Как называется знаменитая картина пабло пикассо. Пабло Пикассо

У Пабло Пикассо огромное творческое наследие. Как-то он признался, что в небогатые времена отапливал своими работами комнату, в которой проживал. Его работы - это десятки, если не сотни тысяч полотен, о которых в точности не знают даже профессиональные исследователи творчества художника и биографы.

Но, как говорится, короля играет свита, и у любого мастера есть основное ядро произведений, которые являются лучшими в его творчестве. Именно они - гордость государственных и частных коллекций, лакомый кусок для музейных грабителей. Они занимают достойное место в каталогах и справочниках по изобразительному искусству, их изучают в школах и высших учебных заведениях, они - достояние культуры всего человечества. Каждый знает знаменитую «Гернику» и «Девочку на шаре», но не всякий слышал об остальных, не менее уникальных шедеврах великого мастера, который опередил свое время, создал особый стиль, поменял мировоззрение.

«Первое причастие». Картина была создана в 1896 году для Выставки изящных искусств по совету отца Пикассо. Пятнадцатилетний Пабло воспользовался студией, а также реквизитом своего преподавателя - Гарнело Альда, который специализировался на живописи академического жанра.

Произведение не завоевало премий, и не было продано, но юному художнику поручили написать несколько картин религиозного содержания для женского монастыря в Барселоне. В июле 1909 года картины сгорели вследствие антиклерикального и антимилитаристского восстания в Каталонии.

Пикассо не отличался особой набожностью, но в его ученических работах периода 1895-1896 годов присутствуют сюжеты из жизни Христа (Распятие, Тайная вечеря, Трапеза в Эммаусе), немало изображений святых (св. Петр, св. Себастьян, св. Антоний Падуанский), Благовещение.

Изучая иконографические схемы и средства выразительности мастеров прошлого, Пикассо формирует свой индивидуальный стиль и манеру изображения.

«Любительница абсента». Картина написана в 1901 году, это период (1900-1904), когда мастер много ездит по маршруту Барселона-Париж. В это время его полотна выражают одиночество и неустроенность, опустошенность и потерянность. Кроме того, художник поддается традиции изображать несчастного, одинокого посетителя кафе, пьющего абсент - этот мистический напиток, который погружает человека в мир своеобразных фантазий и удивительных галлюцинаций.

«Любительнице абсента» присущ обостренный драматизм, который выражается в изображении гипертрофированной кисти правой руки. Женщина как будто пытается защитить себя от всего в этом неуютном мире.

Пикассо написал не одну картину на тему абсента. В июне 1901 года мир увидел «Любительницу абсента» с кусочком сахара в руках. Осенью того же года было создано полотно под названием «Аперитив», или (по данным архива Канвейлера), «Женщина с бокалом абсента». Именно эту работу купил Сергей Иванович Щукин, а позже собрал в своей коллекции 51 произведение всемирно известного мастера. После революции его собрание разошлось по фондам Эрмитажа и ГМИИ.

«Две сестры». Полотно было создано в 1902 году, в период, когда Пикассо посещает приюты, психиатрические больницы, лечебницы. Таким образом он ищет персонажи своих картин. Наброски к этому произведению мастер делает в Сен-Лазар - больнице для проституток в Париже.

«Две сестры» - это встреча монахини и проститутки. В почти обнимающихся фигурах - молчаливое согласие, печаль страдания, всепрощение и нежность. Картина являет собой равновесие, - два женских силуэта на голубом фоне. Одеяния обеих женщин - того же цвета. Это мир безмолвия, символ боли и одиночества.

«Девочка на шаре». Картина была создана в 1905 году, и является переходом от «голубого периода» в творчестве мастера к «розовому». Полотно построено на контрастах, наполнено внутренним драматизмом. Фон картины - это унылый пейзаж, выжженная солнцем земля, на которой пасется одинокая лошадь; женщина с ребенком, идущая куда-то, холмистая местность, проселочная дорога… Постоянство, которое будет оставаться неизменным еще очень долгое время.

Контрастом фону служат бродячие артисты, жизнь которых - всегда в движении, всегда в толпе. Безмолвие заднего плана заканчивается с приездом циркачей, несущих с собой атмосферу веселья и шумной радости.

Реквизит артистов - шар и куб - также обыгрывается художником как противопоставление устойчивости, постоянства - движению, изменчивости. Гибкость, грация девочки, удерживающей равновесие, и застывший атлет, который слился со своим постаментом.

Нежные розовые, жемчужные тона, новизна и ощущение наполненности, воздушности, легкости, подчеркиваются красочным штрихом - ярким красным цветком в волосах девочки-гимнастки. Это практически единственное яркое пятно, которое обращает на себя внимание среди пастельно-спокойных цветов картины.

«Авиньонские девицы». Полотно было написано в 1907 году и ознаменовало собой новый творческий этап в жизни Пикассо. Парижская богема приняла «Девиц» не однозначно. А. Матисс усмотрел в этом произведении ключ к новому развитию изобразительного искусства, приревновал, а потому отошел к тем, кто был против картины. Жорж Брак, наоборот, настолько восхитился картиной, что она вдохновила его на создание своей «Обнаженной».

История написания полотна тесно связана с личным кризисом отношений мастера и Фернанды Оливье - они девять лет вместе, Пикассо начинает тяготиться этими отношениями, и решает проверить чувства альтернативными связями.

В картине нет сюжетности, она наполнена неким мистическим смыслом.

Своим названием полотно обязано Анре Сальмону - поэту и близкому другу Пикассо.

«Портрет Амбруаза Воллара». Картина была создана в 1910 году и представляет собой портрет в стиле кубизма.

Пикассо изобразил одного из самых уважаемых торговцев произведениями искусств в Париже. В конце XIX, начале XX вв. Воллар финансово и морально поддерживал уже известных и только начинающих художников, среди которых были: Гоген, Майоль, Сезанн, Пикассо, ван Гог. Для Пикассо он организовал первую выставку.

После автокатастрофы, в которой Воллар погиб, его коллекция разошлась по дальним родственникам, а большая ее часть была разграблена в годы войны. «Портрет Амбруаза Воллара» считается лучшей картиной периода кубизма в творчестве Пикассо.

«Две женщины, бегущие по пляжу». Полотно было создано в 1922 году и относится к реалистическому периоду творчества Пабло Пикассо. Неоклассицизм мастера - это обращение к классическим сюжетам и в то же время собственная интерпретация видения. Женщины, изображенные художником, отнюдь не тонкостанные, легкие нимфы. Это, скорее, крестьянки-колхозницы, с гиперболизированными частями тела, грузными, мощными ногами и руками. Изображение мастера экспрессивно и искажено, доминантой в нем выступает идея монументальных размеров. Реальность искривляется и изменяется, но в то же время никогда не отталкивается.

В 1924 году это изображение появится на занавесе к постановке балета «Le Train Bleu». Реалистический период в творчестве Пабло Пикассо обусловлен многими факторами. Это чувства и женитьба на Ольге Хохловой, которой хотелось иметь свой портрет, написанный мужем только в узнаваемой, классической манере, и поездка в Рим, где античные статуи, культ тела, идеальность и безупречность форм являлись основой классицизма - монументальным и материальным, ну, и, конечно же, собственные ощущения и настроения художника.

«Герника». Полотно было создано в 1937 году и является самым объемным (3,5 × 7,8 м), а также наиболее известным. История, изображенная на картине - реальные события - бомбардировка баскского городка Герника фашистской авиацией. Из 5 тысяч населения погибло 2 тысячи мирных жителей.

