой оперы С. Рахманинова «Франческа да Римини». На эту же тему П.И. Чайковский написал симфоническую поэму «Франческа да Римини».

«Декамерон» (от греч.- десятидневник) Дж. Боккаччо - сборник новелл с литературным обрамлением. Это традиционная композиция. Так строится «Тысяча и одна ночь», так писались «Новеллино» в Италии. Новаторством было подчинение этой формы законам «готической вертикали» - от низменного к возвышенному - именно в такой последовательности располагались новеллы, а сами понятия «возвышенное» и «низменное» получили гуманистическое истолкование. Сюжеты новелл разнообразны. Это и античные легенды, и средневековые сказания, но больше всего достоверных случаев из жизни и анекдотов. Замысел Боккаччо и структура книги сложились под влиянием Данте: тот же принцип от низменного к возвышенному - от грешников «Ада» до святейших «Рая» - у Данте; от сатирических персонажей к плутоватым и, наконец, к положительным идеализированным героям - у Боккаччо. Новаторство Боккаччо в том, что он перенес космическую композицию в реальную земную жизнь без ангелов, чертей и святых. Естественное природное начало в «Декамероне» противопоставлено неестественным законам общества, церковному аскетизму и предрассудкам сословного характера. Проблематика «Декамерона»- общечеловеческая и в то же время социальная. Произведение Боккаччо столь богато событиями, что из него заимствовали сюжеты для своих драм многие драматурги: Шекспир - драма «Цимбелин» и комедия «Конец - делу венец», Лопе де Вега, Мольер. Русский композитор Д. Бортнянский написал оперу на сюжет из «Декамерона» («Сокол». 1786).

В отличие от Данте Петрарка чаще всего писал на латыни, но обессмертившее его сочинение - «Канцоньере» - «Книга песен» написана на народном языке. Сам он не придавал особого значения своим лирическим песням. Лишь позднее он стал воспринимать эти стихи всерьез, много раз редактировал и совершенствовал их. Сборник стихов Петрарка разделил на две книги: «На жизнь мадонны Лауры», «На смерть мадонны Лауры».

Любовь Петрарки - реальное, земное чувство и сама Лаура - конкретная женщина. Петрарка называет дату их первой встречи, дату ее смерти.

У Петрарки нет описания Лауры. Он говорит только о ее глазах и они становятся символом самой Лауры: «Вы не увидите моей измены, глаза, учившие меня любви». В этих словах - идея верности любимой женщине. Но не только: в них отношение к красоте как к высшей мудрости, способной научить прекраснейшему чувству любви. Понятие любви у Петрарки совершенно гуманистическое, потому что любовь предстает у него, как чувство, приносящее и радость, и муки одновременно. Этим она отличается от любви небесной, приносящей только радость. Смена чувств - радости и боли, счастья и страдания облагораживает человека, рождает поэзию. Любовь всегда прекрасна, она обогащает человека, даже если это неразделенная любовь. И после ухода Лауры из жизни поэт живет не только надеждой на встречу на небесах, но и памятью о ней, которую хранит для него все живое, как будто отражая ее облик. Любовь всегда остается частью земного бытия и счастьем поэта.

В «Канцоньере» звучат и политические мотивы, отражающие сложные отношения того времени. Есть мысли и до сих пор звучащие современно. Так, культуру Петрарка считает противоположностью войне, она возможна лишь в условиях мира: «Иду, взывая: Мира! Мира! Мира!» - заканчивает он один из сонетов. Петрарка внес большой вклад в теорию стиха, открыв богатейшие возможности сонета.

И еще одна из многих, яркая фигура литературного мира - Никколо Макиавелли (1469-1527) - итальянский писатель и политический деятель Позднего Возрождения. Широко известен его политический трактат «Государь». Современная литература определяет этот жанр как антиутопию: здесь развиваются самые трагические и антигуманные идеи XVI в. Однако Макиавелли писал не только политические трактаты, но и стихи, поэмы, новеллы, комедии. Персонажи его комедии «Мандрагора» предвосхищают образы героев драматургов более позднего времени: плут Лигрио сродни шекспировскому Яго и Фигаро Бомарше, лицемер Тимотео - прообраз мольеровского Тартюфа. И это вновь показывает, раскрывает то влияние, которое культура Возрождения оказала на всю европейскую культуру.

Понравилась статья? Поделитесь ей

Распечатать статью