Картина «Герника» будет написана в рекордные сроки - менее чем за 1 месяц, а ее основные образы - мать с мертвым ребенком на руках, растерзанная лошадь, поверженный всадник, бык, женщина со светильником - определятся в первые дни работы, когда мастер будет стоять у холста более 12 часов. Кажется, что Пикассо давно задумал нечто подобное, и потому пишет картину столь стремительно.

В середине 1937 года картину выставили в Париже, на Всемирной выставке, но она не произвела должного впечатления ни на простых посетителей, ни, даже, на некоторых специалистов. Ле Корбюзье, французский архитектор, отмечал, что «Герника» видела, в основном, только спины. Но, тем не менее, было много тех, кому понравилась картина, и кто увидел в ней весь ужас войны.

Абстрактная форма исполнения только улучшает восприятие, а трагические, истерзанные образы, подчеркивают ненависть фашизма ко всему живому. Глядя на это полотно, кажется, что слышен звук разрывающихся бомб, нечеловеческий крик, стоны, плачь и проклятия. Это символ гнева и боли, предостережение будущим поколениям.

Опубликовано: Май 3, 2015

Пабло Руис и Пикассо , также известный как Пабло Пикассо (25 октября 1881 - 8 апреля 1973), был испанским художником, скульптором, гравёром, керамиком, театральным художником, поэтом и драматургом, который провел большую часть своей жизни во Франции. Как один из самых крупных и влиятельных художников XX века, он известен как один из основателей кубизма, изобретатель ассамбляжа, коллажа, и самых разнообразных стилей, которые он помог развить и исследовать. Среди наиболее известных его работ находятся картины в стиле протокубизм такие как «Авиньонские девицы» (1907), «Герника» (1937), и изображение бомбардировки Герники немецкими и итальянскими ВВС по приказу испанского националистического правительства во время Гражданской войны в Испании.

Пикассо, Анри Матисс и Марсель Дюшан считаются тремя художниками, которые наиболее точно охарактеризовали революционные события в пластических искусствах в первых десятилетиях XX века, а также ответственны за значительное развитие живописи, скульптуры, гравюры и керамики.

В детские и юношеские годы Пикассо продемонстрировал чрезвычайный талант, рисуя в натуралистической манере. В течение первого десятилетия XX века его стиль изменился, так как он экспериментировал с различными теориями, методами и идеями. Его работы часто делятся на периоды. Хотя названия многих из более поздних периодов ещё обсуждаются, наиболее широко принятыми периодами в его творчестве являются: Голубой период (1901-1904), Розовый период (1904-1906), Африканский период (1907-1909), Аналитический кубизм (1909-1912) и Синтетический кубизм (1912-1919).

Пабло Пикассо, 1901, «Старая женщина (женщина с перчатками, женщина с украшениями)», масло, картон, 67 x 52,1 см, Музей искусств Филадельфии

Исключительно плодовитый на протяжении всей своей долгой жизни, Пикассо добился всеобщей известности и огромной удачи для своих революционных художественных достижений и стал одной из самых известных фигур в искусстве XX века.

Ранние годы

При крещении Пикассо дали имя Пабло, Диего, Хосе, Франсиско де Паула, Хуан Непомусено, Мария де лос Ремедиос, Сиприано де-ла-Сантисима Тринидад, ряд имён в честь различных святых и родственников. К ним добавили Руис и Пикассо, его отец и мать соответственно, согласно испанскому законодательству. Родился в городе Малага в автономной области Андалузия в Испании. Он был первым ребенком дона Хосе Руиса Бласко (1838-1913) и Марии Пикассо Лопес. Несмотря на то, что Пикассо был крещеным католиком, позже он стал атеистом. Его семья была среднего класса. Отец был художником, который специализировался на натуралистических изображениях птиц и другой дичи. Большую часть своей жизни Руис работал профессором искусства в школе ремёсел и хранителем местного музея. Его предки были незначительными аристократами.

Пабло Пикассо, 1901-1902, Femme au café («Любительница абсента»), масло, холст, 73 x 54 см, Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия

С ранних лет Пикассо показывал страсть и способности к рисованию. По словам матери, его первыми словами были «piz, piz», сокращение от «lápiz», что в переводе с испанского означает «карандаш». С семи лет Пикассо начал получать официальное художественное образование от своего отца по рисунку и живописи маслом. Руис был традиционным академическим художником и преподавателем, который считал, что надлежащее обучение требует строгого копирования мастеров и рисования человеческого тела с гипсовых слепков и живых моделей. Однако его сын стал заниматься искусством в ущерб классной работе.

В 1891 году семья переехала в Ла-Корунья, где его отец стал профессором в Школе изящных искусств. Здесь они остались почти на четыре года. Как-то раз, отец обнаружил сына за закрашиванием его незаконченного эскиза голубя. Апокрифическая история рассказывает, что наблюдая за точностью техники сына, Руис почувствовал, что тринадцатилетний Пикассо превзошел его. Он поклялся отказаться от живописи, хотя существуют его картины более поздних лет.

В 1895 году Пикассо был травмирован смертью его семилетней сестры Кончиты, вследствие дифтерии. После её смерти семья переехала в Барселону, где Руис занял должность в Школе изящных искусств. Юный художник благополучно рос в городе, который со временем считал настоящим домом. Руис убедил чиновников в Академии разрешить его сыну сдать вступительный экзамен. Для студентов этот процесс часто занимал месяц, но Пикассо завершил его за неделю, и жюри приняло его. На момент поступления Пикассо было только 13 лет. Как студенту ему не хватало дисциплины, но приобрёл дружеские отношения, которые повлияли на его последующую жизнь. Недалеко от дома отец снял ему небольшую комнату, чтобы он мог работать в одиночку, но судя по рисункам, он проверял его несколько раз в день. Оба часто спорили.

Отец и дядя Пикассо решили отправить молодого художника в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде, которая считалась передовой художественной школой страны. В возрасте 16 лет Пикассо впервые сам отправился в путь, тем не менее, юный художник невзлюбил формальное обучение и вскоре после зачисления перестал посещать занятия. Мадрид хранил много других достопримечательностей. В Прадо размещены картины Диего Веласкеса, Франсиско Гойя и Франсиско Сурбарана. Пикассо особенно восхищался произведения Эль Греко; такие его элементы, как вытянутые конечности, яркие цвета и мистические лица отразились в дальнейшем творчестве Пикассо.

Начало творческого пути

До 1900 года

Обучение Пикассо под руководством отца началось до 1890 года. Его прогресс можно проследить в коллекции ранних работ, которая находится в Музее Пикассо в Барселоне, и представляет собой одно из наиболее полных собраний среди первых работ крупных художников, которое сохранилось до наших дней. В течение 1893 года пропадает незрелость его самого раннего творчества, и в 1894 году он, можно сказать, начинает свою карьеру художника. Академический реализм легко различимый в работах середины 1890-х годов хорошо отображён в «Первом причастии» (1896), большой композиции, которая изображает его сестру Лолу. В том же году, в возрасте 14 лет, он написал «Портрет тёти Пепы», энергичное и драматическое изображение, которое Хуан-Эдуардо Сирлот назвал «без сомнения, одним из величайших во всей истории испанской живописи».

В 1897 году его реализм приобрёл лёгкий оттенок символизма в серии пейзажей представленной в не натуралистических фиолетовых и зелёных тонах. Далее следует, так называемый, модернистский период (1899-1900). Знакомство с творчеством Россетти, Стейнлена, Тулуз-Лотрек и Эдварда Мунка, в сочетании с восхищением такими старыми мастерами, как Эль Греко, привели Пикассо к собственной версии модернизма.

В 1900 году Пикассо совершил свою первую поездку в Париж, позже художественную столицу Европы. Там он встретил своего первого парижского друга, журналиста и поэта Макса Жакоба, который помог Пикассо в изучении французского языка и литературы. Вскоре они жили в одной квартире; Макс спал ночью, в то время как Пикассо спал днём и работал ночью. Это были времена крайней нищеты, холода, и отчаяния. Большая часть работ была сожжена, чтобы обогреть маленькую комнату. В течение первых пяти месяцев 1901 года Пикассо жил в Мадриде, где со своим другом анархистом Франциско де Асис-Сольером основал журнал Arte Joven («Молодое искусство»), у которого вышли пять номеров. Солер предоставлял статьи, а Пикассо иллюстрировал журнал, внося в основном мрачные изображения, которые выражали сочувствие бедным слоям населения. Первый выпуск был опубликован 31 марта 1901 года, когда художник начал подписывать свои работы «Пикассо»; прежде он подписывал их «Пабло Руис и Пикассо».

«Голубой период»

«Голубой период» Пикассо (1901-1904) характеризуется мрачными картинами, представленными в оттенках синего и сине-зелёного, которые лишь изредка согреты другими цветами. Этот период начался или в Испании в начале 1901 года, или в Париже во второй половине года. Многие картины измождённых матерей с детьми датируются «голубым периодом», во время которого Пикассо разделил своё время между Барселоной и Парижем. Пикассо находился под влиянием поездки по Испании и самоубийства друга Карлоса Касагемаса, что привело к строгому использованию цвета и подчас страдальческих сюжетов, частыми объектами которых являлись проститутки и нищие. С осени 1901 года он написал несколько посмертных портретов Касагемаса, которые завершились мрачной аллегорической картиной La Vie («Жизнь») (1903), в настоящее время представлена в Музее искусств Кливленда.

La Vie («Жизнь») 1903, Художественный музей Кливленда

Инфракрасные снимки картины 1901 года «Голубая комната» показывают, что под ней находится другая картина.

Такое же настроение пронизывает известную гравюру «Скудная трапеза» (1904), на которой изображены слепой мужчина и зрячая женщина, оба истощены, сидят за почти пустым столом. В работах Пикассо этого периода повторяется тема слепоты, она также представлена в «Завтраке слепого» (1903, Музей Метрополитен) и в портрете Селестины (1903). Другие работы включают «Портрет Солера» и «Портрет Сюзанны Блох».

«Розовый период»

«Розовый период» (1904 - 1906) характеризуется более веселым стилем, оранжевыми и розовыми цветами и изображением циркачей, акробатов и арлекинов, известных во Франции как «saltimbanques». Арлекин, комедийный характер, обычно изображается в одежде с клетчатым рисунком, стал личным символом для Пикассо. В Париже в 1904 году он встретил Фернанду Оливье, богемную художницу, которая стала его любовницей. Oливье появляется во многих его картинах «розового периода», на большую часть из которых повлияли их тёплые отношения, наряду с интенсивным изучением французской живописи. В целом приподнятое и оптимистичное настроение картин в этот период напоминает 1899-1901 годы (т.е. непосредственно перед «голубым периодом»), а 1904 год можно считать переходом между двумя периодами.

Пабло Пикассо, 1905, Au Lapin Agile («В Проворном кролике»), холст, масло, 99,1 х 100,3 см, Музей Метрополитен

Пабло Пикассо, 1905, Garçon à la pipe («Мальчик с трубкой»), частная коллекция, «Розовый период»

Портрет Гертруды Стайн, 1906, Музей искусств «Метрополитен», Нью-Йорк. Когда кто-то прокомментировал, что Стайн не похожа на портрете, Пикассо ответил: «Она будет».

К 1905 году Пикассо стал фаворитом американских коллекционеров Лео и Гертруды Стайн. Их старший брат Майкл Стайн и его жена Сара также коллекционировали его работы. Пикассо нарисовал портрет Гертруды и её племянника Алана Стейна. Гертруда Стайн стала главной покровительницей Пикассо, приобретая его рисунки и картины, и выставляя их на неофициальном Салоне в своём доме в Париже. На одном из мероприятий в 1905 году он встретил Генри Матисса, который стал другом и соперником на всю жизнь. Стейн познакомила его с Кларибель Кон и её сестрой Эттой, которые были американскими коллекционерами; они также начали приобретать картины Пикассо и Матисса. В итоге Лео Стайн переехал в Италию. Майкл и Сара Стайн стали покровительствовать Матиссу, в то время как Гертруда Стайн продолжала коллекционировать Пикассо.

В 1907 году Пикассо присоединился к художественной галерее, которую Даниэль-Анри Канвейлер недавно открыл в Париже. Канвейлер был немецким искусствоведом и коллекционером. Он стал одним из ведущих дилеров французского искусства XX века. Канвейлер был среди первых кураторов Пабло Пикассо, Жоржа Брака и кубизма, который они совместно разработали. Он также способствовал росту таких художников как Андре Дерен, Кеес ван Донген, Фернан Леже, Хуан Грис, Морис де Вламинк и нескольких других, которые приехали со всех уголков земного шара, чтобы жить и работать в то время в районе Монпарнас.

Трансформация современного искусства

Les Demoiselles d"Avignon («Авиньонские девицы»), 1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк

«Африканский период»

«Африканский период» Пикассо (1907 - 1909) начинается с двух фигур справа на картине «Авиньонские девицы», на которые его вдохновили африканские артефакты. Основные идеи, разработанные в этот период, привели непосредственно к периоду кубизма, который следует далее.

Кубизм

Аналитический кубизм (1909-1912) - стиль живописи, который Пикассо разработан с Жоржем Браком, используя монохромные коричневатые и нейтральные цвета. Оба художника разбирали объекты и «анализировали» их с точки зрения формы. Картины Пикассо и Брака на этот раз имели много общего. Синтетический кубизм (1912-1919) был дальнейшим развитием стиля, в котором вырезанные бумажные фрагменты, часто обои или части газетных страниц вставлялись в композиции, ознаменовав первое использование коллажа в изобразительном искусстве.

В Париже Пикассо развлекался с выдающимся кругом друзей в кварталах Монмартр и Монпарнас, в который входили Андре Бретон, поэт Гийом Аполлинер, писатель Альфред Жарри, и Гертруда Стайн. В 1911 году Аполлинера арестовали по подозрению в краже Мона Лизы из Лувра. Он указал на своего друга Пикассо, которого также вызвали на допрос, но позднее освободили.

1909, Femme assise («Сидящая женщина»), холст, масло, 100 × 80 см, Государственные музеи Берлина, Новая национальная галерея

1909-1910, Figure dans un Fauteuil («Сидящая обнаженная»)

1910, La Femme au pot de moutarde («Женщина с горчичницей»), холст, масло, 73 × 60 см, Муниципальный музей, Гаага. Выставлялась на Armory Show, в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне в 1913 году

1910, Girl with a Mandolin (Fanny Tellier) («Девушка с мандолиной (Фанни Телье)»), холст, масло, 100,3 × 73,6 см, Музей современного искусства, Нью-Йорк

1910, Портрет Даниэля Анри Канвейлера, Чикагский институт искусств.

1910-1911, Guitariste, La mandoliniste («Женщина, играющая на мандолине»), холст, масло

Прибл. 1911, Le Guitariste («Гитарист»). Воспроизведенена в манифесте Альберта Глеза и Жана Метценже Du Cubisme («О кубизме») в 1912 году

1911, «Бутылка рома», холст, масло, 61,3 × 50,5 см, Музей искусств «Метрополитен», Нью-Йорк

1911, Le poète («Поэт»), масло, льняной холст, 131.2 × 89,5 см (51 5/8 × 35 1/4 футов), Музей Соломона Гуггенхайма, Коллекция Пегги Гуггенхайм, Венеция

1911-1912, «Скрипка», холст, масло, 100 × 73 см (овал), Музей Крёллер-Мюллер

1913, «Бутылка, кларнет, скрипка, газета, бокал», 55 × 45 см. Эта картина из коллекции Вильгельма Уде была конфискована Французским государством и продана на аукционе в «Отеле Друо» в 1921 году.

1913, Femme assise dans un fauteuil (Eva) («Женщина в рубашке, сидящая в кресле (Ева)»), 149,9 × 99,4 см, Коллекция Леонарда Лаудера, Музей искусств «Метрополитен»

1913-1914, Tête («Голова»), вырезанная и вставленная цветная бумага, гуашь и уголь на картоне, 43,5 × 33 см, Шотландская национальная галерея современного искусства, Эдинбург

1913-1914, L"Homme aux cartes («Игрок в карты»), масло, холст, 108 × 89,5 см, Музей современного искусства, Нью-Йорк

1914-1915, Nature morte au compotier

1916, L"anis del mono («Бутылка Анис дель Моно»), холст, масло, 46 × 54,6 см, Институт искусств Детройта, штат Мичига

Слава

После приобретения некоторой славы и богатства, Пикассо оставил Оливье ради Марсель Умбер, которую называл Ева Гуель. Во многие работы в стиле кубизм Пикассо включил признание в любви к Еве. В 1915 году в возрасте 30 лет она преждевременно умерла от болезни, это событие опустошило Пикассо.

Пабло Пикассо и художник-декораторы сидят на антрактном занавесе балета Леонида Мясина «Парад», который поставил «Русский балет Дягилева» в парижском «Театре Шатле» в 1917 году.

На момент начала Первой мировой войны (август 1914 года) Пикассо жил в Авиньоне. Брака и Дерена мобилизовали, а Аполлинер присоединился к французской артиллерии, в то время как испанец Хуан Грис остался в кругу кубистов. Во время войны Пикассо продолжал непрерывно писать, в отличие от его французских товарищей. Его живопись стала более мрачной, а жизнь изменилась, приведя к драматическим последствиям. Договор с Канвейлером положил конец его изгнанию из Франции. На данный момент за работы Пикассо должен был взяться арт-дилер Леон Розенберг. После потери Евы Гуель, у художника был роман с Габи Леспинасс. Весной 1916 года Аполлинер вернулся с фронта раненным. Они возобновили свою дружбу, но Пикассо стал часто посещать новые социальные круги.

К концу Первой мировой войны, Пикассо приобрёл ряд важных знакомств с фигурами, которые имели отношение к «Русскому балету Дягилева». Среди его друзей в течение этого периода были Жан Кокто, Жан Гюго, Хуан Грис и другие. Летом 1918 года Пикассо женился на Ольге Хохловой, балерине из труппы Сергея Дягилева, для которого Пикассо создал эскизы для балета Эрика Сати «Парад», проходящего в Риме; они провели свой медовый месяц вблизи Биаррица на вилле очаровательного чилийского мецената Евгении Эрразуриз.

Дизайн костюма, Пабло Пикассо, олицетворяющий небоскребы и бульвары для «Парада» в постановке «Русского балета Дягилева» в парижском «Театре Шатле» 18 мая 1917 года.

После возвращения из свадебного путешествия и отчаянно нуждаясь в деньгах, Пикассо начал особые отношения с еврейско-французским арт-дилером Полем Розенбергом. В качестве своей первой обязанности Розенберг за свой счёт арендовал квартиру для пары в Париже, которая располагалась возле его дома. Это было начало глубокой братской дружбы между двумя очень разными мужчинами, которая будет длиться вплоть до начала Второй мировой войны.

Хохлова ввела Пикассо в высшее общество, формальные ужины и все сопутствующие социальные тонкости жизни богатых в Париже1920-х годов. Оба имели сына Пауло, который вырос распущенным мотогонщиком, а позже стал шофёром отца. Настойчивое требование Хохловой на светском приличии столкнулось с богемной тенденцией Пикассо, из-за чего оба жили в состоянии постоянного конфликта. В тот же период, когда Пикассо сотрудничал с труппой Дягилева, он и Игорь Стравинский работали над балетом «Пульчинелла» в 1920 году. Он воспользовался возможностью, чтобы сделать несколько рисунков композитора.

«Парад», 1917, занавес созданный для балета «Парад». Эта работа является крупнейшей среди картин Пикассо. Центр Помпиду-Мец, Мец, Франция, май 2012 года.

В 1927 году Пикассо встретил 17-летнюю Марию-Терезу Вальтер и начал тайно с ней встречаться. Вскоре брак Пикассо с Хохловой закончился. Это скорее было похоже на разрыв отношений, чем на развод, так как согласно французскому законодательству в случае развода предусматривался раздел имущества, а Пикассо не хотел отдавать Хохловой половину своего богатства. Они оставались в законном браке до смерти Хохловой в 1955 году. Пикассо продолжил давний роман с Марией-Терезой Вальтер, с которой у него была дочь Майя. Мария-Тереза жила в напрасной надежде, что Пикассо однажды жениться на ней и повесилась спустя четыре года после его смерти. На протяжении всей жизни художник имел несколько любовниц, помимо жены или основным партнёром. Он был дважды женат и имел четырёх детей от трёх женщин:

Пауло (4 февраля 1921 - 5 июня 1975 года) (урождённый Пауло Джозеф Пикассо) - от Ольги Хохловой

Майя (5 сентября 1935 -) (урождённая Мария де ла Консепсьон Пикассо) - от Марии-Терезы Вальтер

Фотограф и художник Дора Маар также была постоянным спутником и возлюбленной Пикассо. Наиболее близкими они были в конце 1930-х и начале 1940-х годов. Именно Маар подтвердила подлинность полотна «Герники».

Portrait d"Olga dans un fauteuil («Портрет Ольги в кресле»), 1918, Музей Пикассо, Париж, Франция

портрет Марии-Терезии Вальтер, Дата: 1937, Размеры: 38 см х 46 см, материалы: Холст, масло, карандаш

Пабло Пикассо, 1919, «Спящие Крестьяне», гуашь, акварель и карандаш на бумаге, 31.1 x 48.9 см, Музей современного искусства, Нью-Йорка

Классицизм и сюрреализм

В феврале 1917 года Пикассо совершил своё первое путешествие в Италию. В период последовавший за потрясением Первой мировой войны, Пикассо создаёт работу в неоклассическом стиле. В 1920-е годы подобное «возвращение к порядку» проявляется в творчестве многих европейских художников, в том числе Андре Дерена, Джорджо де Кирико, Джино Северини, Жана Метценже, художников течения «Новая вещественность» и группы «Новеченто». Картины и рисунки Пикассо этого периода часто напоминают работы Рафаэля и Энгра.

В 1925 году сюрреалист, писатель и поэт Андре Бретон признал Пикассо «одним из наших» в своей статье Le Surréalisme et la peinture («Сюрреализм и живопись»), опубликованной в литературном журнале La Révolution Surréaliste («Сюрреалистическая революция»). В этом же номере впервые в Европе была опубликована копия картины Les Demoiselles («Авиньонские девицы»). Тем не менее, на первой выставке группы сюрреалистов в 1925 году Пикассо выставил работы в стиле кубизм; понятие «психический автоматизм в его чистом виде», установленное в Manifeste du surréalisme («Манифест сюрреализма»), никогда полностью его не интересовало. В то время он развивал новые образы и формальный синтаксис для эмоционального выражения себя, «выпуская насилие, психические страхи и эротизм, которые в значительной степени подавлялись или сублимировались в нём с 1909 года», - пишет историк искусства Мелисса Маккуиллан. Правда этот переход в работе Пикассо обусловлен кубизмом и его пространственными отношениями, как пишет Маккуиллан «объединение ритуала и порыва в изображении напоминает примитивизм «Авиньонских девиц» и неуловимый психологический резонанс его символических работ». Сюрреализм возродил тягу Пикассо к примитивизму и эротизму.

В 1930-х годах минотавр заменил арлекина в качестве общего мотива его работ. Использование минотавра частично пришло от связи художника с сюрреалистами, которые часто использовали его как символ, и который появляется в картине Пикассо «Герника». Минотавр и любовница Пикассо Мария-Тереза Вальтер в значительной степени изображены в его знаменитых гравюрах Suite Vollard.

В 1939-1940 годах музей современного искусства в Нью-Йорке под руководством директора Альфреда Барра, и горячего поклонника Пикассо, провёл большую ретроспективу основных работ Пикассо, созданных к этому времени. Эта выставка подняла шум вокруг художника, открыв его артистизм широкой публике Америки, что повлекло за собой переосмысление его творчества современными историками искусства и учеными.

Вероятно, самой известной работой Пикассо является его изображение немецкой бомбардировки Герники во время Гражданской войны в Испании - «Герника». Это большое полотно воплощает бесчеловечность, жестокость и безнадежность войны. Отвечая на вопрос для объяснения своей символики, Пикассо сказал: «Художнику не годится определять символы. В противном случае было бы лучше, если бы он излагал их на бумаге! Публика, которая смотрит на картину, должна интерпретировать символы, так как она их понимает».

На протяжении многих лет «Герника» выставлялась в нью-йоркском Музее современного искусства. В 1981 году её вернули в Испанию и выставили в Casón del Buen Retiro (здание Кейсон дель Буэн Ретиро музея Прадо). В 1992 году картину представили в Национальном музее центра искусств королевы Софии в Мадриде при его открытии.

Вторая мировая война и последующий период

Во время Второй мировой войны Пикассо оставался в Париже несмотря на то, что немцы заняли город. Его художественный стиль не соответствовал нацистским идеалам искусства, поэтому в течение этого периода он не выставлялся. Пикассо часто подвергался преследованиям со стороны Гестапо. Во время обыска в его квартире, офицер увидел фотографию картины «Герника». «Это ты написал?» - спросил немец Пикассо. «Нет», - ответил он, «Ты написал».

Отказавшись от мастерской, он продолжил писать, создав такие работы, как «Натюрморт с гитарой» (1942) и «Склеп» (1944-48). Хотя в Париже немцы запретили бронзовое литьё, Пикассо продолжал использовать бронзу, которую ему контрабандой привозило французское Сопротивление.

Примерно в это время, в качестве альтернативы, Пикассо взялся за писательство. В 1935-1959 годах он написал более 300 стихотворений. Большинство из них не имели названия, за исключением даты и в некоторых случаях места, где были написаны (например «Париж 16 мая 1936 года»). Эти работы были делом вкуса, эротическими и временами непристойными, как две его многоактные пьесы «Желание, пойманное за хвост» (1941) и «Четыре девочки» (1949).

В 1944 году после освобождения Парижа, Пикассо, которому в ту пору было 63 года, начал романтические отношения с молодой студенткой художественной школы по имени Франсуаза Жило. Она была на 40 лет моложе его. Пикассо уставший от его любовницы Доры Маар, начал жить вместе с Жило. Со временем у них появилось двое детей: Клод, родившийся в 1947 году и Палома, в 1949 году. В своей книге 1964 года «Жизнь с Пикассо» Жило описывает его жестокое обращение и бесчисленные измены, которые привели к тому, что она бросила его, забрав детей. Это был серьёзный удар для Пикассо.

Художник имел любовную связь с женщинами, с которыми у него была ещё большая разница в возрасте, чем с Жило. Будучи всё ещё в отношениях с Жило, в 1951 году Пикассо имел шестинедельный роман с Женевьевой Лапорт, которая была на четыре года моложе Жило. К 70-и годам во многих его картинах, рисунках тушью и гравюрах в качестве темы присутствует старый, гротескный карлик безумно любящий красивых молодых моделей. Жаклин Роке (1927-1986) работала в гончарной мастерской Madoura в Валлорис на Лазурном берегу, где Пикассо делал и расписывал керамические изделия. Она стала его возлюбленной, а затем второй женой в 1961 году. Оба оставались вместе до конца жизни Пикассо.

Его брак с Роке был также способом мести Жило; с помощью Пикассо, Жило планировала развестись с тогдашним мужем Люком Саймоном, чтобы выйти замуж за Пикассо для обеспечения прав своих детей, как его законных наследников. После того, как Жило подала на развод Пикассо уже был тайно женат на Роке. Это создало напряжение в его отношениях с Клодом и Паломой.

К этому времени Пикассо построил огромный готический дом и мог позволить себе большие виллы на юге Франции, как Notre-Dame-de-Vie на окраине Мужен и в регионе Прованс-Альпы-Лазурный Берег. Он был международной знаменитостью, к личной жизни которой часто проявляли больший интерес, чем к его искусству.

Помимо художественных достижений Пикассо появился в нескольких фильмах, каждый раз в роли самого себя, включая эпизодическую роль в «Завещании Орфея» Жана Кокто. В 1955 году он помог снять фильм Le Mystère Picasso («Тайнство Пикассо»), режиссёром которого выступил Анри-Жорж Клузо.

Станислав Лоренц проводит экскурсию для Пабло Пикассо по Национальному музею в Варшаве во время выставки «Современных французских художников и керамики Пабло Пикассо» в 1948 году. Пикассо подарил музею Варшавы более десятка его изделий из керамики, рисунков и цветных гравюр.

Последние произведения

Пикассо был одним из 250 скульпторов, которые выставлялись на 3-ей Международной выставке скульптур, состоявшейся в Музее искусств Филадельфии в середине 1949 года. В 1950 году стиль Пикассо вновь изменился, когда он взялся за создание реинтерпретацию искусства великих мастеров. Он написал серию работ, основанных на картине Веласкеса «Менины». Пикассо также создал картины по работам Гойи, Пуссена, Мане, Курбе и Делакруа.

Ему было поручено сделать макет для огромной общественной скульптуры 50 футов (15 м) в высоту, которую должны были построить в Чикаго, и обычно известную как Чикагский Пикассо. Он подошел к проекту с большим энтузиазмом, спроектировав неоднозначную и несколько спорную скульптуру. Представленная фигура не известна; это может быть птица, лошадь, женщина или полностью абстрактная форма. Эта скульптура, одна из самых узнаваемых достопримечательностей в центре Чикаго, была открыта в 1967 году. Пикассо отказался от оплаты в 100 000 $, пожертвовав всю сумму жителям города.

Последние работы Пикассо представляли собой смесь стилей, способ выражения в постоянном движении до конца его жизни. Посвятив всю свою энергию творчеству, Пикассо стал более смелым, а его произведения более красочными и выразительными. С 1968 по 1971 года он создал множество картин и сотни медных гравюр. В то время эти работы отклонили, в основном как порнографические фантазии бессильного старика или неряшливые работы художника, чьи лучшие годы уже в прошлом. Только позже, после смерти Пикассо, когда остальная часть мира искусства перешла на абстрактный экспрессионизм, создав критическое сообщество, они увидели, что Пикассо уже открыл неоэкспрессионизм и был, как и раньше, впереди своего времени.

Смерть

Пабло Пикассо умер 8 апреля 1973 года в Мужене, в то время как он и его жена Жаклин развлекали друзей за ужином. Он был похоронен в замке Вовенарг возле Прованса. Этот дом он приобрёл в 1958 году и жил в нём с Жаклин в 1959-1962 годах. Жаклин Роке препятствовала присутствию на похоронах его детей Паломы и Клода. Опустошённая и одинокая после смерти Пикассо, Жаклин Роке покончила с собой, застрелившись в 1986 году, когда ей было 59 лет.

перевод статьи английской википедии

Музей Пикассо

Пабло Пикассо. Авиньонские девушки

Пабло ПИКАССО картина Зеленая миска и черная бутылка

Пабло ПИКАССО картина Дриада Пабло ПИКАССО Купание

Чтобы быть выдающимся, уникальным художником, нужно быть неординарным человеком, с нестандартным видением окружающего мира, тогда и рождаются неповторимые полотна, новые стили и течения в искусстве. Такому автору невозможно подражать, можно лишь вдохновляться его работой и искать что-то новое внутри себя.

Мне нравится баланс цветов. Все выглядит очень гармонично и приятно.

Уникальный стиль и божественная одаренность позволили Пикассо влиять на эволюцию современного искусства и на весь художественный мир.

Пабло Пикассо родился в 1881 году в испанском городе Малага. Он в раннем возрасте обнаружил свой талант и поступил в школу изящных искусств, когда ему было 15 лет.

Большую часть жизни художник провел в любимой Франции. В 1904 г. он переехал в Париж, а в 1947 г. переместился на солнечный юг страны.

Творчество Пикассо подразделяют на уникальные и интересные периоды.

Его ранний «голубой период» начался в 1901 году и продлился около трех лет. Большая часть художественных работ, созданных в это время, характеризуется человеческими страданиями, нищетой и оттенками голубого цвета.

«Розовый период» продлился примерно в течение года, начавшись в 1905 году. Для этой фазы характерна более легкая розово-золотистая и розово-серая палитра, а в качестве персонажей выступают в основном бродячие артисты.

Картина, которую Пикассо нарисовал в 1907 году, обозначила собой переход к новому стилю. Художник в одиночку изменил ход современного искусства. Это были «Авиньонские девицы», вызвавшие много потрясений в тогдашнем обществе. Изображение обнаженных проституток в стиле кубизма стало настоящим скандалом, но послужило основой для последующего концептуального и сюрреалистического искусства.

В преддверии Второй мировой войны, во время конфликта в Испании Пикассо создал еще одно блестящее произведение - картину «Герника». Непосредственным источником вдохновения послужила бомбардировка Герники, полотно олицетворяет протест художника, осуждавшего фашизм.

В своем творчестве Пикассо посвятил много времени исследованию комедии и фантазии. Он также реализовался как график, скульптур, декоратор и керамист. Мастер постоянно работал, создавая огромное количество иллюстраций, рисунков и конструкций причудливого содержания. На заключительном этапе своей карьеры он писал вариации знаменитых картин Веласкеса и Делакруа.

Пабло Пикассо умер в 1973 году во Франции в возрасте 91 года, успев создать 22 000 произведений искусства.

Картины Пабло Пикассо:

Мальчик с трубкой, 1905 год

Эта картина раннего Пикассо относится к «розовому периоду», он написал её вскоре после приезда в Париж. Здесь изображен мальчик с трубкой в руке и венком из цветов на голове.

Старый гитарист, 1903 год

Картина относится к «голубому периоду» творчества Пикассо. На ней изображен старый, слепой и нищий уличный музыкант с гитарой. Работа выполнена в голубых оттенках и опирается на экспрессионизм.

Авиньонские девицы, 1907 год

Пожалуй, самая революционная живопись в современном искусстве и первая картина в стиле кубизма. Мастер игнорировал общепринятые эстетические правила, шокировал пуристов и единолично изменил ход искусства. Он своеобразно изобразил пять обнаженных проституток из борделя в Барселоне.

Бутылка рома, 1911 год

Пикассо закончил эту картину во французских Пиренеях, излюбленном месте музыкантов, поэтов и художников, кубисты облюбовали его до Первой мировой войны. Работа выполнена в сложном кубистском стиле.

Голова, 1913 год

Это знаменитое произведение стало одним из самых абстрактных кубистских коллажей. Профиль головы можно проследить в полукруге, очерченном древесным углем, но все элементы лица значительно сводятся к геометрическим фигурам.

Натюрморт с компотом и бокалом, 1914-15гг.

Формы чистого цвета и граненые объекты сопоставляются и накладываются друг на друга, создавая гармоничную композицию. Пикассо в этой картине демонстрирует практику коллажа, которую часто использует в своем творчестве.

Девушка перед зеркалом, 1932 год

Это портрет молодой любовницы Пикассо - Марии-Терезы Вальтер. Натурщица и ее отражение символизируют переход от девушки к соблазнительной женщине.

Герника, 1937 год

Эта картина изображает трагическую природу войны и страдания невинных жертв. Работа монументальна по своим масштабам и значению, во всем мире ее воспринимают в качестве антивоенного символа и плаката за мир.

Плачущая женщина, 1937 год

Пикассо интересовала тема страданий. Эта детализированная картина с искаженным в гримасе, деформированным лицом считается продолжением «Герники».

Пабло Пикассо - испанский живописец, основоположник кубизма, по опросу издания Тhe Times 2009 года самый известный художник XX столетия.

Родился будущий гений 25 октября 1881 года в Андалузии, в селенье Малага. Отец Хосе Руис занимался живописью. Своим творчеством Руис не прославился, поэтому вынужден был устроиться на работу в местный музей изобразительного искусства смотрителем. Мать Мария Пикассо Лопес принадлежала к зажиточному роду владельцев плантаций винограда, но с детства испытала на себе, что такое нужда, так как отец бросил семью и переехал в Америку.

Когда у Хосе и Марии появился первенец, его окрестили именем Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо, в котором по традиции были указаны почитаемые предки и католические святые. После рождения Пабло в семье появилось еще две девочки - Долорес и Кончита, которых мать любила меньше обожаемого сына.

Мальчик был очень красив и талантлив. В 7 лет он уже начал помогать отцу в написании полотен. В 13 лет Хосе позволил сыну завершить объемную часть работы и был очень удивлен мастерством Пабло. После этого случая все свои художественные принадлежности отец отдал мальчику, а сам перестал писать.

Учеба

В этом же году юноша поступает в Академию художеств в город Барселону. Пабло не без труда удалось убедить преподавательский состав вуза в своей профессиональной состоятельности. Через три года учебы, набравшись опыта, юный студент переводится в Мадрид в престижную академию «Сан Фернандо», где на протяжении полугода изучает технику работы испанских художников , и . Здесь Пикассо создает картины «Первое причастие», «Автопортрет», «Портрет матери».

Юному живописцу не удалось в силу своенравного характера и вольного образа жизни удержаться в стенах учебного заведения, поэтому, бросив учебу, Пабло пускается в свободное плавание. Его близким другом к тому времени становится такой же строптивый американский студент Карлес Касагемас, с которым Пабло неоднократно посещает Париж.

Первые поездки друзья посвящали изучению живописи Делакруа, Тулуз Лотрека, а также древних финикийских, египетских фресок, японских гравюр. Молодые люди завели знакомство не только с представителями богемы, но и с богатыми коллекционерами.

Творчество

Впервые Пабло начинает подписывать собственные картины псевдонимом Пикассо, девичьей фамилией своей матери. В 1901 году случается трагедия, которая наложила отпечаток на творчество художника: его друг Карлес заканчивает свою жизнь самоубийством из-за несчастной любви. В память об этом событии Пабло создает ряд картин, которые принято относить к первому «Голубому периоду».

Обилие синих и серых цветов на картинах объясняется не только подавленным состоянием юноши, но и отсутствием денежных средств на масляную краску других оттенков. Пикассо пишет работы «Портрет Хайме Сабартеса», «Свидание», «Трагедия», «Старый еврей с мальчиком». Все картины пронизаны ощущением тревоги, уныния, страха и тоски. Техника письма становится угловатой, рваной, перспектива заменяется жесткими контурами плоских фигур.

В 1904 году, несмотря на отсутствие финансов, Пабло Пикассо решается на переезд в столицу Франции, где его ждут новые впечатления и события. Перемена места жительства дала толчок второму периоду творчества художника, который принято называть «Розовым». Во многом на жизнерадостность картин и их сюжетный ряд повлияло место, где жил Пабло Пикассо.

В основании Монмартрского холма стоял цирк Медрано, артисты которого и служили натурой для произведений молодого художника. За два года была написана целая серия картин «Актер», «Сидящая обнаженная», «Женщина в рубашке», «Акробаты. Мать и сын», «Семейство комедиантов». В 1905 году появилось самое значительное полотно этого периода «Девочка на шаре». Через 8 лет картину приобрел российский меценат И. А. Морозов, который и привез ее в Россию. В 1948 году «Девочка на шаре» была выставлена в музее им. , где и находится до сих пор.

Художник постепенно отходит от изображения натуры как таковой, в его творчестве появляются модернистские мотивы с использованием чистых геометрических форм, из которых составляется структура изображаемого объекта. Пикассо интуитивно подошел к новому направлению, когда создавал портрет своей поклонницы и меценатки Гертруды Стайн.

В 28 лет Пикассо пишет картину «Авиньонские девицы», которая и стала предшественницей произведений, написанных в стиле кубизма. Портретный ансамбль, на котором были изображены обнаженные красавицы, был встречен большим потоком критики, но Пабло Пикассо продолжил развитие найденного направления.

Начиная с 1908 года появляются полотна «Бидон и миски», «Три женщины», «Женщина с веером», «Портрет Амбруаза Воллара», «Завод в Хорта де Сан Хуан», «Портрет Фернанды Оливье», «Портрет Канвейлера», «Натюрморт с плетеным стулом», «Бутылка перно», «Скрипка и гитара». Новые работы характеризуются постепенным усилением плакатности изображений, приближением к абстракционизму. Наконец, Пабло Пикассо, несмотря на скандальность, начинает хорошо зарабатывать: картины, написанные в новом стиле, приносят прибыль.

В 1917 году Пабло Пикассо предоставилась возможность сотрудничества с «Русскими сезонами» . Жан Кокто предложил мэтру балета кандидатуру испанского художника в качестве создателя эскизов к декорациям и костюмам новых постановок. Для работы на время Пикассо перебрался в Рим, где познакомился с первой супругой Ольгой Хохловой, русской танцовщицей, дочерью эмигрировавшего офицера.

Светлый период жизни отразился и на творчестве художника - на время Пикассо отходит от кубизма, и создает ряд полотен в духе классического реализма. Это прежде всего «Портрет Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Детский портрет Поля Пикассо».

Сюрреализм

Пресытившись жизнью состоятельного буржуа, Пабло Пикассо возвращается к прежнему богемному существованию. Переломный момент ознаменовался написанием в 1925 году первой картины в сюрреалистической манере «Танец». Искаженные фигуры танцующих, общее ощущение болезненности надолго поселились в творчестве художника.

Неудовлетворенность личной жизнью отразилась в женоненавистнических картинах Пикасо «Зеркало», «Девушка перед зеркалом». В 30-е годы Пабло увлекся созданием скульптур. Появляются работы «Лежащая женщина», «Мужчина с букетом». Одним из экспериментов художника становится создание иллюстраций в виде гравюр к произведениям Овидия и Аристофана.

Военный период

В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже. Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже. Небольшой городок на севере Испании был полностью стерт с лица земли весной 1937 года немецкой авиацией. Народная трагедия нашла отражение в собирательных образах погибшего воина, скорбящей матери, разрубленных на части людей. Символом войны у Пикассо становится изображение быка Минотавра с большими безразличными глазами. С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида.

В конце 30-х годов появляются картины «Ночная рыбалка на Антибах», «Плачущая женщина». Во время войны Пикассо не эмигрировал из оккупированного немцами Парижа. Даже в стесненных бытовых условиях художник продолжал работать. В его картинах «Натюрморт с бычьим черепом», «Утренняя серенада», «Бойня» и скульптуре «Человек с ягненком» появляются темы смерти и войны.

Послевоенное время

Радость жизни вновь поселяется в картинах мастера, созданных в послевоенный период. Красочность палитры и светлые образы нашли свое воплощение в цикле жизнеутверждающих панно, которые Пикассо создавал для частной коллекции в содружестве с художниками Паломой и Клодом Уже.

Излюбленной тематикой этого периода для Пикассо становится древнегреческая мифология. Она находит воплощение не только в живописных полотнах мастера, но и в керамике, которой увлекся Пикассо. В 1949 году для Всемирного Конгресса сторонников мира художник пишет полотно «Голубь мира». Создает мастер и вариации в стиле кубизма на темы живописцев прошлого - Веласкеса, Гойи, .

Личная жизнь

С молодых лет Пикассо был постоянно в кого-то влюблен. В юности подругами и музами начинающего художника становились натурщицы и танцовщицы. Первую любовь молодой Пабло Пикассо испытал, учась в Барселоне. Девушку звали Росита дель Оро, она работала в кабаре. В Мадриде художник познакомился с Фернандо, которая на несколько лет стала его верной подругой. В Париже судьба свела молодого человека с миниатюрной Марсель Умбер, которую все называли Евой, но скоропостижная смерть девушки разлучила влюбленных.

Работая в Риме с русской балетной труппой, Пабло Пикассо женится на Ольге Хохловой. Молодожены обвенчались в русском храме на окраине Парижа, а затем переехали в особняк на берегу моря. Приданое девушки, а также доходы от продажи работ Пикассо позволяли семье вести жизнь зажиточных буржуа. Через три года после свадьбы у Ольги и Пабло рождается первенец, сын Пауло.

Вскоре Пикассо пресыщается хорошей жизнью и вновь становится свободным художником. Он поселяется отдельно от жены и начинает встречаться с молодой девушкой Мари-Терез Вальтер. От внебрачного союза в 1935 году на свет появляется дочь Майя, которую Пикассо так и не признал.

Во время войны очередной музой мастера становится югославская подданная, фотограф Дора Маар, которая своим творчеством подтолкнула художника на поиски новых форм и содержания. Дора осталась в истории как владелица большой коллекции картин Пикассо, которые она сохранила до конца своей жизни. Известны также ее фото полотна «Герника», на которых поэтапно изображен весь путь создания картины.

После войны художник знакомится с Франсуазой Жило, которая внесла в его творчество ноту радости. На свет появляются дети - сын Клод и дочь Палома. Но в начале 60-х годов Жаклин уходит от мастера из-за его постоянных измен. Последней музой и второй официальной женой 80-летнего художника становится обычная продавщица Жаклин Рок, которая боготворила Пабло и оказывала большое влияние на его круг общения. После смерти Пикассо, спустя 13 лет, Жаклин не выдержала разлуки и покончила жизнь самоубийством.

Смерть

В 60-е годы Пикассо полностью отдает всего себя созданию женских портретов. В качестве натурщицы художнику позирует его последняя жена Жаклин Рок. К концу жизни Пабло Пикассо обладал уже мультимиллионным состоянием и несколькими личными замками.

Памятник Пабло Пикассо

За три года до смерти гения в Барселоне был открыт музей его имени, а через 12 лет после его смерти - музей в Париже. За свою долгую творческую биографию Пикассо создал 80 тысяч полотен, более 1000 скульптур, коллажи, рисунки, эстампы.

Картины

• «Первое причастие», 1895-1896 гг.
• «Девочка на шаре», 1905 г.
• «Сидящий на красной скамье Арлекин», 1905 г.
• «Девушка в сорочке», 1905 г.
• «Семейство комедиантов», 1905 г.
• «Портрет Гертруды Стайн», 1906 г.
• «Авиньонские девицы», 1907 г.
• «Молодая дама», 1909 г.
• «Мать и ребенок», 1922 г.
• «Герника», 1937 г.
• «Плачущая женщина», 1937 г.
• «Франсуаза, Клод и Палома», 1951 г.
• «Мужчина и женщина с букетом», 1970 г.
• «Объятия», 1970 г.
• «Двое», 1973 г

О Пабло Пикассо слышали все. Это не только известный испанский художник, но и скульптор, график, керамист, театральный художник, поэт и драматург. Его имя, данное при крещении, состоит из 23 слов — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис Клито Пикассо. Говорят, что он назван так в честь нескольких святых и родственников. Свой редкий талант Пабло проявил в нежном возрасте 10 лет, когда он закончил свою первую картину под названием «Желтый пикадор», на которой изображен человек верхом на лошади во время корриды. За свою жизнь Пабло Пикассо написал много шедевров, которые до сих пор заставляют мир благоговеть. В нашем списке мы перечислили самые знаменитые.

✰ ✰ ✰

10

Старый гитарист

Картина была написана в 1903 году после того, как друг Пикассо, Карлос Касагемас покончил жизнь самоубийством. В это время с пониманием художник относится к оступившимся, униженным судьбой и бедностью. Это полотно было создано в Мадриде, и используемый искаженный стиль напоминает Эль Греко. Здесь изображен изогнутый слепой человек, который держит большую коричневую гитару. Коричневый цвет выходит за рамки общей цветовой гаммы картины. Не только фактически, но и символически гитара заполняет все пространство вокруг старика, который, кажется, не обращая внимания на слепоту и бедность, полностью отдался музыке.

✰ ✰ ✰

9

Девушка перед зеркалом

На написанной в марте 1932 года картине мы видим образ французской любовницы Пикассо, Марии Терезы Вальтер. Стиль этой картины называется кубизм. Идея кубизма — взять объект, разбить его на более простые части, а затем, исходя из нескольких точек зрения, воссоздать те самые части на холсте. В «Девушке перед зеркалом» можно рассмотреть образ тщеславия. Картина на первый взгляд кажется довольно простой, но если присмотреться, то можно найти различные глубокие символы на всех частях картины.

✰ ✰ ✰

8

Герника

Возможно, это одна из самых известных картин Пикассо. Это не просто обычная картина, а еще и сильное политическое заявление. Здесь художник критикует бомбардировки баскского города Герника, проведенные нацистами во время гражданской войны в Испании. Картина размером 3,5 м в высоту и 7,8 м в длину представляет собой мощный обвинительный акт против войны. Используемый стиль живописи представляет собой сочетание в черно-белых тонах пасторали и эпоса. «Герника» — скрупулезное изображение трагедий войны и страданий мирных жителей.

✰ ✰ ✰

7

Три музыканта

Название картины заключает в себе название серии, которая была завершена Пикассо в 1921 году в Фонтенбло недалеко от Парижа. Это довольно большая картина по размеру – ширина и высота ее более 2 метров. Здесь используется синтетический стиль кубизма, который превращает художественное произведение в последовательность плоскостей, линий и дуг. На каждой картине под этим названием изображен Арлекин, Пьеро и монах. Считается, что этими тремя символическими героями являются сам Пикассо, Гийом Аполлинер и Макс Жакоб, соответственно. Аполлинер и Жакоб были очень хорошими друзьями Пикассо в течение 1910-х годов. Некоторые историки, однако, считают, что «Три музыканта» — это запоздалый ответ Пикассо Матиссу и его «Уроку фортепиано».

✰ ✰ ✰

6

Сидящая женщина. Мария Тереза Вальтер

Как и «Герника», это произведение искусства тоже создано в 1937 году. Музой Пикассо была Мария Тереза Вальтер, и он создал множество ее спокойных образов. Многие считают, что эта картина напоминает королеву из колоды игральных карт – такую образность часто проектируют с помощью полос. Работа также выполнена в стиле кубизм наряду с поляризацией красного и зеленого цветов.

✰ ✰ ✰

5

Дора Маар с кошкой

На картине, которая была написана Пикассо в 1941 году, его хорватская любовница изображена сидящей на стуле с маленькой кошкой на плече. За время отношений с Дорой Маар, которые длились десять лет, Пикассо рисовал ее портреты много раз. Сама Дора была фотографом-сюрреалистом. Эта картина считается одним из наименее агрессивных изображений Доры Маар, а также одной из самых дорогих картин в мире. В композиции Пикассо проявил исключительное внимание к деталям, многие из которых символичны.

✰ ✰ ✰

4

Голубая обнаженная

«Голубая обнаженная» является одним из самых ранних шедевров Пикассо. Она была написана в 1902 г. Эта картина из голубого периода Пикассо. В это время Пикассо использовал бледный, холодный синий цвет в качестве доминирующего цвета в его картинах и эскизах. В большинство его картин во время голубого периода с помощью одного цвета отражены сильные эмоции. «Голубая обнаженная» сидит к нам спиной в позе эмбриона. Картина не предлагает никакого подтекста, и ее эмоции не ясны.

✰ ✰ ✰

3

Авиньонские девицы

Этот шедевр написан в 1907 году и является одним из наиболее типичных примеров кубизма в живописи. Картина выходит за рамки традиционной композиции и подачи. Пикассо инновационно использует искаженные женские тела и геометрические формы. Ни одна из фигуры не изображена с традиционной женственностью, и женщины кажутся слегка угрожающими. Пикассо потребовалось девять месяцев, чтобы завершить это полотно. Эта картина также отражает влияние африканского искусства.

✰ ✰ ✰

2

Обнаженная, зеленые листья и бюст

Написанная в 1932 году, картина опять изображает любовницу Пикассо, Марию Терезу Вальтер. Полотно размером около полутора метров в длину и высоту было завершено в течение одного дня. Эта картина считается одним из самых больших достижений Пикассо в межвоенный период. Она порождает иллюзии и считается весьма сексуальной.

✰ ✰ ✰

1

Плачущая женщина

Холст, написанный маслом, «Плачущая женщина» создан Пикассо в 1937 г. Считается, что эта картина является продолжением темы трагедии, которая изображена в Гернике. Рисуя плачущую женщину, Пикассо непосредственно сосредоточился на человеческом аспекте страдания и создал уникальный универсальный образ. Эта картина завершала серию, которую Пикассо нарисовал в знак протеста. Моделью для картины (как и для всей серии) была Дора Маар, которая работала профессиональным фотографом.

✰ ✰ ✰

Это были самые известные картины Пабло Пикассо. Спасибо за внимание.